Wer echtes Old-School-MPC-Programmierfeeling schätzt, aber auf einen gewissen Bedienkomfort nicht verzichten möchte, sollte sich die Akai MPC 1000 genauer ansehen. Denn sie gehört zu den letzten Modellen, die noch den klassischen MPC-Workflow verkörpern, ohne dabei zu sperrig oder unpraktisch zu sein. Gerade deshalb ist sie bis heute ein gefragter Sample-Drumcomputer auf dem Gebrauchtmarkt.

Unter MPC-Fans gibt es bis heute eine Fraktion, die modernen Modellen wie MPC Live oder MPC Pro XL mit Skepsis begegnet. Der Vorwurf: Touchscreen, komfortable Editierfunktionen und DAW-nahe Arbeitsweise hätten mit dem „echten“ MPC-Gefühl nur noch wenig zu tun. Ob man das so sieht oder nicht, ist letztlich Geschmackssache. Fakt ist aber: Kreative Einschränkungen können inspirierend wirken. Wer sich auf das Wesentliche konzentrieren muss, arbeitet oft fokussierter und intuitiver. Genau hier setzt die MPC 1000 an.

Noch ein kurzer Hinweis zum Sprachgebrauch: Wir verwenden bei der Bezeichnung der MPC-Geräte traditionell die weibliche Form, also „die MPC“. Diese Bezeichnung ist im deutschsprachigen Musikeralltag seit Jahrzehnten üblich, auch wenn man grammatikalisch darüber diskutieren kann.

Die Akai MPC 1000: kompakt, leistungsstark und bis heute gefragt

Akai entwickelte die MPC 1000 als kleinere und leistungsfähigere Alternative zur erfolgreichen MPC 2000 XL. Im Frühjahr 2004 kam sie zu einem vergleichsweise moderaten Preis von 1.077 Euro auf den Markt. Mit ihren kompakten Maßen von 33 x 22 x 7 cm war sie damals die kleinste MPC ihrer Art – nur die später erschienene MPC 500 fiel noch deutlich kleiner aus.

Wenige Monate nach der Markteinführung stellte Akai außerdem die MPC 2500 vor. Sie bietet normalgroße Pads, eine größere Bedienoberfläche, zusätzliche Bedienelemente, ein CD-ROM-Laufwerk und eine ausgereiftere Firmware. Auf dem Gebrauchtmarkt ist die MPC 2500 allerdings deutlich seltener und meist erheblich teurer als die Akai MPC 1000. Gerade deshalb bleibt die 1000er für viele Musikerinnen und Musiker die attraktivere Wahl.

Robustes Gehäuse, klassisches Bedienkonzept

Die Verarbeitungsqualität der MPC 1000 ist überzeugend. Das stabile Stahlblechgehäuse mit Kunststoffseitenteilen wirkt ausgesprochen robust und tourtauglich. Optisch orientiert sich das Modell an Akais blauer Z-Sampler-Serie Z4 und Z8, von der die Maschine auch einige technische Eigenschaften geerbt hat.

Das Display ist gut ablesbar und arbeitet mit sechs zugeordneten Funktionstasten. Dadurch bleibt die Bedienung direkt und logisch. Auf der linken Seite sitzt der Q-Link-Fader, mit dem sich Parameter in Echtzeit steuern lassen, etwa Pitch, Filter-Cutoff, Resonanz, Attack oder Decay. Besonders praktisch: Diese Bewegungen lassen sich als MIDI-Daten aufzeichnen, wiedergeben und später editieren. Genau solche Details machen den Reiz des klassischen MPC-Workflows aus.

Die 16 Pads fallen etwas kleiner und härter aus als bei älteren Modellen. Außerdem sind sie rechteckig statt quadratisch. Trotzdem vermitteln sie ein authentisches MPC-Spielgefühl und eignen sich gut zum Einspielen von Beats und Samples.

Pads, Speicher und Gebrauchtkauf: Darauf sollte man achten

Wer eine Akai MPC 1000 gebraucht kaufen möchte, sollte die Pads besonders genau prüfen. Die ursprüngliche Version wurde mit 16 einzelnen Pads ausgeliefert. Das Problem dabei: Mit der Zeit kann Staub in die Zwischenräume eindringen und die Funktion beeinträchtigen. Viele Geräte wurden deshalb auf eine modernere Pad-Matte umgerüstet, die staubdichter und langlebiger ist.

Ob diese Nachrüstung bereits erfolgt ist, lässt sich relativ leicht feststellen: Drückt man ein Pad seitlich herunter und das benachbarte Pad bewegt sich mit, ist die neue Pad-Matte verbaut. Bleibt das Nachbarpad unbewegt, sind noch die alten Einzelpads montiert. Das muss nicht automatisch ein Nachteil sein, doch bei einem Gebrauchtkauf ist dieser Punkt definitiv relevant.

An der Unterseite der Maschine befindet sich ein Schacht für eine optionale Festplatte mit bis zu 80 GB Speicherkapazität. Das war seinerzeit komfortabel und macht die MPC 1000 auch heute noch flexibel, wenn man sie als autarke Produktionszentrale nutzen möchte.

Anschlüsse und Ausstattung: auch heute noch praxisgerecht

Auch anschlussseitig ist die MPC 1000 ordentlich ausgestattet. Sie bietet USB für den Sample-Transfer, vier Einzelausgänge, Stereo-Outs, ein S/PDIF-Interface sowie zwei MIDI-Ein- und Ausgänge. Damit lassen sich bis zu 32 MIDI-Kanäle nutzen. Für ein Gerät dieser Größe ist das bis heute bemerkenswert.

Auf der Vorderseite sitzen außerdem zwei Fußschalteranschlüsse, ein Kopfhörerausgang und der Slot für Compact-Flash-Karten, die sich auch heute noch problemlos gebraucht beschaffen lassen.

Technische Daten der Akai MPC 1000

• Samplerate: 44,1 kHz / 16 Bit
• Polyphonie: 32 Stimmen
• RAM: 16 MB ab Werk, erweiterbar auf 128 MB
• Flash-ROM: 5 MB
• Sequencer-Kapazität: bis zu 100.000 Noten
• Spuren: 64
• Sequenzen: maximal 99
• Songs: maximal 20
• Maße: 33 x 22 x 7 cm
• Speichermedien: Compact-Flash, optionale Festplatte
• Anschlüsse: USB, S/PDIF, Stereo-Out, 4 Einzelausgänge, 2x MIDI In, 2x MIDI Out

Sampler und Sequenzer: klassisch, direkt und erstaunlich stark

In der Grundausstattung ist die MPC 1000 mit eher knappen 16 MB RAM bestückt. Das wirkt aus heutiger Sicht spartanisch, lässt sich aber auf 128 MB erweitern. Zusätzlich verfügt die Maschine über ein 5 MB großes Flash-ROM, sodass beim Einschalten direkt bestimmte Sounds und Sequenzen geladen werden können.

Die Klangerzeugung arbeitet mit 44,1 kHz bei 16 Bit und bietet 32 Stimmen Polyphonie. Bei sehr dichten Arrangements kann das knapp werden, doch für klassische Beat-Produktionen, Pattern-basierte Tracks und sampleorientiertes Arbeiten reicht das in vielen Fällen vollkommen aus. Der Sequenzer übernimmt die Kapazität der MPC 2000: Bis zu 100.000 Noten auf 64 Spuren, verteilt auf maximal 99 Sequenzen und 20 Songs, sind möglich.

Wichtiger als nackte Zahlen ist jedoch das Spielgefühl. Und genau hier liefert die Akai MPC 1000 ab: Der Sequenzer arbeitet tight, direkt und zuverlässig. Wer mit Hardware groovt statt mit der Maus zu klicken, wird sich schnell zuhause fühlen.

JJOS: Die Firmware, die die MPC 1000 legendär machte

Ein wesentlicher Grund für den anhaltenden Kultstatus der MPC 1000 ist das alternative Betriebssystem JJOS. Es stammt von einem ehemaligen Entwickler aus dem MPC-Umfeld, der unter dem Namen JJ eigene, deutlich erweiterte und stabil laufende Betriebssysteme für die Modelle MPC 1000 und MPC 2500 veröffentlichte.

Die letzte offizielle Akai-Firmware trägt die Versionsnummer 2.13, doch für viele Nutzer spielt sie heute nur noch eine Nebenrolle. Denn JJOS erweitert die Maschine in entscheidenden Punkten und macht aus der MPC 1000 ein wesentlich flexibleres Werkzeug. Die alternative Firmware basiert teilweise auf der verbesserten OS-Struktur der MPC 2500 und baut Funktionen wie Grid Edit und Sample Slicing konsequent aus.

Besonders interessant ist dabei, dass JJOS nicht einfach nur mehr Features bietet, sondern den kreativen Workflow tatsächlich verbessert. Events lassen sich im Grid deutlich präziser setzen, unabhängig vom teils starren Swing-Faktor. Das erlaubt eine geradezu chirurgische Bearbeitung von Grooves. Hinzu kommen eine übersichtlichere Ordner- und Sample-Verwaltung, aufnehmbare Mutes, spontane Sequenzwechsel und flexible Pad-Belegungen für Menüs.

Ein Highlight ist für viele Anwender das Second-Sequence-Feature. Damit lässt sich zusätzlich zur gerade laufenden Sequenz eine zweite Sequenz starten. Auf der Bühne ist das für fließende Übergänge zwischen zwei Tracks extrem praktisch. Aber auch im Studio eröffnet diese Funktion interessante Möglichkeiten, um Pattern schnell zu kombinieren und neue Grooves zu entwickeln. Genau solche Features zeigen, warum die Akai MPC 1000 mit JJOS noch immer einen so guten Ruf genießt.

Klang und Praxis: druckvoll, direkt, aber nicht ohne Schwächen

Klanglich liefert die MPC 1000 genau das, was viele von einer klassischen MPC erwarten: einen druckvollen, kantigen und durchsetzungsfähigen Grundsound. Im Zentrum steht weniger klangliche Schönfärberei als vielmehr ein direkter, griffiger Charakter, der vor allem in Hip-Hop, elektronischer Musik und samplebasierten Produktionen hervorragend funktioniert.

Weniger überzeugend fällt aus heutiger Sicht die Effektsektion aus. Reverb, Delay und Distortion sind funktional, klingen aber teilweise deutlich hinter modernen Standards zurück. Vor allem Reverb und Distortion wirken eher durchschnittlich. Zudem sollte man es mit den internen Effekten nicht übertreiben, da der Prozessor bei hoher Last hörbar an seine Grenzen kommen kann. Trotzdem bleibt der Gesamteindruck positiv, denn der eigentliche Sequencer- und Sampling-Kern ist stark und musikalisch nach wie vor relevant.

Welche Künstler die MPC 1000 genutzt haben

Zum Kreis bekannter MPC 1000-Nutzer zählen unter anderem DJ Shadow, Autechre, Chromeo, Culcha Candela und MF DOOM. Das unterstreicht, wie vielseitig die Maschine eingesetzt wurde – von Hip-Hop über Elektronik bis hin zu experimentelleren Produktionsansätzen.

Fazit: Für wen lohnt sich die Akai MPC 1000 heute noch?

Die Akai MPC 1000 ist bis heute eine spannende Wahl für alle, die den klassischen MPC-Workflow erleben möchten, ohne gleich zu größeren und teureren Vintage-Modellen greifen zu müssen. Sie ist kompakt, robust, musikalisch direkt und mit JJOS deutlich leistungsfähiger, als man ihr auf den ersten Blick zutraut.

Natürlich ist sie kein perfektes Gerät. Die Effektsektion ist nur Mittelmaß, die Polyphonie begrenzt und beim Gebrauchtkauf sollte man den Zustand der Pads genau prüfen. Doch genau in dieser Mischung aus klaren Grenzen, schnellem Zugriff und starkem Sequencer liegt der Reiz. Wer Beats lieber einspielt als mit der Maus malt und eine Hardware-Groovebox mit echtem Charakter sucht, findet in der Akai MPC 1000 auch heute noch einen überzeugenden Klassiker. Als moderne Alternative zur Akai MPC1000 bietet sich der aktuelle Produktrelease AKAI MPC Sample an!

Herstellerlink: Music Production Hardware & Software | Akai Professional | Akai Pro

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Der Korg DS-8 ist ein außergewöhnlicher Synthesizer, denn er fällt aus dem typischen Korg-Raster der 1980er-Jahre deutlich heraus. Während die Marke damals vor allem für analoge und hybride Konzepte bekannt war, wagte Korg mit dem DS-8 einen Ausflug in die Welt der FM-Synthese. Damit bewegte sich das Unternehmen ganz bewusst in einem Feld, das eigentlich von Yamaha dominiert wurde. Vor allem der Yamaha DX7 stand dabei klar im Fokus, schließlich gehörte er zu den erfolgreichsten Synthesizern seiner Zeit und prägte den Sound zahlloser Pop-, Funk- und Fusion-Produktionen.

