Billy Cobham – von Jazz zu Fusion

Cobham hatte schon immer einen Hang zu untypischen Rhythmen und genreübergreifenden Elementen. In den 1960er Jahren war er Schlagzeuger in mehreren Jazz-Formationen und orientierte sich zunächst am Free Jazz. Doch dann bewegte er sich in Richtung Jazz-Rock weiter und trieb die Entwicklung von Fusion maßgeblich mit voran.

Er brachte Elemente der Latin-Musik ein und war einer der ersten Drummer, der essenziell mit der Doublebass-Technik arbeiteten. Darüber hinaus wurde er von zahlreichen Jazz- und Rockgrößen für Studio- und Liveprojekte engagiert, darunter Miles Davis, Eumir Deodato und Carlos Santana.

1973 nahm er sein erstes eigenes Album auf. „Spectrum” gilt nicht nur als Klassiker des Genres, sondern beeinflusste später auch samplebasierte Genres wie Trip Hop. Der Groove des Titels „Stratus” diente als Grundlage für „Safe from Harm” von Massive Attack. Ebenso wurde der Song „Red Baron“ mehrfach gesamplet. Aber auch viele Jazz-Bassisten spielen „Stratus” gern in ihrem Programm.

„Times of my Life“ – zurück zu den Anfängen

Das neue Album wurde mit Cobhams Band „Time Machine“ eingespielt. Die klassisch zusammengestellte Formation entspricht denen seiner ersten Alben, die überwiegend für eine Septett-Besetzung konzipiert waren.

Gary Husband, der hier Rhodes und Piano spielt, obwohl er eigentlich selbst Drummer ist, hat eine Aufnahme-Session des Titelsongs als Video auf seinem YouTube-Kanal gepostet.

Physische Veröffentlichung

Warum hat Billy Cobham das Video nicht selbst zur Promotion gepostet? Ganz einfach: Er hat sich aus den sozialen Medien zurückgezogen. In einem Interview bezeichnete er die gesamte aktuelle Medienlandschaft als „sehr dünn und eindimensional”. Zwar sind seine früheren Werke noch auf Streaming-Plattformen vertreten, doch das neue Album ist (zumindest bislang) nur als CD und LP erhältlich.

Billy Cobham auf Europa-Tour

Das neue Album wird im Rahmen einer Tournee vorgestellt. Dabei ist er ab dem 29. April auch in Deutschland unterwegs. Zu den Stationen gehören das Jazzfestival in Gronau sowie Bonn, Paderborn, Hamburg, Kassel, Dresden, Berlin und andere. Auch in Österreich und der Schweiz gibt es Konzerte. Den kompletten Tour-Plan könnt ihr unter diesem Link einsehen.

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30 Jahre „Firestarter“

Auch nach drei Jahrzehnten ist der Track noch immer aktuell und hat nichts von seiner Kraft und Dynamik verloren. „Firestarter” war die erste Single-Auskopplung aus dem dritten Album der Band „The Fat of the Land”. Den Song schrieben Liam Howlett, der musikalische Kopf der Band, und Keith Flint, der bis dahin nur als Tänzer in Erscheinung getreten war und hier erstmals als Sänger auftrat. In den Credits wird außerdem Kim Deal genannt, da ihr Gitarren-Riff für den Track verwendet wurde.

Die Samples von „Firestarter“

Selbst vielen Fans ist nie aufgefallen, dass Samples die wesentlichen Grundelemente des Tracks sind. Der knallige Beat wurde nicht programmiert, sondern ist hauptsächlich ein Loop aus dem etwas obskuren R&B-Song „Devotion (The Voice of Paradise Mix)” von Ten City. Die Drums wirken darin fast wie ein Fremdkörper.

Das Gitarren-Riff stammt aus dem Song „S.O.S.” von The Breeders. Zuletzt wurde noch das Vocal-Sample „Hey” von Art of Noise’ „Close (To the Edit)” hinzugefügt. Angeblich kam es speziell darüber zum Rechtsstreit, der aber offenbar doch noch geregelt wurde. Der Song ist bis heute in offiziellen Playlists gut vertreten. Allein der offizielle YouTube-Kanal von The Prodigy verzeichnet über 200 Millionen Aufrufe von „Firestarter”.