Allerdings konnte Korg die Yamaha-Technologie nicht einfach kopieren. Die klassische FM-Synthese mit sechs Operatoren war damals patentrechtlich geschützt, sodass nur Yamaha dieses Verfahren einsetzen durfte. Deshalb mussten sich die Entwickler des Korg DS-8 mit einer 4-Operatoren-FM-Synthese begnügen. Genau hier lag aber auch die Chance: Statt nur einen weiteren komplizierten FM-Synth auf den Markt zu bringen, wollte Korg ein Instrument entwickeln, das die Stärken der FM-Klangerzeugung mit einer deutlich zugänglicheren Bedienung kombiniert.

Warum der Korg DS-8 mehr sein wollte als ein DX7-Konkurrent

Genau das macht den Korg DS-8 bis heute so interessant. Während viele Musiker den Yamaha DX7 zwar klanglich schätzten, aber die verschachtelte Bedienung und das kleine Display als mühsam empfanden, versuchte Korg, das Thema FM deutlich praxisnäher anzugehen. Vor allem die etwas abstrakte Parameterwelt wurde sinnvoller gegliedert und stärker an das Bediengefühl klassischer Analogsynthesizer angenähert. Dadurch wirkt der DS-8 nicht wie ein technisches Laborgerät, sondern eher wie ein musikalisches Werkzeug, das auch im Alltag schneller zu brauchbaren Ergebnissen führt.

Hinzu kommt, dass Korg bereits mit dem DW-8000 gezeigt hatte, wie man trotz begrenzter Bedienelemente eine vergleichsweise intuitive Synthesizer-Oberfläche realisieren kann. An dieses Konzept knüpfte der DS-8 an. Gleichzeitig übernahm er nicht nur den Gedanken einer übersichtlicheren Struktur, sondern auch die Idee integrierter Effekte. Gerade das war ein Punkt, an dem viele Musiker bei frühen FM-Synthesizern Nachholbedarf sahen. Wo andere Geräte eher nüchtern und technisch wirkten, wollte Korg ein Instrument anbieten, das inspirierend klingt und sich im Studio wie auf der Bühne angenehm einsetzen lässt.

Marktstart und Einordnung des Korg DS-8

Als der Korg DS-8 1987 auf den Markt kam, lag sein Preis bei rund 2.200 DM. Damit war er deutlich günstiger als ein Yamaha DX7 und positionierte sich als interessante Alternative für Musiker, die FM-Sounds wollten, aber keine Lust auf umständliche Menüarbeit hatten. Trotz dieses spannenden Ansatzes blieb der große kommerzielle Durchbruch aus. Auch der spätere Korg 707 konnte daran nichts mehr ändern. Aus heutiger Sicht ist das fast überraschend, denn gerade im Rückblick zeigt sich, wie eigenständig und durchdacht der DS-8 eigentlich konzipiert war.

Bedienung und Aufbau: So praxisnah ist der Korg DS-8

Optisch steht der Synthesizer noch klar in der Korg-Tradition dieser Zeit. Das schwarze Gehäuse mit blauer Beschriftung erinnert deutlich an den DW-8000 und vermittelt einen hochwertigen Eindruck. Auch die Tastatur überzeugt: Das 61-Tasten-Keyboard gehört zu den besseren Vertretern seiner Klasse, spielt sich angenehm und bietet zusätzlich monophonen Aftertouch. Natürlich fehlt auch der für Korg typische Joystick nicht, der Pitch– und Modulationsrad ersetzt und dem Instrument sofort einen vertrauten Korg-Charakter verleiht.

Performance Editor und Echtzeitzugriff

Besonders interessant ist auf der linken Seite der sogenannte Performance Editor. Hier stehen drei Fader und sechs Taster bereit, mit denen sich Sounds in Echtzeit bearbeiten lassen. Das ist einer der Bereiche, in denen sich der DS-8 deutlich von vielen anderen FM-Synthesizern seiner Epoche absetzt. Während man sich bei einem DX7 oft durch kryptische Menüs kämpfen musste, lassen sich beim DS-8 Klangveränderungen deutlich direkter umsetzen. Der Timbre-Fader greift in die Klangfarbe ein und arbeitet gewissermaßen in einer Art Cutoff-Manier, während die beiden EG-Fader auf Sustain und Release der Hüllkurven wirken. Gerade im Studio oder bei Live-Performances ist das ein echter Vorteil, weil Sounds dadurch schneller angepasst und musikalischer gespielt werden können.

Zwar werden diese Faderbewegungen leider nicht per MIDI ausgegeben, dennoch ist der Praxisnutzen hoch. Auch tiefergehende Eingriffe in die Programmierung sind dank des großen 2 x 40 Zeichen Displays vergleichsweise komfortabel. Zusätzlich sind die Parameter auf der Geräteoberfläche abgedruckt, was die Arbeit ohne Handbuch erheblich erleichtert. Weniger charmant ist allerdings, dass das Display hochfrequente Nebengeräusche erzeugen kann, was in ruhigen Studiosituationen durchaus auffällt.

Speicher, Multimode und Anschlüsse

Auch beim Speicher zeigte sich der Korg DS-8 für seine Zeit ordentlich ausgestattet. Das Gerät bietet 100 Sounds sowie 10 Combination-Speicherplätze für Split-, Double- oder Layer-Setups. Darüber hinaus können auch Multimode-Einstellungen gespeichert werden. Der DS-8 ist nämlich achtfach multimodefähig, wobei es keine dynamische Stimmverteilung gibt. Auf jedem MIDI-Kanal steht also nur eine monophone Stimme zur Verfügung. Wer mehr Speicherplatz benötigt, kann über den frontseitigen Card-Slot passende RAM-Karten verwenden. Diese Karten sind heute allerdings selten und entsprechend schwer zu finden.

Auf der Rückseite zeigt sich der DS-8 ebenfalls solide ausgestattet. Neben dem obligatorischen MIDI-Trio gibt es einen Stereoausgang, einen Kopfhörerausgang sowie zwei Assignable-Anschlüsse, an die sich Fußschalter oder Schweller anschließen lassen. Darüber können verschiedene Parameter wie Lautstärke, Timbre, Vibrato, Portamento oder auch die Oszillatorwahl gesteuert werden. Ein zusätzlicher Fußschalteranschluss dient zum Umschalten der Sounds. Beim Stromanschluss sollte man auf dem Gebrauchtmarkt genau hinsehen, denn der verwendete Anschluss entspricht nicht dem üblichen Standard-Netzkabel. Fehlt das passende Kabel, kann das schnell lästig werden.

Klangerzeugung des Korg DS-8: Was steckt technisch dahinter?

Klanglich ist der Korg DS-8 deutlich spannender, als man es von einem eher übersehenen FM-Synth vielleicht erwarten würde. Die achtstimmige Klangerzeugung stellt pro Stimme zwei auf FM basierende Oszillatoren bereit, die gegeneinander verstimmt werden können. Dazu kommen Standardwellenformen wie Sägezahn und Rechteck sowie Crossmodulation und Ringmodulation für metallische, schmutzige und geräuschhafte Klangfarben. Pro Oszillator stehen eine Lautstärke- und eine Timbre-Hüllkurve zur Verfügung, dazu kommt eine gemeinsame Pitch-Hüllkurve für beide Oszillatoren. Die Hüllkurven orientieren sich an einer klassischen ADSR-Struktur, was den Zugang für Nutzer subtraktiver Synthesizer deutlich erleichtert.

Auch der LFO ist praxisgerecht ausgestattet und bietet Dreieck, Sägezahn, Rechteck sowie Sample & Hold. Er kann auf Pitch, Timbre und Amplitude wirken, sodass sich von subtilen Bewegungen bis zu drastischen Modulationen einiges realisieren lässt. Natürlich erreicht der DS-8 nicht die algorithmische Tiefe und Komplexität eines großen Yamaha DX7. Gerade der typische Algorithmus-Parameter fehlt, wodurch die Verknüpfungen der Operatoren weniger flexibel ausfallen. Dafür wirkt die Klangerzeugung wesentlich zugänglicher und lädt schneller zum Experimentieren ein.

Soundcharakter: Zwischen FM-Klassik und Sci-Fi-Soundscapes

Genau hier liegt eine der großen Stärken dieses Vintage-Synthesizers. Der Korg DS-8 klingt nicht einfach nach reduziertem FM-Ersatz, sondern entwickelt einen eigenen Charakter. Nutzt man Layer- oder Double-Sounds mit leichtem Detuning, entstehen für FM-Verhältnisse erstaunlich breite und satte Flächen. Im Unisono-Modus wird der Klang noch druckvoller und aggressiver. Vor allem die integrierte Effektsektion mit Delay, Chorus und Flanger verleiht dem Instrument eine Breite und Lebendigkeit, die man von nüchternen FM-Synthesizern oft nicht erwartet.

Gerade in extremen Einstellungen zeigt der DS-8, was in ihm steckt. Dann entstehen eigenwillige Sci-Fi-Soundscapes, Drones, ungewöhnliche Effektgeräusche und harsche Percussion-Sounds, die fast schon experimentell wirken. Gleichzeitig beherrscht er aber auch klassische FM-Disziplinen wie metallische Spektren, drahtige Bässe, glockige Texturen und charaktervolle Pads. Wer also nach einem gut bedienbaren FM-Synthesizer mit eigenem Sound sucht, findet hier ein Instrument, das weit mehr kann als nur DX-artige Presets nachzuahmen.

Fazit: Lohnt sich der Korg DS-8 heute noch?

Deshalb gilt der Korg DS-8 heute zu Recht als Geheimtipp unter den Vintage-Synthesizern der 1980er-Jahre. Er ist kein Mainstream-Klassiker wie der DX7, aber gerade das macht seinen Reiz aus. Denn während viele berühmte Synthesizer längst teuer geworden sind, taucht der DS-8 auf dem Gebrauchtmarkt mitunter noch zu vergleichsweise fairen Preisen auf. Für Musiker, Sounddesigner und Synthesizer-Fans, die FM-Synthese mögen, aber einen direkteren Zugriff und einen etwas ungewöhnlicheren Klangcharakter suchen, ist dieser Korg definitiv eine nähere Betrachtung wert.

Die wichtigsten Features des Korg DS-8

• FM-Synthese mit vier Operatoren
• achtstimmig polyphon
• Echtzeitzugriff per Fader auf Hüllkurven
• Echtzeitzugriff per Fader auf die Klangfarbe (Timbre)
• Panorama-Regler
• 100 Sound-Speicherplätze
• 10 Combination-Speicherplätze
• Cardslot für RAM-/ROM-Karten mit ein, zwei oder vier Bänken à 100 Sounds
• Korg-Joystick
• großes hintergrundbeleuchtetes 2 x 40 Zeichen Display
• MIDI-Multimode
• anschlagsdynamisches Fünf-Oktaven-Keyboard
• Split-Funktionen
• Aftertouch
• Effektsektion mit Delay, Flanger und Chorus

Statement von DS-8-Besitzer Bob Humid

Bob Humid beschreibt den Korg DS-8 als einen FM-Synthesizer, der sich eher wie ein Analogsynth anfühlt und genau dadurch bis heute fasziniert. Statt trockener Theorie liefert das Instrument schnell inspirierende Ergebnisse und eignet sich besonders für Soundscapes, Sci-Fi-Flächen und eigenwillige Effekte. Aus seiner Sicht wurde der DS-8 damals vor allem deshalb unterschätzt, weil der Markt lieber den vertrauten Preset-Erfolg des Yamaha DX7 feierte. Gerade in der Bedienung sieht er jedoch klare Vorteile, denn der Korg DS-8 lässt sich wesentlich direkter formen und bietet mit seiner Effektsektion kreative Möglichkeiten, die weit über klassische FM-Standards hinausgehen. Besonders reizvoll seien selbstoszillierende Flanger-Sounds, verzögerte Oszillatoren und extreme Delay-Effekte mit fast schon räumlichem Charakter. Für ihn ist der DS-8 deshalb ein Beispiel dafür, wie spannend und verständlich FM-Synthese sein kann, wenn sie musikalisch gedacht wird.

Herstellerlink: KORG (EU – DE)

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Und ja: Wenn der Drummer wegen Liebeskummer, Timing-Problemen oder verdorbenem Magen ausfiel, war die R-8 genau die Art von Backup, die nicht nach „Notlösung“ klang. Der Schlüssel dazu sind Rolands berühmte FEEL-Funktionen: Sie injizieren gezielt „Menschlichkeit“ in sonst sehr gerade Maschinenbeats.