Die Synthesizer von Liam Howlett

Es gibt nur wenig gesicherte Information darüber, welches Equipment konkret bei der Produktion von „Firestarter“ eingesetzt wurde. Hingegen wurde Howletts Studioausstattung aus dieser Zeit recht gut dokumentiert. Dazu gehörten unter anderem Korg Prophecy, Roland SH-101, Sequential Circuits Pro One, Clavia Nord Lead, Emu Orbit, Emu Proteus World, Emu Vintage Keys, Roland Juno-106, Roland TB-303 und Roland U-220. Die meisten Geräte sind inzwischen als Plug-ins verfügbar, z. B, in der Korg Collection oder der Roland Cloud.

Eindeutig identifizieren lässt sich ein Preset-Sound aus dem Korg Prophecy, der im Break verwendet wurde. Dem Klang nach könnte auch der markante Leadsound aus dem Prophecy stammen. Zur typischen Produktionsweise von The Prodigy gehörten Gitarren-Pedale, mit denen die Synthesizer bearbeitet wurden.
Ein Akai-Sampler war für den Drumloop, einzelne Drumsounds und das Gitarren-Riff zuständig. Zuvor hatte Howlett einen Roland W-30.

„Firestarter“ läuft und läuft und läuft …

Derzeit sind The Prodigy auf Europa-Tour (leider ohne Konzert in Deutschland) und zelebrieren dabei nicht zuletzt „Firestarter“, der ihr große Durchbruch war. Allerdings ist Keith Flint nicht mehr dabei, da er im Jahr 2019 unter nicht ganz geklärten Umständen verstarb.

Website von The Prodigy mit Tourdaten

The Prodigy YouTube-Kanal

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Was bringen Controller-Module im Eurorack-System?

Ein Modularsystem ist relativ maschinenhaft. Sequenzer, Clock und Logikschaltungen laufen nach festen Schemata, während Modulatoren ihre Abläufe ständig wiederholen. Das übt natürlich einen gewissen Reiz aus, dennoch fehlt mitunter der „Human-Faktor”. Man möchte als Individuum in das System eingreifen und zumindest einen Teil selbst steuern, spontan aus dem Gefühl heraus Parameter verändern und mit kleinen Ungenauigkeiten auch bestimmte Emotionen transportieren.

Für diesen Anspruch gibt es unterschiedliche Controller-Module, die es im wahrsten Sinne des Wortes ermöglichen, bei einem Patch selbst Hand anzulegen. Sei es zur intuitiven Steuerung eines Filters, zur dramatischen Steigerung von Effekten oder zur Auflockerung von Rhythmiken.

Die verschiedenen Arten von Controller-Modulen

Bei Controller-Modulen geht es grundsätzlich darum, eine manuelle Bewegung in eine Steuerspannung umzusetzen, mit der sich Parameter beliebiger Module über deren CV-Eingänge steuern lassen. Welche Art von Controller man bevorzugt, ist Geschmackssache. Die Auswahl ist groß: Neben Modulen mit normalen Fadern, Reglern und Tasten gibt es viele andere Ansätze. Im Prinzip kann man jeden Controller für nahezu jede Aufgabe nutzen.

Joysticks und XY-Pads

Die Steuerung auf zwei Achsen ermöglicht die gleichzeitige und kombinierte Kontrolle von mindestens zwei Parametern. Der sichere Griff an einem Joystick ist sehr direkt und das Gefühl eines XY-Pads kennt jeder vom Laptop.

Sensor-Flächen

Kapazitive Controller bestehen aus einer oder mehreren Flächen, die durch Berührung mit dem Finger oder einem geeigneten Gegenstand eine Spannung generieren. Die Flächen eignen sich einerseits dazu, Gate-Impulse auszulösen. Andererseits registrieren einige Sensoren auch die Auflagefläche des Fingers und können so variable Spannungen erzeugen. Die Varianten reichen vom Mini-Keyboard bis zum Mehrfach-Controller.