Kurzfazit: Warum die Roland R-8 bis heute interessant ist

• Sehr spielbare 4×4 Pads (anschlagdynamisch, musikalisch)
• FEEL-Programme für lebendige Grooves (inkl. Random-Variation)
• Roll- und Flam-Funktionen für Wirbel, D’n’B-artige Effekte & Fills
• Acht Einzelausgänge + Stereo + Kopfhörer: starkes Studio-Setup
• PCM-Karten (SN-R8-Serie) erweitern die Library massiv – bis hin zu 808/909-nahem Material (je nach Karte)

Historischer Kontext & Preis (damals)

Die Roland R-8 kam 1989 mit einer UVP von DM 1.850 (≈ 945,89 €) auf den Markt – für den Funktionsumfang ein solides Preis-/Leistungsverhältnis. Produzenten wie Orbital, Underworld, 808 State, Fluke, Human League oder The Shamen nutzten das „tighte“ Groove-Werkzeug. Besonders prominent: Laurent Garnier galt als großer Fan der Maschine.

Roland R-8 – Design & Bedienung: Nüchtern, studio-tauglich, funktional

Optisch gibt sich die R-8 bewusst „Business“: matt-schwarz und grau, keine bunten Show-Buttons – das Gerät signalisiert klar: Hier wird gearbeitet. Auffällig ist das große (leider unbeleuchtete) Display, das u. a. eine Step-Matrix darstellen kann und beim Programmieren wirklich hilft. Links daneben findet sich eine kleine Spickzettel-Liste wichtiger Edit-Funktionen, praktisch gegen Menü-Verirrungen.

Roland-typisch sind auch die Schieberegler für Gesamtlautstärke und Werteingabe (bekannt aus der S-50-Ära). Die 4×4 Pads erinnern vom Workflow her an MPC/Linn-Logik: Patterns eintrommeln, Akzente setzen, Dynamik nutzen – und das Ganze fühlt sich tatsächlich gut an. Neben den Pads sitzen die Taster:

• START/STOP
• ROLL
• FLAM
• SHIFT

Dazu kommen zahlreiche kleinere Taster für Editierung, Cursor, Plus/Minus und Nummernblock. Nach kurzer Eingewöhnung wirkt die Oberfläche trotz Feature-Dichte erstaunlich logisch.

Anschlüsse & Cardslots: Studio-Realismus statt Spielzeug

Auf der Rückseite warten zwei Cardslots:

• ROM-Karten (jeweils 26 neue Samples)
• RAM-Karten (z. B. ME-256E oder M-256D) für mehr Speicher

Bei den Ausgängen ist die R-8 großzügig:

• Stereo-Out
• Kopfhörerausgang
• 8 Einzelausgänge (für echtes Mixing am Pult/Interface)

Dazu kommt das obligatorische MIDI-Trio (In/Out/Thru) sowie Tape-Sync In/Out (Cinch) zum Synchronisieren per FSK-Signal – ein typisches Feature aus der Band-/Tape-Ära. Außerdem: zwei Footswitch-Anschlüsse (Start/Stop und Werteingabe). Netzteilanschluss und Power-Schalter runden das Paket ab.

Pattern-Programmierung: Realtime + Step, mit hilfreicher Matrix

Die R-8 kann sowohl Realtime (einspielen) als auch Step (setzen). Im Display lässt sich eine 16-Step-Matrix über 4 Zeilen anzeigen – praktisch, wenn man komplexere Patterns visuell kontrollieren will. Je nach Modus dient die Darstellung auch als Hilfe für Pegel- und Panorama-Settings.

Speicher (intern):

• 32 Preset-Patterns
• 100 User-Pattern (bis max. 99 Takte)
• Songs: 10 Songs à bis zu 999 Parts/Patterns (funktional, aber nicht riesig)

Tipp aus der Praxis: RAM-Karten sind Gold wert, weil sie die Kapazität erweitern. Alternativ lässt sich der Speicherinhalt auch per Bulk Dump am Rechner sichern. Historisch interessant: Es gab sogar eine SoundDiver-Anpassung für die R-8.

Sound-Editing: Mehr als nur „Sample abfeuern“

Zum Formen der Drums stehen mehrere Parameter bereit:

• Pitch: ± 2 Oktaven
• Decay: Hüllkurvenlänge (bei vielen Sounds getrennt für „Body“/Frequenzanteile)
• Nuance: Betonung hoher oder tiefer Frequenzen
• Curve: 8 Velocity-Kurven für Dynamikverhalten
• Panorama, Einzelausgangs-Zuweisung
• HiHat-Modus (Choke/Mutual Cut, Sounds schneiden sich)

Was man nicht bekommt: Resonanzfilter und Velocity-Crossfade zweier Samples – dafür war Roland bei der R-8 in einer anderen Disziplin ganz vorne: Groove.

Das Highlight: FEEL-Programme, Randomize und Timing-Feinschliff

In der R-8 lassen sich bis zu acht FEEL-Programme anlegen. Diese beeinflussen gezielt:

• Velocity
• Pitch
• Decay
• Nuance

Damit kann man Patterns „atmen“ lassen, also Dynamikmuster und musikalische Unregelmäßigkeiten hinzufügen. Besonders stark: Die FEEL-Einstellungen können mit einem Zufallsgenerator gekoppelt werden – inklusive Intensität und Wirkungsgrad pro Parameter.

Auch das Timing lässt sich editieren: Steps können bis zu 1/384 Note verschoben werden (extrem fein für die Zeit). Für viele Hardware-Geräte dieser Ära war das eine Ansage – teils sogar gegenüber damaligen Software-Sequenzern. Zusätzlich kann jeder Step individuelle Werte für Velocity, Pitch, Decay, Nuance und Pan erhalten. Die normale Quantisierung liegt bei max. 1/96.

Und natürlich dabei:

• Swing (programmierbar)
• FLAM (Lautstärkeverhältnis + zeitliche Abfolge einstellbar)
• ROLL (Wirbel mit definierbarer Auflösung – perfekt für schnelle Fills und Breakbeats)

Song-Mode & Macros: Mehr als Standard-Rhythmusmaschine

Auch die Song-Programmierung ist überdurchschnittlich flexibel: Du kannst Pegeländerungen und Tempowechsel im Verlauf programmieren. Außerdem lassen sich Instrumente in bestehenden Patterns austauschen, zwei Patterns verbinden oder sogar „mischen“. Kopier-, Insert- und Markierfunktionen helfen beim Arrangement.

Besonderheit: MACRO-Funktion
Häufige Schlagfolgen lassen sich als Macro speichern und beim Erstellen von Patterns per Tastendruck einfügen. Zusätzlich kann die R-8 die Songlänge anhand von Taktzahl und Tempo berechnen.

Sound & Charakter: „Rock/Pop“-Basis, mit Karten wird’s elektronisch

Klanglich liefert die R-8 ab Werk solide Rock/Pop-Drums inklusive Latin-Percussion in typischer Roland-Qualität (16 Bit / 44,1 kHz). Ein paar Effekt- und Reverse-Samples sind auch dabei. Die internen Sounds lassen sich bearbeiten, um sie eigenständiger zu machen – richtig spannend wird’s aber mit den Karten.

Wenn du vor allem elektronische Drums willst, sind besonders interessant:

• SN-R8-04 Electronic
• SN-R8-10 Dance

Damit wird die R-8 vom Studio-Drummer zum Club-/Electronica-Groove-Lieferanten – und kann durch ihre ausgefeilten Programmiermöglichkeiten sogar heute noch ein kreativer CPU-Entlaster sein, wenn man gern Hardware nutzt.

PCM-Karten (SN-R8-Serie) im Überblick

Die PCM-Karten der R-8 liefen unter SN-R8 (insgesamt elf):

• SN-R8-01 – Contemporary Percussion
• SN-R8-02 – Jazz Brush
• SN-R8-03 – Sound Effects
• SN-R8-04 – Electronic
• SN-R8-05 – Jazz
• SN-R8-06 – Ethnic Percussion
• SN-R8-07 – Mallet
• SN-R8-08 – Dry Drums
• SN-R8-09 – Power Drums
• SN-R8-10 – Dance
• SN-R8-11 – Metallic Percussion

Historisch: Die Serie kostete damals DM 130 (≈ 66,47 €) pro Karte und wurde 1997 eingestellt.

R-8 mkII: Der Nachfolger in Kürze

Die R-8 mkII sieht äußerlich fast identisch aus, bietet aber mehr internen Speicher und über 200 Drumsounds aus der R-8-Library. Preislich lag sie damals auf ähnlichem Niveau wie die R-8.

Roland R-8 Features (kompakt)

• 32-fache Polyphonie
• Digitale Klangerzeugung (16 Bit / 44,1 kHz)
• 16 anschlagdynamische Pads
• 68 Preset-Drumsounds + 26 User-Drumsounds
• Editierbare Parameter: Pitch, Decay, Nuance, Polyphonie, Anschlagsempfindlichkeit, Output
• 2 Cardslots (RAM + ROM)
• Unbeleuchtetes LCD (u. a. Step-Matrix-Darstellung)
• 100 User-Pattern (max. 99 Takte) + 32 Preset-Pattern
• 10 Songs mit maximal 999 Parts
• Realtime- und Step-Programmierung
• Programmierbare Tempowechsel
• Swing, Roll, Flam
• 8 Feel-Programme
• 10 Rhythmus-Macros
• Tempo: 20–250 BPM
• Auflösung: 1/96 (Eingabe), 1/384 (Timing-Edit/Wiedergabe)
• Stereo-Out + 8 Einzelausgänge + Kopfhörer
• MIDI In/Out/Thru
• Sync In/Out (Tape/FSK)
• Tap-Tempo, Displaykontrast, Footswitch (Start/Stop, Repeat)

Herstellerlink: Roland – DE

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Obwohl er nie im Zentrum der breiten Synthesizer-Öffentlichkeit stand, zählt der Voyetra Eight zu den beeindruckendsten Analogsynthesizern der 80er. Als einer der frühen programmierbaren Synth-Expander im 19″-Rack kam er 1983 auf den Markt – und kombinierte dabei eine erstaunlich flexible Klangerzeugung mit Performance-Features, die ihrer Zeit in vieler Hinsicht voraus waren.

Hersteller, Historie und das ungewöhnliche Konzept „Expander + Keyboard“

Gebaut wurde der Voyetra Eight von der New Yorker Firma Octave-Plateau. Deren bekanntestes Produkt war der Octave Cat, ein Analogsynthesizer, der in einigen Punkten an den ARP Odyssey erinnert. 1986 änderte die 1975 vom Synthesizer-Pionier Carmine Bonanno gegründete Firma ihren Namen zu Voyetra und wandte sich später zunehmend computerorientierten Produkten zu. Mitte der 90er folgte schließlich die Fusion mit Turtle Beach – nicht zuletzt, weil Octave/Voyetra bereits zuvor stark im Musiksoftware-Bereich aktiv war.

Der Voyetra Eight war eines der ambitioniertesten Projekte des Hauses: acht Stimmen, umfangreiche Programmiermöglichkeiten, integrierter Step-Sequenzer, Arpeggiator und – als Performance-Erweiterung – ein zugehöriges Keyboard (VPK-5) inklusive Joystick. Interessant ist außerdem die Vorgeschichte: Ein Prototyp namens „Voyager Eight“ wurde bereits 1981 auf der NAMM gezeigt, im Handel tauchten Seriengeräte jedoch erst 1983 auf. Produziert wurde der Synth bis 1986.

Preislich war das Ganze klar Oberklasse: 4.600 US-Dollar für den Expander (plus 950 US-Dollar für das VPK-5). Genau deshalb war der Voyetra Eight nie ein „Volks-Synth“, auch wenn das Grundkonzept – Rack-Expander plus externes Keyboard – in den frühen 80ern radikal wirkte und sich später als erstaunlich zukunftssicher erwies. Als zusätzliche Kuriosität existiert eine einstimmige Variante namens Voyetra One, die heute noch seltener zu finden ist als der polyfone Eight.

Voyetra Eight: Äußeres und Bedienung: viel Power, viel Mehrfachbelegung

Der Voyetra Eight sitzt in einem 19″-Rack (3 HE). In der Programmiersektion lassen sich zwei Sounds gleichzeitig bearbeiten: Dafür stehen 14 Multifunktions-Potis bereit (sieben pro Sound). Ergänzend gibt es pro Sound je drei Taster, etwa für Hold, das Deaktivieren der VCA-Releasephase sowie die Pitch-Funktion. Dazu kommen Regler für Master-Volume, Tune, Arpeggiator-Tempo, mehrere Funktionstaster, ein Zahlenfeld und drei zweistellige Displays.