Eine spezielle Form sind Kontaktmikrofone, die am Panel des Moduls angebracht sind. Durch Klopfen und Kratzen am Modul können hier nicht nur CV- und Gate-Signale, sondern auch Audiosignale erzeugt werden, die anschließend weiterbearbeitet werden.

Ribbon – groß und klein

Mit einem Ribbon-Controller assoziiert man klassisch das Trautonium, bei dem ein länglicher Controller die Keyboard-Tastatur ersetzt, denn damit lassen sich lange Slides und beliebige Zwischentonhöhen spielen. Kürzere Ribbons bieten sich hingegen als Alternative zu Handrädern und Schiebereglern an.

Berührungslose Controller-Module

Theremin-Antennen und lichtempfindliche Sensoren sind besonders bei Live-Auftritten beliebt, da die damit verbundenen Gesten die Klangveränderungen auf der Bühne eindrucksvoll veranschaulichen. Allerdings lassen sich diese Controller nur schwer für präzise Ergebnisse, etwa zur Steuerung der Tonhöhe, einsetzen. Hier kann ein Quantizer Abhilfe schaffen.
Bei weniger kritischen Parametern, wie der Filter-Cutoff oder Effekten, ist das hingegen kein Problem.

Unter diesem Link findet ihr eine Auswahl an Drums-Modulen bei MUSIC STORE professional.

Unter diesen Links könnt ihr die bisherigen Teile unserer Tutorial-Reihe nachlesen:

20 – Drums

19 – Synth Voice

18 – Clock

17 – Waveshaper

16 – Sample & Hold

15 – MIDI/CV-Interface

14 – Multiple

13 – VCA

12 – LFO

11 – Hüllkurve

10 – Filter (3)

9 – Filter (2)

8 – Filter (1)

7 – Ring Modulator

6 – Noise Generator

5 – Mixer für CV

4 – Mixer für Audio

3 – digitale Oszillatoren

2 – der VCO

1 – die erste Entscheidung

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Piano Day 2026

Das Konzept des Feiertages baut darauf, das Klavierliebhaber ihre Events selbst organisieren. Wer etwas organisiert hat, kann seinen Event auf der „Piano Day“-Website eintragen lassen. Doch findet sich eine Übersicht mit Links zu den einzelnen lokalen Veranstaltungen, die in diesem Jahr zwischen dem 19. und 29. März stattfinden.

Begleitend wird es das fünfte offizielle Album „Piano Day: Places“ geben, das am 27. März auf allen digitalen Plattformen zum Streamen und Herunterladen verfügbar sein wird. Darauf sind exklusiven Titel von Künstlern wie Alfa Mist, Felicia Atkinson, Ralph Heidel und Viktor Orri Árnason vereint.

Für die DACH-Region sind bislang folgende Termine aufgelistet:

• 22.3. – Haus der Musik, Regensburg
• 28.3. – Patrick Kutscha, Berlin
• 28.3. – Johannes Mothschmann & Brüder Selke, Klavierwerkstatt Kaulsdorf Berlin
• 28.3. – Yoga meets Piano – Felicitas Ntomchukwu & Thomas Lambrich, Hamburg
• 28.3. – Klänge aus der Stille – Thomas Lambrich, Hamburg
• 29.3. – Moon Language – Michaela Rea Catranis, Berlin
• 29.3. – Stadtkirche, Offenbach am Main
• 29.3. – Michael Thalmann spielt Liszt, Valposchiavo (CH)
• 29.3. – Martell Beigang „MAAR“, Köln

Die Piano Day ist nicht nur eine Gelegenheit, um interessante Live-Musik zu genießen, sondern auch Inspiration für die eigene Musik und vielleicht auch eine Anregung, um selbst mit dem Klavierspiel zu beginnen.

Zur Einstimmung eine ARTE-Playlist mit Videos von vorangegangenen „Piano Day“-Konzerten:

Der Beitrag Piano Day 2026 – Das Fest der 88 Tasten erschien zuerst auf KEYBOARDS / SOUND & RECORDING.

Musikindustrie mit Umsatzplus in 2025

Der Anstieg ist zwar nicht gewaltig, lässt aber womöglich einen positiven Ausblick auf die Zukunft zu. Für die Bilanz wurden die Umsätze aus Streaming und Downloads sowie die Verkäufe von CDs, Vinyl und anderen Medien zusammengenommen. Der Gesamtumsatz belief sich auf 2,42 Milliarden Euro, die daraus resultierenden Industrieeinnahmen betrugen 1,33 Milliarden Euro.

Den Löwenanteil bestritten die digitalen Verkäufe. Mit 84,4 % generierte Streaming den mit Abstand größten Anteil aller Einnahmen. Das ist ein Wachstum von 4,1 % gegenüber dem Vorjahr. Downloads spielen mit einem Anteil von lediglich 1,4 % am Gesamtvolumen kaum eine Rolle.

Der Anteil der physischen Datenträger lag bei nur 14,2 % (= 345 Millionen Euro), was einem Rückgang von 5,9 % entspricht. Damit hat sich die Lücke zum digitalen Markt noch weiter vergrößert. Eine positive Ausnahme ist das Vinyl-Segment, das ein kleines Plus von 2,8 % verzeichnen konnte. Damit schlossen Vinyl-Platten zu den CD-Verkäufen auf, konnten diese aber noch nicht überholen. Die CD bleibt somit das zweitwichtigste Medium, wenngleich der Abstand zum Streaming riesig ist.

Was bedeutet das für Musiker?

Ist das ein echter Aufwärtstrend? Und wenn ja, wer hat den Nutzen davon? Wie man es dreht und wendet: An Streaming kommt man so gut wie nicht vorbei. Doch hier liegt das Problem: Bei einem durchschnittlichen Erlös von 0,004 Cent pro Stream (abhängig von der Plattform) abzüglich der Margen der Betreiber sowie der Anteile der Labels bzw. anderen Verträgen, kommt im Endeffekt vielleicht gerade mal ein Fünftel des Gewinns bei den Musikern an. Dabei liegen die Spannen jedoch weit auseinander, da viele Faktoren zusammenspielen.

Angesichts von Herausforderungen wie KI-generierter Musik oder der Abkehr von Spotify ist Streaming eher als Werbeplattform für Musiker anzusehen als eine sichere Einnahmequelle. Live-Auftritte und physische Medien wie CDs, Vinyl und MCs, die nach einem Auftritt direkt an Fans verkauft werden, sind womöglich der sicherere, wenn auch kleinere und aufwendigere Weg, um mit Musik zählbare Einkünfte zu erzielen. Wie haltet ihr das? Schreibt eure Erfahrungen in die Kommentare.

Website BVMI

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Éliane Radigue lernte bei Pierre Schaeffer & Pierre Henry

Radigue hatte das Glück bei gleich zwei wichtigen Protagonisten der „musique concrète“ zu lernen und mit ihnen zu arbeiten. Zunächst studierte sie bei Schaeffer und wurde in den 1960er Jahren seine Assistentin. Unter anderem entwickelte sie einige Klänge, die dann in Schaeffers Werken verwendet wurden. Später hatte sie eine ähnliche Position bei Henry inne.

Allerdings trennte sich bald ihre Wege, da Radigue viel mit Rückkopplungen mit Mikrophonen und Tape-Loops experimentierte, was bei Schaeffer und Henry auf wenig Gegenliebe stieß. Radigue fühlte sich eher zu den Minimalisten wie Philip Glass und Steve Reich hingezogen, die in Amerika einen ganz anderen Ansatz für „neue“ Musik verfolgten.

Der ARP 2500 und nichts anderes

Als Radigue sich immer mehr der elektronischen Musik zuwandte, legte sie sich auf den Modularsynthesizer ARP 2500 fest. Sie nahm die Klänge auf Tape-Loops auf und kombinierte diese zu Kollagen. Dabei blieben ihre Stücke, die mitunter mehrere Stunden dauerten, stets sehr ruhig und entwickelten sich nur langsam mit geringfügigen Veränderungen im Klang. Auf melodische und rhythmische Elemente verzichtete sie vollends. Damit wurde sie zur Vorreiterin der elektronischen Drone-Musik. Aber ihre größeren Werke veröffentlichte sie nur in mehrjährigen Abständen.