Links findet man einen Kopfhöreranschluss mit eigenem Lautstärkeregler, einen Panik-Knopf zum Muten des Ausgangs sowie einen XLR-Anschluss für das zugehörige Keyboard (bei frühen Geräten ohne M17IDI). Genau hier zeigt sich die Kehrseite der enormen Funktionsdichte: Durch die teils bis zu 11-fache Parameter-Mehrfachbelegung braucht der Voyetra Eight Einarbeitungszeit. Entsprechend sind manche Geräte im Alltag mit kleinen Funktions-Aufklebern übersät – praktisch, aber auch ein Hinweis darauf, wie viel Synthesizer hier „unter der Haube“ steckt.

Anschlüsse, MIDI und Lüfter: üppig bestückt

Auch auf der Rückseite wurde nicht gespart. Neben Stereo- und Mono-Audioausgängen gibt es mehrere Anschlüsse für Pedale und Fußschalter, eine Buchse zum Durchsteppen der Sounds, separate Clock-Eingänge für Sequenzer und Arpeggiator, CV/Gate-Ausgänge, ein Kassetten-Interface sowie Mehrpin-Buchsen für Joysticks. Weil der Synth im Betrieb recht warm wird, ist ein Ventilator verbaut.

Spannend (und etwas verwirrend): Bei manchen Geräten ist das MIDI-Trio nicht sofort ersichtlich, da die Buchsen als XLR-Anschlüsse ausgeführt sein können. Frühere Voyetras kamen teils ohne MIDI, spätere Modelle boten die üblichen DIN-MIDI-Buchsen.

Das VPK-5 Keyboard: reduziert – bis auf den extravaganten Joystick

Das passende VPK-5 wirkt optisch vergleichsweise zurückhaltend: Holzseitenteile, fünf Oktaven, anschlagsdynamische Tastatur und monofoner Aftertouch. Abseits von zwei Step-Tastern und einem Regler für die Modulations-Range dominiert vor allem ein besonderes Detail: der auffällig gestaltete Joystick in einem silbernen Metalltrichter. Das Keyboard ist heute selten und vor allem für Sammler interessant – der Expander selbst bleibt dagegen für viele Synth-Fans das eigentlich begehrte Stück.

Klangarchitektur: klassische Subtraktion, aber „erwachsen“ umgesetzt

Der Voyetra Eight ist unter Synth-Freaks so begehrt, weil er eine vielseitige, exzellent klingende analoge Klangerzeugung bietet. Die acht Stimmen lassen sich in der Praxis sehr flexibel nutzen: Du kannst layern (zwei Sounds mit je vier Stimmen), die Tastatur splitten und das Ganze sogar auf zwei MIDI-Kanälen ansteuern. Der Speicher hält 100 Sounds plus 100 Performance-Setups bereit.

Specs (kompakt)

• Synthese: Subtraktiv, analog
• Polyphonie: 8 Stimmen
• Multimode: Layer (2 Sounds × 4 Stimmen), Split
• Oszillatoren: 2× VCO pro Stimme (Sägezahn, Sinus, Rechteck, PWM), Sync und Crossmod
• Zusatzquellen: Suboszillator, White-Noise
• Filter: 24 dB/Okt Lowpass mit Resonanz
• Hüllkurven: 2× schnelle ADSR (VCF/VCA), Keyboardtracking, modulierbare Attack/Release
• LFOs: 2× (Sägezahn, Sinus, Dreieck, Sample & Hold)
• Modulation: umfangreiche Modulationsmatrix
• Speicher: 100 Sounds + 100 Performances

Die Modulationsmatrix ist dabei ein echtes Highlight, auch wenn sie Geduld verlangt: Wer viele Routings setzt, verliert ohne System schnell den Überblick. Dafür belohnt der Voyetra mit Spielarten, die weit über „Standard-Analog“ hinausgehen. Außerdem stehen zahlreiche Trigger- und Spielmodi (z. B. Round-Robin oder Unisono) zur Verfügung, womit sich das Verhalten der Stimmen sehr gezielt formen lässt.

Sequenzer und Arpeggiator: kreativ gedacht, nicht nur „Beigabe“

An Bord ist ein Step-Sequenzer mit zwei Kanälen, wobei jeder Kanal bis zu 425 Noten speichern kann. Zusätzlich gibt es einen Arpeggiator mit den Modi Up, Down, alternierend und Random. Besonders spannend wird es im Split-Mode: Hier lassen sich zwei parallele Arpeggios mit jeweils eigenen Sounds aktivieren, die sogar unabhängig zu unterschiedlichen Clocks laufen können. Gerade für rhythmische Patterns, Sequencer-Hooks oder „bewegte“ Pads ist das eine extrem musikalische Funktion.

Voyetra Eight: Sound in der Praxis: warm, plastisch, breit – und bei Bedarf aggressiv

Klanglich ist der Voyetra Eight ein echtes Soundmonster. Der Grundcharakter ist plastisch und warm, und in seiner Klasse spielt er ohne Weiteres neben Synthesizern wie dem SCI Prophet-5. Die VCOs reagieren etwas auf Temperatur, stabilisieren sich jedoch nach dem Aufwärmen; mit der Autotune-Funktion bleibt die Oszillator-Drift in der Praxis beherrschbar.

Gerade Pads profitieren vom Layer-Betrieb, weil der Voyetra nicht nur breit, sondern auch lebendig klingen kann. Dazu trägt die Panning-Option bei, bei der die acht Stimmen im Stereobild „wandern“ – so entsteht Bewegung, selbst wenn du nur einen einzelnen Sound spielst. Gleichzeitig liefert der Synth drückende Bässe, schneidende Leads (dank Sync) sowie groovende Sequencer-Lines und spacige Filtersweeps. Wer experimenteller arbeiten will, findet über die Modulationsmatrix auch metallische Spektren und geräuschhafte Texturen; für ultrafette Hook-Sounds ist der Unisono-Modus die naheliegende Eskalationsstufe.

Wer hat ihn gespielt? New Order & Co.

Die Qualitäten des Voyetra Eight blieben auch Profis nicht verborgen. Unter anderem New Order sollen gleich mehrere Geräte besessen haben. Zu hören ist der Synth beispielsweise auf dem Album „Low-Life“ (1985); die Single „The Perfect Kiss“ gilt vielen als einer der großen Synthpop-Momente der 80er. Weitere Namen, die im Zusammenhang mit dem Voyetra Eight häufig genannt werden, sind Depeche Mode, Eddie Jobson, The Fixx, Shamen, Eurythmics, Trevor Horn und Hongkong Counterfeit.

Voyetra Eight: Verfügbarkeit heute: selten – besonders in Europa

Da die meisten Voyetra-Geräte in den USA verkauft wurden, taucht der Voyetra Eight hierzulande nur selten auf. Entsprechend ist er heute eher ein Synth für Sammler und echte Nerds – allerdings einer, der klanglich und konzeptionell mehr als genug Substanz liefert, um ihn nicht nur als „Vintage-Trophäe“ zu betrachten.

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Wenn es um Kultfaktor bei Effektgeräten geht, führt an Electro-Harmonix (EHX) kaum ein Weg vorbei. Big Muff, Blackfinger und Co. haben nicht nur Sounds geprägt, sondern gleich ganze musikalische Lebensläufe. In diese Liga gehört auch ein Gerät, das selbst unter EHX-Fans fast schon als Mythos gehandelt wird: der Electro-Harmonix EH 8000 – ein monofoner analoger Gitarrensynthesizer, der Ende 1979 / Anfang 1980 erschien und heute zu den seltensten Geräten der Marke zählt.

Der EH 8000 ist eng verwandt mit dem bekannten EHX Micro Synth, allerdings eher im Sinne eines „großen Bruders“: Die Synthese- und Routing-Möglichkeiten gehen deutlich weiter als beim späteren, preisgünstigeren Nachfolger. Entsprechend taucht er auf dem Gebrauchtmarkt ungefähr so häufig auf wie ein legendärer Schatzfund – und wenn doch, dann meist zu Sammlerpreisen. Klanglich und konzeptionell spielt er in einer Kategorie, die man bei analogen Gitarrensynthesizern sonst vor allem mit dem ARP Avatar verbindet: viel Substanz, viel Charakter und eine Menge Möglichkeiten, sich kreativ zu verlieren.

Design, Bedienung und Anschlüsse des Electro-Harmonix EH 8000

Optisch ist der EH 8000 überraschend zeitlos. Das schwarze, extrem robuste 3-HE-19″-Gehäuse wirkt wie Studiohardware, lässt sich aber auch ohne Rack gut als Pultgerät nutzen, weil die Unterseite leicht angeschrägt ist. Statt Potis setzt Electro-Harmonix konsequent auf Fader und Schalter – und das zahlt sich aus: Einstellungen sind schon aus der Entfernung erkennbar, was bei einem Gitarrensynthesizer im Live- oder Jam-Kontext wirklich praktisch ist. Die bunten Gumminoppen auf den Bedienelementen geben dem Ganzen zusätzlich einen charmanten „Smarties“-Vibe.

Bei den Anschlüssen bleibt es angenehm funktional: Es gibt einen Mono-Ausgang für das Synth-Signal, einen separaten Mono-Ausgang fürs Originalsignal, den Gitarren-Eingang, einen Fußschalter-Eingang (u. a. für Portamento) sowie einen Pedalanschluss, mit dem sich die Filtereckfrequenz steuern lässt – ideal für expressive Sweeps.

Tracking: zwischen anspruchsvoll und inspirierend eigenwillig

Wie bei vielen analogen Gitarrensynth-Konzepten steht und fällt der Spaß mit dem Tracking. Der diskret aufgebaute, monofone Synth wird über das anliegende Gitarren- bzw. Audiosignal gesteuert; die Empfindlichkeit regelst du in der Tracking-Sektion über SENSITIVITY. In der Praxis ist der EH 8000 allerdings nicht immer „brav“: Gerade bei obertonreichen Signalen kann die Tonhöhen-Erkennung gelegentlich kippen, wodurch unerwartete Sprünge und analoge Glitches entstehen.

Mit einer sauberen, monofonen Spielweise und eher cleanen Sounds wird es deutlich zuverlässiger. Wirklich entspannt wird es jedoch, wenn man den EH 8000 statt mit Gitarre mit einem anderen Signal füttert – etwa einem Synth, der ein simples Sinus-Signal liefert. Und genau hier wird das „Problem“ zur Stärke: Wer experimentell denkt, kann den EH 8000 auch mit Drumloops, Vocalsamples oder Effektsounds ansteuern und erhält Ergebnisse, die irgendwo zwischen „kontrolliert“ und „herrlich daneben“ liegen. Für Sounddesign ist das Gold wert.

Klangarchitektur: eher Modular-DNA als Bodentreter

Schon in der Tracking-Abteilung steckt mehr als nur Tonhöhen-Erkennung: Du kannst Portamento-Tempo einstellen, das Originalsignal beimischen und zusätzlich einen Distortion/Fuzz aktivieren, der teilweise auf dem EHX Muff Fuzz basiert. Je nach Schalterstellung lässt sich der EH 8000 sogar als reines Analog-Multieffektgerät ohne Synth-Anteil nutzen – dann stehen dir Filter, Ringmodulator, Fuzz, Chorus und Modulationen als eigenständige Klangformung zur Verfügung.

Specs (kompakt)

• Synthese: monofon, analog, diskret aufgebaut
• Oszillatoren: 3× VCO + White Noise
• Modulation: 2× LFO (bis nahe in den Hörbereich), PWM, Ringmodulator
• Filter: 24 dB wahlweise Lowpass / Bandpass, Resonanz bis Selbstoszillation
• Hüllkurven: Filter- und VCA-Hüllkurve mit AD-Charakter, jeweils auch als Gate/„Orgel“-Modus nutzbar
• Routing: VCOs wahlweise durch Filter oder direkt zum Ausgang routbar
• Effekte: zuschaltbarer Chorus (Intensity nicht regelbar), Fuzz/Distortion
• Gehäuse: 19″, 3 HE

Spannend wird es bei den VCOs:
VCO 1 bietet Sägezahn oder Rechteck, inklusive einstellbarer und modulierbarer Pulsweite; außerdem gibt es Hard Sync zu VCO 2. VCO 2 arbeitet mit Sinus oder Sägezahn, VCO 3 mit Sägezahn oder Rechteck. Die ersten beiden Oszillatoren besitzen jeweils Grob- und Feintuning, was gerade beim Layern und beim Erzeugen von Schwebungen enorm hilft. Das eigentliche Highlight ist aber das Routing: Bei jedem der drei VCOs lässt sich festlegen, ob er durchs Filter geht oder am Filter vorbei direkt auf den Ausgang geroutet wird – ein Ansatz, den man sonst eher aus Modularsystemen kennt und der den EH 8000 in Sachen Klanggestaltung extrem flexibel macht.