Ende der Elektronik

Mit „L’île re-sonante“ schuf Radigue im Jahr 2000 ein letztes elektronisches Werk und verabschiedete sich von ihrem ARP 2500. Sie wendete sie sich fortan akustischen Instrumenten zu. Aber ihr Kompositionsstil blieb im Wesentlichen gleich: ruhige Klanglandschaften, sich schichtende Klänge, keine Rhythmen.

2019 erhielt sie den Giga-Hertz-Preis des ZKM für ihr Lebenswerk. Ihr Einfluss auf die elektronische Musik und Drone-Musik wird fortbestehen.

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Die Aufgabe besteht darin, den Titel „Never Lose My Drive“ der Pop-Funk-Band „Searching for Home“ zu optimieren. Die Teilnehmer sollen mit ihrem Mastering „… so viel Funk und Groove wie möglich herausholen“.

Wer an dem Wettbewerb teilnehmen möchte, erhält einen Download-Link für den Song. Für die Bearbeitung hat dann jeder Teilnehmer Zeit bis zum Einsendeschluss am 30. April 2026.

Die Tonmeister der Bauer Studios beurteilen dann die eingeschickten Werke und geben die Gewinner am 1. Juni 2026 bekannt. Für die drei ersten Plätze winken:

1. Softube Weiss Complete Collection 3
2. Sonnox Mastering Bundle
3. Steinberg WaveLab Pro 13

Für die Plätze 4 bis 10 gibt es einen 10 % Rabattgutschein auf ein Produkt aus dem Webshop der Bauer Studios.

Unter diesem Link kommt ihr zur Bauer Studios Mastering-Challenge.

Website von Searching for Home

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Nonesuch Records – Label ohne Berührungsängste

Das Label Nonesuch Records wurde 1964 zunächst für Klassik gegründet, erweiterte aber später das Spektrum um zeitgenössische Klassik, Jazz, Weltmusik, Americana-Roots, Alternative-Indie, Musical und Soundtracks. Typisch für das Label sind weniger bestimmte Genres als die Einstellung zur Musik allgemein. Man will offen und grenzüberschreitend sein und strebt langfristige, künstlerorientierte Zusammenarbeit mit den Musikern an. Zu den bekanntesten Künstlern, die auf Nonesuch veröffentlicht haben, gehören u.a. Philip Glass, Steve Reich, Ry Cooder, George Gershwin u.v.m., darunter auch der Buno Vista Social Club.

Wir haben stellvertretend drei Künstler mit ihren Selects ausgewählt, die sie im Archiv von Nonesuch herausgesucht haben. Nach ihrem Vorstellungs-Clip folgen in der Playlist die entsprechenden Titel, sodass man sich schnell einen Eindruck verschaffen kann. Auf der Nonsuch-Website findet ihr noch viele weitere Selects-Playlisten.

Nonesuch Selects – Steve Reich

Steve Reich zählt neben Philip Glass und Terry Riley zu den Pionieren und wichtigsten Vertretern der Minimal Music. Sein Katalog, der von den 1960ern bis in die 2020er reicht, ist gewaltig und brachte ihm viele Auszeichnungen ein. Der Bogen seiner Favoriten spannt sich von klassischen Werken bis hin zu Avantgarde und Weltmusik.

Website von Steve Reich

Nonesuch Selects – Laurie Anderson

Die Performance-Künstlerin und Musikerin Laurie Anderson hat mit vielen hochkarätigen Musikern zusammengearbeitet, darunter Peter Gabriel, Jean-Michel Jarre, John Cage, Philip Glass, Lou Reed und Bobby McFerrin. Der künstlerische Austausch ist ein essenzieller Teil ihres Schaffens. Das spiegelt sich in ihrer Auswahl wider: Randy Newman, Rhys Chatham, aber auch Werke von Philip Glass und Steve Reich.

Website von Laurie Anderson

Nonesuch Selects – Robert Plant

Robert Plant ist natürlich in erster Linie als Sänger von Led Zeppelin bekannt. Nach der Auflösung der Band begann er eine Solokarriere, die ihn in ganz andere musikalische Gewässer führte. So reichen seine Selects von afrikanischer Musik bis Cootzie Coo.

Website von Robert Plant

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Drums in Modulform

Ein Modul, das alle Elemente für einen Drum- oder Percussion-Sound beinhaltet, ist im Grunde eine Synth Voice. Ein Klanggenerator, ein Filter, eine Hüllkurve und ein VCA sind eine komplette Synthesizerstimme. In der Regel sind jedoch bei Drums einige oder alle Elemente mehrfach vorhanden. Der Unterschied zu einer Synth Voice besteht darin, dass diese auf die Erzeugung perkussiver, meist nicht tonal spielbarer Klänge ausgerichtet ist.

Die Ausstattung kann minimal oder komplex sein. Das wird durch die Art des Sounds bestimmt. So hat eine Snare mehr Elemente als eine Bongo und ein Kick ist prinzipiell einfacher als ein Clap. Allerdings sind nicht immer alle internen Funktionen per Regler erreichbar. So kann ein Hihat-Modul mehr Bauteile auf der Platine haben als eine mächtige Bassdrum.

Spezialist vs. Chamäleon

Grundsätzlich lassen sich Drum-Module in zwei Gruppen unterteilen. Einerseits gibt es Module, die sich einem spezifischen Instrument widmen, wie beispielsweise Bassdrum, Snare, Hi-Hat oder Clap. Hier sind die Parameter von vornherein aufeinander abgestimmt, um den Sound schnell und effektiv einstellen zu können. Eine Reihe dieser spezialisierten Module orientiert sich ausdrücklich an legendären Drum-Maschinen wie der TR-808 oder der TR-909.

Auf der anderen Seite gibt es universelle Module, die ein breites Spektrum abdecken. Hier lassen sich die Parameter so weit verstellen, dass sich alles von Kick über Percussion bis Cymbal erzeugen lässt. Das ermöglicht oft sehr abgefahrene und individuelle Klänge. Wenn man jedoch auf einen bestimmten Sound aus ist, gelingt dieser nicht immer so gut wie mit einem Spezialisten. Mitunter braucht man auch etwas länger, bis man einen passenden Sound eingestellt hat.

Die allermeisten Drums im Modularsektor sind analog aufgebaut. Es gibt jedoch auch digitale und Sample-basierte Drums bzw. Sampler-Module, die auf kurze One-Shot-Samples ausgelegt sind. Damit lässt sich ein Drumkit um besondere Sounds erweitern.

Trigger und CV-Steuerung

Alle Drums benötigen zum Anstoß einen Trigger-Impuls (kein Gate), der in der Regel von einem Step Sequenzer kommt. Einige Module besitzen einen zweiten Trigger-Eingang, der die Accent-Funktion auslöst. Dabei wird der Sound nicht nur in der Lautstärke, sondern auch in verschiedenen Klangparametern wie dem Filter oder dem Decay betont.

Mit der Steuerung der wichtigsten Parameter über CV-Eingänge gewinnen die Drums an Dynamik. Pitch oder Tune, Decay und, sofern vorhanden, Filter sind die häufigsten Funktionen, die sich per LFO oder Sequenzer modulieren lassen.

Nicht vergessen: ein Mixer für die Drums

Ein Drumkit besteht oft aus sechs, acht oder mehr Instrumenten. Da jedes Drum-Modul eine eigene Stimme darstellt, hat es auch einen eigenen Ausgang. Um das gesamte Kit zusammenzufassen und an den Ausgang zu leiten, wird ein Mixer mit entsprechend vielen Kanälen benötigt. Hersteller, die modulare Drums anbieten, haben in der Regel auch einen entsprechenden Mixer im Portfolio.