Der Ringmodulator verarbeitet die Signale der ersten beiden Oszillatoren, zusätzlich steht White Noise bereit. Das 24-dB-Filter kann als Lowpass oder Bandpass arbeiten; Resonanz bis Selbstoszillation ist möglich, und über SWEEP stellst du die Modulationsstärke der Filterhüllkurve ein. Filter- und VCA-Hüllkurve sind schnell genug für perkussive Sounds und lassen sich zudem von LFOs triggern – damit sind diese typischen, leicht aggressiven „Modulationsorgien“ drin, die man sonst gerne mit EMS-Ästhetik verbindet.

Nach dem VCA sitzt ein zuschaltbarer Chorus, dessen Intensität nicht regelbar ist, klanglich aber grob in Richtung EHX Small Clone schielt – also eher „schmatzend analog“ als „HiFi“.

Sound: kalorienreich, breit, kernig – und bei Bedarf richtig böse

Klanglich ist der Electro-Harmonix EH 8000 ein Statement. Schon mit einem VCO erinnert der Grundcharakter in Teilen an den Microsynth, allerdings wirkt das Filter hier spürbar druckvoller. Sobald du jedoch mehrere Oszillatoren mischst (plus optional Originalsignal, PWM und Modulation), wird es schnell massiv: breite Lead-Sounds, aggressive Sync-Textures, sägende Bässe und knurrige Ringmod-Spektren sind sein Zuhause.

Die Tuning-Range der Oszillatoren ist groß genug, um ultratiefe Bässe zu liefern, bei denen man im Mix manchmal dankbar ist, den Bandpass aktivieren zu können, um Platz zu schaffen. Das Filter kann sowohl seidige Sweeps als auch brutale Resonanzspitzen – und genau dieser Spagat macht ihn musikalisch. Mit mehreren VCOs erinnert das Ergebnis nicht selten eher an einen ARP Odyssey-Vibe als an einen „Gitarren-Synth-Effekt“.

Electro-Harmonix EH 8000 Fazit: Meisterstück mit Sammlerhaken

Unterm Strich ist der EH 8000 ein echter „Hammersynth“: drei VCOs, ungewöhnlich flexibles Routing, viel Modulation, dazu Filter, Ringmod und Chorus – das ist für einen analogen Gitarrensynthesizer dieser Ära beeindruckend. Er kann klassische fette Analogsounds genauso wie abgefahrene Effekttexturen, und er belohnt sowohl präzises Spielen als auch mutiges Experimentieren.

Der Haken ist klar: super selten und entsprechend teuer. Auf Plattformen wie eBay werden je nach Zustand und Angebotssituation Preise um ca. 1.800 € und teils darüber aufgerufen. Wer einen findet, bekommt weniger „Pedal“, sondern eher ein eigenständiges Stück Synth-Geschichte – mit Ecken, Kanten und genau dem Charme, der solche Geräte unsterblich macht.

Herstellerlink: Electro-Harmonix

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Warum Ensemble-Keyboards in den 70ern so gefragt waren

In den 1970ern wollten viele Musiker erschwingliche, polyphone Synthesizer, die live zuverlässig funktionieren und typische Standardsounds liefern: Strings, Orgel, Piano, Brass und Flächen. Klassische polyphone Synths waren jedoch oft teuer, wartungsintensiv und nicht unbedingt roadtauglich. Ensemble-Keyboards füllten genau diese Lücke: schnell einschalten, Sound wählen, spielen.

Später, ab den 1990ern, erlebte diese Ästhetik ein Comeback – nicht zuletzt, weil Bands wie Air oder Broadcast die atmosphärischen Analog-Presets wieder prominent einsetzten.

Korg Lambda ES-50 im Kontext: PE-2000, Delta und Sigma

Der Lambda erschien 1979. Als inhaltlicher Vorgänger gilt das Korg PE-2000 (1976), ein frühes Multi-Keyboard-Konzept. Zeitgleich positionierte Korg weitere Instrumente im Umfeld: den polyphonen Korg Delta sowie den monophonen Korg Sigma, der mit teils kuriosen „Natur“-Klangfarben und Layer-Möglichkeiten auffiel. Der Lambda sitzt dabei genau im Sweet Spot: Preset-orientiert, aber mit genug Eingriffen, um Sounds musikalisch zu formen.

Bedienoberfläche und Verarbeitung: Holz, Registerschalter, Joystick

Optisch wirkt der Korg Lambda ES-50 angenehm seriös: Holzgehäuse, viel Fläche und ein Bedienpanel, das mit Registerschaltern eher an Orgeln erinnert. Das macht ihn auf der Bühne sehr direkt. Statt Pitch- und Modulationsrad nutzt Korg den typischen Joystick, der sowohl Pitch-Funktion als auch Chorus-Steuerung übernehmen kann. Die Tastatur (48 Tasten) ist für diese Geräteklasse überraschend solide spielbar.

Klangarchitektur: Zwei Sektionen, viele Kombinationen

Die Sounds sind in zwei Hauptbereiche aufgeteilt, die du beliebig kombinieren kannst:

Percussive-Sektion

Hier findest du die „kurzen“ bzw. anschlagsbetonten Grundsounds:

• E-Piano
• Clavi
• Piano
• Harmonics (ein obertonreicher Piano-/Glocken-Charakter, der sich gut stapeln lässt)

Die Lautstärke dieser Gruppe ist getrennt regelbar, was im Layer-Betrieb extrem hilfreich ist.

Ensemble-Sektion

Die „breiten“ Klangfarben für Flächen und Begleitung:

• Brass
• Organ
• Choir
• String 1
• String 2

Auch hier gilt: Layern ist ausdrücklich erwünscht – und genau dadurch wirkt der Lambda im Bandmix so groß.

Editiermöglichkeiten: Wenig Parameter, aber musikalisch wirksam

Der Lambda ist kein „Sounddesign-Monster“, aber er bietet genau die Eingriffe, die live und im Studio wirklich etwas bringen:

• Ensemble-EQ: einfacher Höhenanteil-Filter für mehr Präsenz oder weichere Flächen
• Brass-Filter: regelbare Cutoff-Frequenz (ohne Resonanz) – ideal zum Andicken und für dynamische Fahrten
• E-Piano-Keyclick: einstellbar, also von weich bis „knackig“
• Attack/Release für Choir- und String-Sounds: macht aus Presets echte Performance-Sounds
• Detune bei Strings: einer der großen Trümpfe – zwei der drei Basisoszillatoren lassen sich gegeneinander verstimmen, wodurch der Sound deutlich breiter und „teurer“ wird (die LEDs zeigen den Detune-Bereich an)

Effekte: Chorus, Vibrato und Tremolo als Performance-Werkzeuge

Der Korg Lambda ES-50 bringt Effekte mit, die stark auf den typischen Ensemble-Charakter einzahlen:

• Stereo-Chorus: hörbar, füllt das Signal auf und macht Strings/Choirs sofort größer (mit leichtem Rauschen, je nach Exemplar)
• Chorus ist pro Sektion schaltbar (Percussive/Ensemble getrennt)
• Joystick-Steuerung: regelt die Chorus-Geschwindigkeit; Pitch ist ebenfalls per Joystick möglich (± 200 Cent)
• Vibrato für Strings
• Tremolo für Percussive-Sounds: eher dezent, aber musikalisch – besonders bei Piano/Clavi hilfreich

Anschlüsse und Praxis: Mehr Buchsen als erwartet

Rückseitig ist der Lambda erfreulich „studiofreundlich“ ausgestattet:

• Mix-Out
• Stereo-Outs (inkl. Stereochorus)
• Kopfhörer
• Polyphoner Trigger/Gate-Ausgang (+5 V) zum Ansteuern anderer Vintage-Geräte
• Fußschalter für Expression und Hold/Sustain

Für Live-Setups ist das praktisch, weil du schnell zwischen Layer-Sounds und direktem Stereo-Bild wechseln kannst.

Technik unter der Haube: Frequenzteiler, Master-Oszillatoren und Formantfilter

Wie viele Stringmachines basiert der Lambda auf einer Frequenzteiler-Schaltung: Die oberste Oktave entsteht aus 12 Rechteck-Masteroszillatoren, tiefere Oktaven werden per Teilung abgeleitet. Beim Lambda ist besonders: Für den String-Sound stehen drei unabhängige Basisoszillatoren bereit (andere Klänge kommen mit weniger aus). Genau dieses Mehr an Oszillator-Basis, kombiniert mit Detune, sorgt für den typischen „fetten“ Ensemble-Teppich.

Die Presets entstehen über feste Formantfilter. Eine Ausnahme ist der Brass-Sound, der zusätzlich ein Filter mit regelbarer Cutoff-Frequenz besitzt. Außerdem arbeiten zwei unabhängige VCA-Hüllkurven (Percussive/Ensemble getrennt), was die Spielbarkeit deutlich verbessert.

Vollpolyphon in Reinform: 48 Tasten, 48 Stimmen

Der größte Praxisvorteil dieser Klasse bleibt die Vollpolyphonie. Beim Lambda heißt das ganz schlicht: 48 Tasten, 48 Stimmen. Keine Voice-Stealing-Sorgen, keine Kompromisse bei dichten Akkorden.

Klang in der Praxis: Wo der Lambda glänzt – und wo nicht

Der Werbetext versprach ein ganzes Orchester. Das ist natürlich Marketing, aber klanglich ist der Lambda tatsächlich weit vorn:

• Strings: kräftig, brillant und im Mix sofort „da“
• Choir: seidig und atmosphärisch – ideal für Pads
• Brass: besser als erwartet, erinnert in der Grundfärbung stellenweise an Korg-Poly-Sounds; mit Cutoff-Regler sehr gut formbar
• Organ: eher „kirchlich“ als Hammond – dafür perfekt für sakrale Flächen und Retro-Texturen

Spannend: Durch starkes Detuning lassen sich sogar ungewöhnlich disharmonische und experimentelle Klänge erzeugen, die man von einer Stringmachine nicht unbedingt erwartet.

Einschränkungen gibt es auch:

• Die Percussive-Sounds wirken solo teils „cheesy“, funktionieren aber im Layer oder mit Tremolo deutlich besser.
• Der Chorus ist musikalisch nützlich, aber klanglich nicht zwingend auf dem Niveau mancher Roland-/Solina-Lösungen. Trotzdem: Ohne Chorus wäre der Lambda nur halb so groß.

Gebrauchtkauf und Wartung: Realistische Erwartungen

Der Korg Lambda ES-50 wird nicht ständig angeboten. Zustand, Servicehistorie und Nebengeräusche (Chorus-Rauschen, Potis, Schalter) entscheiden stark über den Wert. In älteren Berichten werden sehr niedrige Preise genannt – heute schwanken Gebrauchtpreise je nach Markt und Zustand teils deutlich, daher lohnt sich ein genauer Check vor dem Kauf.

Features des Korg Lambda ES-50 im Überblick

• 48-fach vollpolyphon (48 Tasten / 48 Stimmen)
• Analoge Klangerzeugung (Stringmachine/Ensemble-Konzept)
• Zwei Sektionen: Percussive + Ensemble, frei kombinierbar
• Percussive: E-Piano, Clavi, Piano, Harmonics
• Ensemble: Brass, Organ, Choir, String 1, String 2
• Detune für Strings (breiter, wärmer, auf Wunsch „schräger“)
• Attack/Release (Ensemble), Decay/Release (Percussive)
• Stereo-Chorus, pro Sektion zuschaltbar
• Vibrato (Strings) und Tremolo (Percussive)
• Joystick für Pitch (± 200 Cent) und Chorus-Speed
• Stereo-Ausgänge, Mix-Out, Kopfhörer
• Polyphoner Trigger/Gate-Ausgang (+5 V)
• Fußschalteranschlüsse (Expression / Hold bzw. Sustain)

Empfehlung der Redaktion – aktuelle Stringmachines

Der Beitrag Korg Lambda ES-50: Die Stringmachine für breite Flächen und 70s-Vibes erschien zuerst auf KEYBOARDS / SOUND & RECORDING.

Gesampelte und digitale Drumsounds waren Mitte der 80er längst Standard. Wer sich jedoch gegen etablierte Maschinen wie die Roland TR-707 behaupten wollte, brauchte mehr als nur solide PCM-Samples. Korg setzte 1986 mit der DDD-1 zum Gegenangriff an und brachte ein echtes Rhythmusmaschinen-Flaggschiff auf den Markt – inklusive Features, die damals als luxuriös galten: anschlagsdynamische Pads, Erweiterbarkeit per ROM-Card und sogar die Möglichkeit, eigene Sounds zu samplen. Letzteres allerdings nur gegen Aufpreis: Die Sampling-Option musste separat gekauft werden. Der Listenpreis der DDD-1 lag bei DM 2.400, die Samplekarte kostete zusätzlich noch einmal spürbar.