Unter diesem Link findet ihr eine Auswahl an Drums-Modulen bei MUSIC STORE professional.

Unter diesen Links könnt ihr die bisherigen Teile unserer Tutorial-Reihe nachlesen:

19 – Synth Voice

18 – Clock

17 – Waveshaper

16 – Sample & Hold

15 – MIDI/CV-Interface

14 – Multiple

13 – VCA

12 – LFO

11 – Hüllkurve

10 – Filter (3)

9 – Filter (2)

8 – Filter (1)

7 – Ring Modulator

6 – Noise Generator

5 – Mixer für CV

4 – Mixer für Audio

3 – digitale Oszillatoren

2 – der VCO

1 – die erste Entscheidung

Der Beitrag Tutorial: Einstieg ins Eurorack 20 – Drums erschien zuerst auf KEYBOARDS / SOUND & RECORDING.

Roland JP-08 – VA-Synthesizer mit Jupiter-DNA

Vor rund zehn Jahren brachte Roland mit dem kleinen JP-08 ein Desktop-Modul auf den Markt, das den berühmten Sound des Analog-Klassikers Jupiter-8 als modernes und vor allem günstiges Gerät bot. Die Klangerzeugung basiert auf Rolands ACB-Technologie (Analog Circuit Behavior) und es wurde mit vielen Fadern und Tastern Wert auf eine direkte Bedienung gelegt. Allerdings waren aufgrund der kompakten Bauweise die Fader sehr kurz und die Polyphonie auf nur vier Stimmen beschränkt. Immerhin ließen sich zwei Geräte per Chain-Mode koppeln, um acht Stimmen zu erreichen. Das brachte Craig Barnes auf eine Idee.

JP-08² – zwei Module samt Controller

Für sein Projekt JP-08² nutzt Barnes den Chain-Mode, um die acht Stimmen des originalen Jupiter-8 zu erreichen. Darüber hinaus entwarf er ein Controller-Panel, das über Sysex und MIDI-CCs Patch-Wechsel sowie Parameterveränderungen der beiden Module steuert. Dazu gehört auch eine Stimmenzuweisung, mit der zusätzlich zum Poly-Mode auch Dual-, Split-, Solo- und Unison-Modes möglich sind.

Für eine bessere Bedienung wurden längere Fader, größere Tasten und ein textfähiges OLED-Display eingesetzt. Zudem wurden Bedienelemente untergebracht, mit denen Chorus und Delay direkt zugänglich sind. Ein gänzlich neues Element ist der via MIDI-Clock synchronisierbarer Arpeggiator, der dem Original des Juno-8 nachempfunden ist und beim JP-08 fehlt.

Da eine Steuerung der Lautstärke über MIDI-CCs beim JP-08 nicht vorgesehen ist, konstruierte Barnes einen MIDI-steuerbaren Mixer. Mit diesem kann die Balance zwischen den beiden Modulen gesteuert und die Einstellung auch abgespeichert werden.

Für das Gehäuse hat Barnes ein altes CME UF60-Controller-Keyboard umgebaut. Das Panel des Keyboards wurde komplett ausgetauscht und durch die JP-Bedienoberfläche ersetzt. Diese bietet viel mehr Platz für Fader und Tasten. Die Gestaltung ist natürlich an den Jupiter-8 angelehnt.

Infos auf GitHub

Der JP-08² wurde gut umgesetzt und ist schön anzusehen. Aber hat man auch etwas davon? Durchaus. Denn Craig Barnes hat Schematics und den Code auf GitHub zur freien Verfügung gestellt. So kann man sich eine eigene Version des auf dem JP-08 basierenden Jupiter-8 bauen – sofern man die handwerklichen und technischen Fähigkeiten dazu hat. Alternativ kann man auch ein abgewandeltes Projekt entwickeln, indem man zwei andere Modelle aus der Roland Boutique-Serie verwendet, etwa den JU-06 oder JX-03 – nur so eine Idee …

YouTube-Kanal von Craig Barnes

JP-08²-Unterlagen auf GitHub

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