Interessant ist der Vergleich zur ebenfalls 1986 erschienenen Casio RZ-1: weniger Funktionen, dafür Sampling ab Werk und deutlich günstiger – was sie vermutlich auch weiter verbreitet machte. Trotzdem war die DDD-1 keineswegs ein Exot ohne Prominenz: In den 80ern wurde sie von bekannten Namen genutzt; als oft zitierte Beispiele gelten Jean-Michel Jarre und Philip Glass, der die DDD-1 bei Aufführungen von „Akhnaten“ eingesetzt haben soll.

Design & Bedienung: „Studio“ statt Spielzeug

Schon optisch gibt sich die DDD-1 Mühe, seriös und professionell zu wirken. Sie erinnert an Korgs SQD-1-Sequencer aus demselben Jahr und folgt einem klaren Konzept: Matrix-Bedienung statt Menü-Tauchgänge. Genau das ist bis heute eine ihrer Stärken. Man kann schnell loslegen, ohne sich erst durch Handbuchkapitel zu kämpfen.

Die Dateneingabe erfolgt wahlweise über einen Fader oder über Plus/Minus-Tasten im Zahlenfeld. Das hintergrundbeleuchtete, zweizeilige Display (32 Zeichen) wirkt auch heute noch angenehm funktional, weil es zusammen mit der Matrix ein zügiges Arbeiten erlaubt. Unter dem Zahlenblock sitzen neben Start/Stop/Record erfreulicherweise auch eine Tap-Tempo-Taste. Das war damals keineswegs selbstverständlich – und besonders praktisch: Das Tempo lässt sich sogar während des Recordings nachjustieren.

Pads, Spielgefühl und Performance-Tricks

Die DDD-1 stellt 18 interne Sounds bereit, die über 14 anschlagsdynamische Pads getriggert werden. Die Sounds können frei auf die Pads verteilt werden, was im Studio wie live wirklich hilft. Die Velocity-Erkennung ist ordentlich und die Empfindlichkeit lässt sich einstellen – einzig die klappernden Plastikpads stören den professionellen Eindruck ein wenig. Mit massiveren Gummipads wäre das Gesamtgefühl deutlich wertiger gewesen.

Für mehr „Live-Charakter“ sorgen Roll und Flam, die per eigener Tasten aktiviert werden. Ein Volume-Fader sowie ein Audio-In-Fader (für die Samplingoption bzw. Trigger-In-Level) runden die Oberfläche ab.

ROM-Card-Wahnsinn: Vier Slots als echtes Argument

Klappt man die dezent braun-transparente Abdeckleiste an der Front hoch, wird klar, warum die DDD-1 für viele Sammler und 80s-Fans so reizvoll ist: Vier Slots für ROM-Erweiterungskarten – plus ein zusätzlicher Slot für RAM-Karten, auf denen Song- und Pattern-Daten abgelegt werden können. Diese Erweiterbarkeit war eines der großen Verkaufsargumente, denn kaum eine andere Drum-Machine ließ sich damals so konsequent „füttern“. Eine ROM-Card kostete um DM 280 – wer wollte, konnte also den Gerätepreis problemlos noch einmal in Soundmaterial investieren.

Anschlüsse: üppig – aber MIDI ohne Thru

Auch rückseitig macht die DDD-1 vieles richtig. Neben Stereo-Out und Kopfhörer gibt es mehrere Einzelausgänge, darunter einen für die gesampelten Sounds. Dazu kommen ein Metronom-Ausgang sowie Tape In/Out (als Miniklinke), deren Pegel sich per DIP-Schalter auf High/Low anpassen lässt. Die Tape-Schnittstelle dient nicht nur der Datensicherung, sondern ermöglicht auch die Synchronisation zu Bandmaschinen via Syncsignal – ein echter Studio-Pluspunkt im 80er-Workflow.

Weniger schön: MIDI gibt’s nur als In und Out. Eine MIDI-Thru-Buchse fehlt, ebenso eine softwareseitige Umschaltung des Out auf Thru. Zusätzlich finden sich ein Fußschaltereingang für Start/Stop und ein weiterer fürs Tap-Tempo. Und dann ist da noch der Slot, der am deutlichsten nach Geldbeutel riecht: die Samplekarte (damals um DM 800).

Sampling: nett, aber klar begrenzt

So spannend das Feature „eigene Samples“ klingt: Die DDD-1 ist hier spürbar eingeschränkt. Es lassen sich lediglich zwei Samples aufnehmen, jeweils rund 936 ms, bei 12 Bit / 32 kHz. Zum Vergleich: In der Casio RZ-1 standen immerhin vier Samples zur Verfügung, wenn auch mit kürzerer Länge und geringerer Samplingrate. Für One-Shots, kurze Percussions oder Lo-Fi-Noise reicht die DDD-1 dennoch – man sollte nur keine Sample-Schleuder erwarten.

Programmierung: Hier spielt die DDD-1 ihre Trümpfe aus

Richtig interessant wird die DDD-1 bei der Pattern-Arbeit. Programmierung ist Realtime oder Step möglich, der Swing lässt sich in 10 Stufen einstellen. Die Taktart ist flexibel, auch ungerade/exotische Metren sind machbar. Roll und Flam sind nicht nur „On/Off“, sondern sinnvoll integrierte Werkzeuge.

Das Killer-Feature ist jedoch die Event-basierte Sequenz-Programmierung: Parameter wie Tuning, Decay und Lautstärke können pro Event gesetzt werden – und sogar innerhalb eines Patterns variieren. Eine Snare, die im Verlauf „hochzieht“ oder deren Decay sich verändert, ist damit kein Trick in der DAW, sondern direkt im Drumcomputer programmiert. Fehler lassen sich über eine Erase-Taste schnell entfernen. Die maximale Quantisierung reicht bis 32tel-Triolen; zudem können mehrere Patterns zu einem großen Pattern zusammengefügt werden. Bis zu fünf Drumkits mit unterschiedlichen Tune/Decay/Velocity-Settings lassen sich erstellen, was die Maschine im Alltag deutlich flexibler macht als viele reine „Preset“-Kisten.

Auch MIDI ist praxisgerecht: Sounds können Tasten zugeordnet werden, Senden/Empfangen lässt sich filtern, und MIDI-Clock wird gesendet wie empfangen. Für die Datensicherung ist man nicht auf RAM-Cards oder Kassetten angewiesen, denn per SysEx-Dump lässt sich der interne Speicher bequem am Computer sichern.

Klang: typisches Mid-80s-Universum – mit Charme und Rauschen

Klanglich liefert die DDD-1 genau das, was man erwartet: 80er Digital-Drums mit Charakter. Das Grundrauschen ist deutlich vorhanden, kann aber auch als „Atmosphäre“ wahrgenommen werden – im Mix ist ein Noisegate häufig sinnvoll. Die Sounds sind insgesamt gut brauchbar, besonders die zwei Snares (eine trocken, eine mit gated Reverb) stechen positiv heraus. Die Bassdrums wirken eher zahm und profitieren von Nachbearbeitung – dank Einzelausgängen ist das allerdings kein Drama. Den besonderen Punch holt man über Tune- und Decay-Parameter: Wer hier experimentiert, bekommt schnell eigenständige Ergebnisse, die über „707-Standardware“ hinausgehen.

Mit mehreren ROM-Cards wird die DDD-1 zur echten Ideenmaschine. Als erhältliche Karten werden häufig genannt: Gated Reverb 1–3, Japanese, E-Drums 1–3, Variation (Synthbässe) sowie Latin 1–3.

Ein klarer Komfort-Nachteil bleibt das Mute-Handling: Sounds stummzuschalten ist umständlicher als bei Maschinen mit eigenen Fadern pro Instrument (z. B. TR-707 oder RZ-1). Im Studio lässt sich das über die Einzelausgänge elegant umgehen, live ist es eher ein Kompromiss.

Gebrauchtmarkt & Verfügbarkeit

Auf dem Gebrauchtmarkt galt die DDD-1 als relativ selten; Preise wurden früher um DM 300 genannt. Deutlich schwieriger (und oft teurer) sind jedoch ROM- und RAM-Cards sowie die Sampling-Erweiterung – genau die Teile, die den Reiz der Maschine eigentlich ausmachen.

Das Gerät wurde freundlicherweise von Nikolai Kaeßmann zur Verfügung gestellt.

Specs (Korg DDD-1 / DPM-48)

• Polyphonie: 8-fach
• Klangerzeugung: digital, 12 Bit / 32 kHz
• Sounds: 18 Drumsounds (u. a. 2 Snares, 2 Bassdrums, 4 HiHats, 2 Cymbals, 3 Toms, Cabasa, Rimshot, Cowbell, Clap, Tambourine)
• Patterns: 100 (bis 99 Takte)
• Songs: 10 (bis 255 Parts)
• Programmierung: Realtime & Step, Swing (10 Stufen), Roll & Flam
• Tempo: 40–250 BPM, Tap Tempo
• Parameter: Tune, Decay (u. a. eventbasiert programmierbar)
• Erweiterung: 4× ROM-Card-Slots, 1× RAM-Card-Slot
• Display: beleuchtet, 32 Zeichen
• Ausgänge: Stereo, Kopfhörer, 6 Einzelausgänge + separater Sample-Out, Metronom-Out
• Samplingoption: via Samplingplatine DSB-1 (optional)
• MIDI: In / Out
• Sync/Storage: Kassetteninterface, Sync In/Out, Trigger-Out, SysEx-Dump
• Weitere Funktionen: Display-Kontrast einstellbar, Footswitch (Start/Stop, Repeat)

Herstellerlink: KORG (EU – DE)

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Der Korg Poly-800 traf damit einen Nerv: MIDI und ein integrierter Step-Sequencer waren in dieser Preisklasse keineswegs Standard. Entsprechend wurde der Poly-800 zu einem der meistverkauften Synthesizer seiner Ära. In den 1990ern wurde er im Zuge der Analog-Renaissance wiederentdeckt und u. a. von Jimi Tenor, Sneaker Pimps und Orbital eingesetzt.

Kurzfakten zum Korg Poly-800

Seine Attraktivität ergibt sich aus einer Mischung aus Preis, Ausstattung und Charakter:

• polyfoner Vintage-Synth mit typischem 80s-Charme
• Step-Sequencer (bis 256 Schritte) und MIDI
• kompakt und leicht (ca. 4,3 kg), auch batteriebetrieben
• eigenständiger Sound mit warmem Filter und praktischem Chorus

Korg Poly-800 Design und Bedienung: 80s-Charme mit Zahlenfeld-Workflow

Korg-typisch ist der Poly-800 solide gebaut, auch wenn das stabile Vollplastikgehäuse optisch eine gewisse „Tischhupen“-Anmutung hat. Gleichzeitig hat er diesen pfiffigen 80er-Jahre-Look, der heute wieder gefragt ist. Mit rund 4,3 kg zählt er zu den angenehm transportablen Synthesizern seiner Zeit – zumal er mit Batterien betrieben werden kann und sich sogar umhängen lässt.

Die Bedienung folgt klar dem Mid-80s-Prinzip „Reduktion und Knöpfchendrücken“: Neben einem Lautstärkeregler gibt es drei Fader (Gesamtstimmung, Bend-Range, Sequencer-Tempo). Die restlichen Parameter werden über Zahlenfeld und Value-Up/Down angewählt. Das funktioniert nach kurzer Eingewöhnung zügig, allerdings vermisst man in der Praxis öfter einen komfortablen Data-Slider. Zur Kontrolle dienen drei zweistellige LED-Displays.

Praktisch und musikalisch interessant sind die Play-Modi: Neben dem normalen Spiel gibt es Hold und Chord. Gerade der Chord-Modus macht den Poly-800 zu einer kleinen Spaßmaschine für frühe Techno-Anmutungen, stabiles Pattern-Spiel und schnelle Harmonieskizzen. Ein eigenwilliger Joystick übernimmt Pitchbend sowie Tonhöhen- und Filtermodulation. Die vieroktavige Tastatur ist nicht anschlagsdynamisch, klappert leicht, spielt sich aber ordentlich.

Korg brachte außerdem eine Reverse-Version mit farblich invertierter Tastatur – eine Idee, die später auch beim microKORG wieder auftauchte.

Anschlüsse, Speicher und MIDI: Wichtiges zu frühen Serien

Auf der Rückseite finden sich Stereo- und Kopfhörerausgang, ein Kassetteninterface zur externen Sicherung der 64 Speicherplätze, ein Fußschalteranschluss zum Weiterschalten der Sounds sowie MIDI In/Out.

Bei frühen Geräten ist die MIDI-Implementation eingeschränkt: Der Omni-Off-Modus lässt sich nur extern setzen, zudem steht dann nur MIDI-Kanal 1 zur Verfügung (Sequencer auf Kanal 2). Ab Seriennummer 028727 gibt es freie Kanalwahl und die Möglichkeit, Omni intern zu deaktivieren (Reverse-Version ab 031827). Bei ganz frühen Geräten wurden außerdem Berichte bekannt, dass im MIDI-Betrieb Sounds verloren gehen konnten. Eine Speicherbatterie kam erst später.

Erwähnenswert für Studio-Setups: Korg bot auch den EX-800 als Expander-Variante an, die – anders als frühe Tastaturgeräte – SysEx unterstützt.

Klangerzeugung: Subtraktiv, DCO-basiert, clever erweitert

Der Poly-800 arbeitet mit klassischer subtraktiver Synthese und digital kontrollierten Oszillatoren (DCOs). Die maximale Klangerzeugung basiert auf acht stimmstabilen DCOs, die im Double-Modus häufig zu zwei gegeneinander verstimmbaren Strängen (je vier DCOs) gebündelt werden. Das sorgt für mehr Fülle – macht viele typische Poly-800-Sounds aber faktisch vierstimmig.

Als Grundwellenformen stehen Sägezahn und Rechteck in drei Oktavlagen bereit. Der entscheidende Twist: Die Wellenformen lassen sich wie bei einer Orgel additiv in vier Fußlagen (16’, 8’, 4’, 2’) gleichzeitig aktivieren. Damit wird aus der scheinbar begrenzten Architektur ein überraschend formbarer Klanggenerator. White Noise ist ebenfalls an Bord.

Bei den Hüllkurven geht Korg über Standard-ADSR hinaus: Es gibt eine Filter-Hüllkurve sowie zwei Lautstärke-Hüllkurven (für die beiden Oszillatorstränge), jeweils ergänzt um Breakpoint und Slope-Phase. Das analoge, resonanzfähige Vierpol-Filter klingt ausgesprochen angenehm und ist maßgeblich für den warmen Grundcharakter verantwortlich. Die Kehrseite: Es gibt nur ein gemeinsames Filter für alle Oszillatoren – eine der größten Einschränkungen des Instruments.

Der LFO arbeitet mit Sinus und kann auf DCO sowie Filterfrequenz geroutet werden. Für Breite sorgt ein einfacher Chorus, der musikalisch gut passt, aber nicht weiter editierbar ist. Ein zweibandiger EQ rundet die Klangformung ab.

Sound: Unterschätzt, warm, eigenständig

Trotz seiner Grenzen wird der Korg Poly-800 oft unterschätzt. Sein Sound ist warm, charakterstark und wirkt gerade bei Flächen und Leads erstaunlich organisch – nicht zuletzt durch das gut klingende Filter. Auch Bleeps und orgelartige Sounds liegen ihm naturgemäß, weil die additive Fußlagen-Schaltung schnell in „Orgel-Register“-Territorium führt.

Im Bass ist er weniger „massiv“ als manche Juno-Modelle, liefert aber absolut überzeugende Ergebnisse, vor allem wenn man den internen EQ sinnvoll einsetzt. Die Programmierung geht nach kurzer Eingewöhnung flott, einzig die relativ grobe Rasterung der Resonanz kann beim Feintuning stören. Das Chorus-Rauschen bleibt dabei insgesamt im Rahmen.

Korg Poly-800 II: Der sinnvolle Feinschliff

Mit dem Poly-800 II wollte Korg die wichtigsten Kritikpunkte adressieren: Die MIDI-Implementation wurde deutlich verbessert, inklusive SysEx-Übertragung. Außerdem reagieren die Hüllkurven etwas schneller. Der Sequencer-Speicher wurde erweitert, und statt des eher unflexiblen Chorus gibt es nun ein einfaches, programmierbares Digital-Delay. Optisch bleibt er nah am Vorgänger, die Farbgebung wurde jedoch leicht angepasst.

Modding („Pimp My Poly“): Mehr Kontrolle im Alltag

Ein großer Pluspunkt des Poly-800 ist seine Modding-Freundlichkeit. Besonders beliebt ist die Nachrüstung echter Regler für Cutoff und Resonanz, weil das Instrument dadurch im Live- und Studioeinsatz spürbar direkter wird. In der Praxis greifen Modder dabei häufig die entsprechenden Trimmer auf der Klangerzeugungsplatine ab und ersetzen sie durch Potis.

Wichtig: Solche Eingriffe setzen sauberes, sicheres Arbeiten voraus. Wer nicht absolut lötsicher ist, sollte den Umbau einer Fachwerkstatt überlassen – das ist meist kostengünstig, schnell erledigt und reduziert das Risiko von Schäden deutlich. Je nach Resonanz-Einstellung kann der Poly-800 außerdem zu kräftiger Selbstoszillation neigen; ein vorsichtiges Abhören mit niedriger Lautstärke ist daher Pflicht.

Neben Cutoff/Resonanz sind weitere Modifikationen wie externe Filter-Einspeisung oder zusätzliche Parameter-Potis möglich. Unterm Strich gilt: Wer analoge Klangästhetik mag, aber gebraucht nicht allzu tief in die Tasche greifen will, sollte den Korg Poly-800 unbedingt antesten – er ist ein eigenständiger Vintage-Synth, der musikalisch mehr bietet, als sein Bedienkonzept zunächst vermuten lässt. Wir bedanken uns bei Jürgen Stiemert für den Korg Poly-800 zur Ansicht.

Herstellerlink: KORG (EU – DE)

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Hillwood Firstman Synthesizer: Es gibt Synthesizer, die man gefühlt an jeder Ecke zitiert – und solche, die trotz eigenständigem Sound nie in den kollektiven Musiker-Mainstream gerutscht sind. Genau diese zweite Kategorie ist oft der Grund, warum bestimmte Klassiker wohl niemals „geklont“ werden: nicht, weil sie schlecht wären, sondern weil kaum jemand ihren Namen auf dem Schirm hat.

Zwei wunderbare Beispiele sind der Firstman Pulser M 75 und der poetisch benannte Hillwood Blue Comets 73. Beide stehen sinnbildlich für eine Marke(n)geschichte, die bis heute für Verwirrung sorgt – und genau deshalb für Sammler, Sounddesigner und Sequencer-Nerds so reizvoll ist.

Hillwood/Firstman Synthesizer in 5 Minuten: Wer war wer?

Die japanische Firma Hillwood wurde Anfang der 1970er gegründet und baute nicht nur Synthesizer, sondern auch Sequenzer und Effektgeräte. Der Kopf dahinter: Kazuo Morioka, der später u. a. in Entwicklungszusammenhängen bei großen Herstellern mitgewirkt haben soll. Klingt nach klassischer „Hidden Figure“-Story: kompetent, innovativ, aber nie laut genug, um im Rampenlicht zu bleiben.

Warum man Hillwood heute selten in Vintage-Listen findet, hat vor allem einen praktischen Grund: Viele Geräte erschienen unter anderen Namen. Ein großer Teil lief unter dem Brand Firstman (Firstman International). Wer dann noch in den USA einkaufte, stolperte häufig über ein drittes Logo: Multivox.

Kurz gesagt:
Hillwood (Hersteller) → Firstman (Brand/Exportname) → Multivox (US-Label/Rebranding)
Kein Wunder, dass diese Geräte in vielen Sammlungen „irgendwie existieren“, ohne dass die Besitzer die Verwandtschaft sofort erkennen.

Multivox: Rebrand-Kultur und „Copycat“-Ästhetik der 70er

In den USA tauchten Hillwood/Firstman-Synths oft als Multivox auf – teilweise schlicht per Logo-Überklebung für den amerikanischen Markt. Multivox hatte damals den Ruf, viele Konzepte anderer Hersteller zu übernehmen und unter eigenem Namen zu verkaufen. Neben Synthesizern gab es im Multivox-Kosmos auch Gitarren, Bässe, Drum-Kisten, Tape-Echos, Amps und Bodeneffekte (Sammler kennen hier häufig die „Big Jam“-Pedale).

Für dich als Musiker ist das vor allem aus einem Grund interessant: Wenn du nach Hillwood/Firstman suchst, findest du manche Geräte leichter (oder günstiger) unter Multivox-Bezeichnungen – oder umgekehrt.

Hillwood Firstman Synthesizer – die Instrumente: 5 Highlights, die heute noch Spaß machen

1) Hillwood Blue Comets 73: Preset-Mono mit Stil

Der Blue Comets 73 ist ein früher Hillwood-Synth und wirkt wie ein Design-Statement: silber/schwarz, klare Linien, orgelartige Register-Schalter. Technisch bewegt er sich in einer spannenden Übergangszone: Preset-basiert, aber dennoch mit Eingriffsmöglichkeiten.

Typische Performance-Parameter (je nach Ausführung/Panel) sind:

• Lautstärke und Hüllkurvenverlauf (Attack/Sustain)
• Vibrato (Speed/Depth)
• Filterformung (Cutoff/Resonanz + Filterhüllkurve)
• Portamento
• Bend/Mod-Intensität

Das ist nicht „Modular-Wahnsinn“, aber genau das macht den Reiz aus: Presets als Startpunkt, dann mit Fadern „in Position ziehen“. Für Live-Lines, frühe Elektronik-Ästhetik und Library-Sounds ist das eine sehr direkte Arbeitsweise.

Klang-Tipp:
Wenn du Preset-Synths magst, behandle den Blue Comets wie ein Performance-Instrument: eine Hand am Fader, die andere am Timing. Der Charme liegt in Bewegung, nicht in 200 Parametern.

2) Firstman Pulser M 75 (aka Multivox MX-75): Zwei VCOs, Ringmod und Aftertouch

Der Pulser M 75 ist ein kompakter, monophoner Analog-Synth, der deutlich tiefer geht, als sein „Preset-Look“ vermuten lässt. Die Klangarchitektur ist für die Zeit erstaunlich musikpraktisch:

• 2 VCOs für fette Unison-Leads, Intervall-Stacks und Schwebungen
• Lowpass-Filter für klassische subtraktive Kontrolle
• LFO, der nicht nur moduliert, sondern (je nach Modus) auch Hüllkurven triggern kann – ideal für pseudo-sequenzierte Verläufe
• Ringmodulator für metallische, geräuschhafte, experimentelle Farben
• Aftertouch-fähige Tastatur, oft für „Growl“/Druck-Modulationen nutzbar

Gerade die Kombination aus Ringmod + Aftertouch ist Gold für Sounddesign: Du kannst aggressive Obertöne erzeugen und sie spielerisch dosieren – ohne externes Mod-Routing.

Praxis:
Der Pulser ist kein „nur Bass“-Synth. Er kann das zwar, aber seine Stärke ist Charakter: schmutzige Leads, kaputte FX-Stabs, electroide Sweeps und perkussive Mod-Momente.

3) Polyphon: PS-86, Pulser 85/MX-3000 und der Four-Voice-Hybrid

Hillwood/Firstman blieb nicht bei Mono-Kisten stehen. Spannend sind vor allem die Geräte, die mehrere Welten kombinieren: klassische subtraktive Stimmen plus „Ensemble/String“-Färbung – also genau die Ästhetik, die heute in Synthwave, Italo-Revival und Retro-Pop wieder hoch im Kurs steht.

Ein besonders erwähnenswertes Konzept ist ein Four-Voice-Hybrid, der:

• eine 4-stimmige subtraktive Sektion (VCO/Filter/Noise/LFO/ADSR)
• mit einem String-Synth-Teil (mischbare Fußlagen, eigene Hüllkurve)

kombiniert. Das ist kein „One-Trick-Pony“, sondern eher ein komplettes Arrangement-Instrument für Pads, Brass-Layers und arpeggierte Flächen.

4) Firstman SQ-01 / SQ-1: Der „Was wäre wenn“-Groove-Synth

Wenn du auf Bass-Synths mit Sequencer stehst, wirst du am SQ-01 hängen bleiben. Die Idee: monophoner Bass-Synth + integrierter Sequenzer, minimalistische Klangregelung, dafür direkter Output.

Warum dieses Gerät so oft als „Acid-Paralleluniversum“ beschrieben wird: Es hat die Zutaten, die man für druckvolle Sequencer-Lines braucht, ohne sich in Optionen zu verlieren.

• Fokus auf Cutoff/Resonanz und grundlegende Tonhöhenkontrolle
• ein Filter, das für druckvolle, durchsetzungsfähige Sequenzen prädestiniert ist
• ein Sequenzer, der (je nach Ausführung) fein auflösen und lange Pattern speichern kann
• Eingabe über eine kompakte Tasten-/Folienlogik (Oldschool, aber schnell, wenn man’s einmal draufhat)

Wichtig für die Erwartung:
Solche Geräte sind keine 1:1-TB-303-Kopie. Aber sie liefern eine eigenständige, sequencerfreundliche Monosynth-Sprache, die in Techno, Electro, EBM und Minimal hervorragend sitzt.

5) Firstman SQ-10: Sieht aus wie ein Synth, ist aber ein echter Sequencer

Der SQ-10 ist ein kleines Sammlerstück für Leute, die externe Klangerzeuger wirklich „fahren“ wollen: Trotz Tastatur ist er ein Analogsequencer ohne eigene Klangerzeugung.

Besonders praktisch (und historisch spannend): Er kann unterschiedliche CV-Standards bedienen, u. a.

• Hz/V (z. B. manche Korg-/Yamaha-Welten)
• V/Oct (klassische „Oktave/Volt“-Logik vieler Systeme)

Mit mehreren Spuren und getrennten Ausgangssektionen wird der SQ-10 zum kreativen Steuermodul – ideal, wenn du Vintage-Synths oder Modular-Gear in eine „hands-on“ Sequencer-Performance überführen willst.

Mehr als Synths: Fullroter, Karten-Speicher und Disco-Effekte

Hillwood/Firstman war nicht nur „Synthesizer“. Gerade die Randprodukte sind charmant:

• Fullroter: frühes Leslie-Simulator-Konzept mit mehreren Geschwindigkeiten
• FS-10C: monophoner Expander, teils mit Speicherung über Magnetkarten (sehr zeittypisch)
• BS-999: bassorientierte Spezialkiste (Pedal-/Performance-Denke)
• Synpuls SD-1 / MX-57: Drum-/Perc-Sounds, die im Disco-Kontext beliebt waren (Stichwort: klassische „Piuu“-Effekte)

Diese Geräte zeigen: Die Firma hatte immer wieder Ideen, die nicht nur „noch ein Subtraktiver“ waren, sondern echte Anwendungsszenarien im Blick hatten.

Warum das heute relevant ist (auch ohne Sammlerbudget)

Du musst keinen dieser Synths besitzen, um von der Story zu profitieren. Hillwood/Firstman ist ein Lehrstück für zwei Dinge:

1. Preset-Synths können Performance-Instrumente sein.
   Wenn Parameter sinnvoll gewählt sind, entsteht Musikalität über Bewegung – nicht über Menü-Tiefe.

2. Sequencer + reduziertes Sounddesign = schneller Charakter.
   Der SQ-01 zeigt eine Arbeitsweise, die in moderner Musikproduktion wieder hochaktuell ist: wenige Regler, klare Reaktion, sofortige Ergebnisse.

Wenn du den Sound „in der Richtung“ suchst, aber die Hardware nicht findest, orientiere dich bei modernen Alternativen an diesen Kriterien:

• monophoner Analog-Signalweg oder überzeugende Emulation

• Sequencer mit Slide/Legato-Optionen und pro Step Variation

• Filter mit musikalischer Resonanz und stabilem Bassfundament

• Performance-Modulation (Aftertouch/Velocity/Mod-Wheel)

Kauftipps für Vintage-Hardware (kurz und praxisnah)

Wenn du dich auf die Jagd machst, helfen diese Checks:

• Rebranding-Namen mit suchen: Hillwood / Firstman / Multivox (Modellnummern variieren)
• Bedienelemente prüfen: Fader, Wippen, Potis – Kratzen ist normal, Totalausfälle sind teuer
• Tastatur & Aftertouch: Funktion testen, Reparaturen können aufwendig sein
• Netzteil/Spannung: Original-PSUs sind oft ein Thema, Umbauten sauber dokumentieren lassen
• CV/Gate beim SQ-10: Sicherstellen, welche Standards wirklich anliegen und ob Adapter nötig sind
• Service-Fähigkeit: Gibt es Techs in deiner Nähe, die Vintage-Analog zuverlässig warten?

FAQ Hillwood Firstman Synthesizer

Sind Hillwood und Firstman dieselbe Firma?
Hillwood ist der ursprüngliche Herstellername; Firstman war eine verbreitete Marken-/Vertriebsschiene. Viele Geräte sind technisch eng verwandt.

Was hat Multivox damit zu tun?
Multivox war in den USA ein Label, unter dem u. a. Hillwood/Firstman-Geräte rebranded verkauft wurden.

Ist der SQ-01 eine Alternative zur TB-303?
Eher eine alternative Idee derselben „Bass + Sequencer“-Denke. Er kann in ähnliche Pattern-Gefilde kommen, hat aber seinen eigenen Klang und Workflow.

Warum sind diese Synths so unbekannt?
Vor allem wegen wechselnder Markennamen, regionaler Vertriebswege und der allgemeinen Verschiebung Richtung Digital in den 80ern.

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Wer in den späten 1970ern live gespielt hat, kennt das Problem: Strings, Brass, Bass und „Piano“-Flächen waren gefragt – aber eine ganze Keyboardburg wollte niemand schleppen. Genau hier setzte Crumar an: mit dem Multiman-Konzept als kompakter All-in-One-Lösung für Bühne und Studio. Der Crumar Multiman-S erschien 1977 als verbesserte, leistungsfähigere Version des ursprünglichen Multiman (1975) und wurde in den USA unter dem Namen Orchestrator vermarktet.

Italienische Synth-Tradition: Crumar, Elka und „La Familia“

Italienische Musikinstrumentenhersteller waren (und sind) oft eng verflochten. Ein bekanntes Beispiel: Piero Crucianelli, lange Zeit Kopf von Elka (später von GEM übernommen), ist der Bruder von Mario Crucianelli, dem Gründer von Crumar. Der Markenname Crumar setzt sich aus Elementen von CRUcianelli und MARio zusammen.

Crumar gehört zu den bekanntesten italienischen Synthesizerherstellern. Zum Portfolio zählen unter anderem der monofone Crumar Spirit (in Zusammenarbeit mit Bob Moog), die Synthesizer DS-1/DS-2, die polyfonen BIT-Modelle (BIT ONE, BIT 99) sowie das digitale GDS-System. Neben Orgeln und frühen E-Piano-Konzepten entstanden auch skurrile, aber klangstarke Spezialgeräte wie das Masters Touch (Analogfilter mit Blascontroller, in Kooperation mit Nyle Steiner/Steiner Parker).

Was ist ein „Multikeyboard“ – und warum war das ein Gamechanger?

Das Grundprinzip: Mehrere Klangsektionen (Strings, Brass/Synth, Bass, „Piano/Clav“) in einem Instrument, schnell mischbar, bühnentauglich – mit dem Ziel, mehr Sounds bei weniger Schlepperei zu liefern. Der Multiman-S traf damit exakt den Nerv der Zeit. Andere Hersteller zogen nach (z. B. ARP mit dem Quadra).

Crumar Multiman-S im Überblick

Der Multiman-S steckt in einem stabilen Holzgehäuse und bringt rund 15 kg auf die Waage. Das Bedienpanel ist bewusst übersichtlich: Fader statt Menüs, schnelle Mischungen statt Soundprogrammierung.

Key-Facts (schnell erfassbar)

• Baujahr: 1977
• Tastatur: 5 Oktaven, nicht anschlagsdynamisch
• Split: vorhanden, fester Splitpunkt
• Sounds (polyfon, außer Bass): Brass, Piano, Clavichord, Cello, Violine
• Bass: monofon, nur in der unteren Tastaturhälfte
• Besonderheit: Strings mit Release-Regler für weite, „reverbartige“ Ausläufe
• USA-Name: Orchestrator

Bedienung & Aufbau: Fader-Mixing statt Preset-Denke

Im Zentrum steht das Layering: Die fünf analogen Klangfarben lassen sich pro Tastaturhälfte über Fader zusammenmischen. Dazu gibt es pro Sound (je Split-Sektion) Mute-Taster – praktisch, wenn man im Songverlauf schnell umschalten möchte, ohne die Faderstellung zu verlieren.

Typische Praxis-Kombinationen

• Strings + Brass: klassischer 70s/80s-Layer, breit und präsent
• Strings + Piano/Clav: mehr Attack und Definition im Bandmix
• Bass links + Layer rechts: live extrem effektiv, trotz fixem Split

Crumar Multiman-S: Klangerzeugung im Detail

1) String-Sektion (Cello & Violine)

Die Strings sind das Herzstück. Geformt werden sie über:

• Mischung der beiden Grundklänge (Cello/Violine)
• Release-Regler (großer Pluspunkt für weite, flächige Sounds)
• EQ-Crossfader Mellow Bright (dezente Klangfärbung)

Ergebnis: voll, strahlend, kraftvoll – typisch „goldene Siebziger“. Im Charakter oft körniger und aggressiver als eine Solina-Ästhetik, die eher seidig und zurückhaltend wirkt.

2) Brass/Synth-Sektion (mit Filter)

Die Brass-Sektion ist im Funktionsumfang begrenzt, aber musikalisch sehr nützlich – insbesondere als Unterfütterung der Strings.

Ausstattung:

• AD-Filterhüllkurve
• Lowpass-Filter mit Cutoff und Resonanz (bis Selbstoszillation)
• Cutoff per Fußpedal steuerbar
• Einschränkung: ein Filter für alle Stimmen (gemeinsam geteilt)

Klanglich überzeugt der Brass/Synth durch eine warme, weiche Tonalität und kann – trotz einfacher Grundarchitektur (u. a. Frequenzteilerschaltung wie bei den Strings) – mit einem kaskadierten, Moog-inspirierten Filterverhalten punkten.

3) Piano & Clavichord

Solistisch wirken beide Sektionen oft eher funktional. Ihre Stärke liegt in der Mischung:

• mehr Attack
• mehr Kontur
• bessere Durchsetzung im Arrangement (gerade live)

4) Bass (monofon, links)

Der Bass sitzt fest in der unteren Tastaturhälfte und reicht sehr tief herunter – ideal als Fundament, wenn kein separater Bass-Synth am Start ist.

Crumar Multiman-S: Performance-Features, Tuning und typische Schwachstellen

Vorne am Gerät:

• Master Volume
• Vibrato mit Speed und Depth
• Pitch-Fader (für Gesamttuning, leider ohne Mittenrastung)

Wichtig bei Gebrauchtgeräten: Bei manchen Multiman-S kann die Tastatur wegen Kontaktproblemen nicht mehr vollständig zuverlässig auslösen. Die gute Nachricht: Eine Überholung ist häufig mit Kontaktspray und Geduld lösbar.

Wie bei vielen Keyboards dieser Ära ist außerdem das Eigenrauschen nicht zu unterschätzen – im Studio sollte man das bei Gain-Staging und Effekten (Chorus/Phaser) im Hinterkopf behalten.

Anschlüsse: Bühne, Studio und Pedale

Auf der Rückseite finden sich:

• Summenausgang
• Einzelausgänge für Brass, Bass, Piano
• Pedal-/Schalteranschlüsse für Sustain, Lautstärke und Filtersteuerung (Brass)
• Anschlussmöglichkeit für ein Fußbasspedal

Crumar Performer: die elegante, reduzierte Alternative

Eine der interessantesten Varianten ist der Crumar Performer:

• kompakter, 49 Tasten
• „Vintage“-Look mit Holzseitenteilen
• Klangerzeugung im Kern: Strings + Brass (ähnlich Multiman-S)

Dafür bietet er mehr Formung in der String-Sektion:

• 3-Band-EQ
• Attack (zusätzlich zu Release)
• Transpose um eine Oktave (Ausgleich für 49 Tasten)

Zusätzlich besitzt der Performer einen LFO, der wahlweise Pitch (alle Sounds) oder Filter-Cutoff modulieren kann. Anschlussseitig interessant: u. a. Ausgänge für Summe, Brass, ungefiltertes Brass-Signal (für externe Filter/FX) sowie ein Gate-Ausgang.

Weitere Derivate & Nachfolger des Crumar Multiman-S

Neben dem Performer existieren Multiman-nahe Modelle mit reduziertem Umfang, z. B. Brassman oder Stringman. Zu den Nachfolgern bzw. verwandten Konzepten zählen außerdem Multiman-S 3 sowie spätere Modelle wie Crumar Stratus und Trilogy.

Crumar Multiman-S: Bekannte Einsätze im Studio und auf Produktionen

Strings und Brass aus der Multiman-Familie wurden von diversen Musikern genutzt – genannt werden u. a. Manfred Mann, Klaus Schulze, Duran Duran (frühe Alben mit intensivem Performer-Einsatz), Stereo MCs, Sun Ra, Dave Greenslade, Holger Czukay sowie Peter Banks (After The Fire).

Moderne Alternative: „Crumar-Strings“ als Plugin

Wer den Charakter liebt, aber Platz-, Wartungs- oder Rückenprobleme vermeiden will, kann auf Software-Lösungen wie GForce Virtual String Machine ausweichen, die u. a. Multiman-nahe String-Ästhetiken abbilden (Preis/Verfügbarkeit variieren je nach Anbieter und Zeitpunkt).

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