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Behringer RD-6 Test: Warum dieser Drumcomputer spannend ist

Ich sehe die Behringer RD-6 nicht als universelle Groovebox, sondern als sehr fokussierten analogen Drumcomputer. Genau das macht sie interessant. Sie will keine Samples laden, keine tiefen Sound-Design-Menüs anbieten und auch keine komplette Produktionszentrale ersetzen. Stattdessen liefert sie acht analoge Drum-Sounds, einen klassischen Step-Sequencer und ein Bedienkonzept, das sofort nach Electro, Acid, Minimal, Techno und Oldschool-Synth-Pop riecht.

Behringer beschreibt die RD-6 SR als analogen Drumcomputer und nennt sie ausdrücklich einen Clone der Roland TR-606, inklusive acht Instrumenten, Distortion, 16-Step-Sequencer, 32 Pattern, Song Mode, Random Mode, sechs Einzelausgängen, zwei Trigger-Ausgängen sowie USB & MIDI. Der Quick Start Guide fasst das Konzept noch kompakter zusammen: „Classic Analog Drum Machine with 8 Drum Sounds, 16-Step Sequencer and Distortion Effect“.

Das Original: Roland TR-606 als Vorbild

Die Roland TR-606 ist bis heute kein Drumcomputer für alle Situationen. Allerdings hat sie genau deshalb Charakter. Im Vergleich zu großen Klassikern wie TR-808 oder TR-909 klingt sie schlanker, trockener und etwas bissiger. Deshalb passt sie besonders gut zu Tracks, in denen die Drums rhythmisch präzise arbeiten sollen, ohne den gesamten Mix zu dominieren.

Ich finde wichtig, dass die Behringer RD-6 diesen historischen Kontext nicht versteckt. Roland selbst beschreibt die TR-606 ebenfalls als kompaktes Schwestergerät der TB-303. Genau diese Kombination aus trockenen Drums und sägender Bassline ist für Acid, Electro und frühe elektronische Clubmusik prägend.

Erster Eindruck und Bedienung

Die RD-6 wirkt auf den ersten Blick vertraut: oben die Instrumenten-Level, rechts die Distortion-Sektion, unten die 16 Step-Tasten. Ich mag an diesem Layout, dass es nicht erklärt werden will. Man wählt ein Instrument, setzt Steps, startet das Pattern und hört sofort, ob der Groove funktioniert.

Dabei ist die Bedienung bewusst limitiert. Bass Drum, Snare, Toms, Cymbal/Clap und Hi-Hats lassen sich hauptsächlich im Pegel regeln. Das ist keine moderne Drum-Synth-Architektur mit Pitch, Decay, Drive, LFOs und Modulationsmatrix pro Stimme. Trotzdem fühlt sich die RD-6 dadurch direkt an. Ich muss nicht erst Sounds bauen, sondern programmiere Rhythmus.

Klangcharakter

Klanglich würde ich die RD-6 als trocken, analog, knackig und eher kompakt beschreiben. Die Bass Drum hat nicht den massiven Sub-Schub einer 808, aber sie setzt sich gut durch. Die Snare ist schmaler und schnarriger, während die Hats den typischen metallischen 606-Charme bedienen. Gerade in Kombination mit einer Acid-Line, einem Sequencer-Synth oder einem rauen Mono-Bass ergibt das sofort einen funktionierenden elektronischen Grundsound.

Außerdem gefällt mir, dass der Sound nicht zu edel wirkt. Die RD-6 ist eher Werkzeug als Hi-Fi-Statement. Dadurch sitzt sie in Lo-Fi-House, Electro, Minimal Wave, Industrial-inspirierten Beats und Techno-Skizzen schnell an der richtigen Stelle.

Sequencer: Klassisch, schnell und performance-tauglich

Im Behringer RD-6 Test ist der Sequencer für mich einer der wichtigsten Punkte. Die RD-6 arbeitet mit einem 16-Step-Konzept, zwei Pattern-Gruppen und insgesamt 32 Pattern. Der Quick Start Guide nennt bei den Spezifikationen 2 x 16 Patterns, 16 Steps und acht analoge Stimmen.

Ich finde diesen Ansatz für Live-Jams sehr angenehm. Man kann Pattern wechseln, Ketten bauen und mit dem Song Mode längere Strukturen erzeugen. Außerdem sorgt die Random-Funktion für schnelle Varianten, wenn ein Beat zu statisch wirkt. Gerade bei einem Instrument mit wenigen Klangparametern ist das wichtig, denn Variation entsteht hier weniger über Sounddesign und mehr über Rhythmik.

Pattern, Track und Random

Die RD-6 bleibt nah an der alten Drumcomputer-Denke: Pattern schreiben, Pattern abspielen, Tracks zusammensetzen. Das wirkt zunächst altmodisch, ist aber musikalisch sinnvoll. Ich kann einen simplen Beat bauen, dann eine Variante mit zusätzlicher Open Hat ergänzen und anschließend eine Break-Version mit weniger Kick programmieren. Dadurch entsteht ohne Bildschirm ein Song-Gerüst.

Die Random-Funktion ist dabei mehr als ein Gimmick. Natürlich produziert sie nicht immer fertige Club-Grooves. Trotzdem nutze ich solche Funktionen gern als Ideengeber, weil sie eingefahrene Finger-Patterns aufbrechen. Besonders bei kurzen 16-Step-Sequenzen kann ein zufälliger Akzent oder eine unerwartete Tom-Figur den Loop sofort lebendiger machen.

Distortion: Die moderne Zutat

Ein großer Unterschied zum historischen Vorbild ist die Distortion-Sektion. Die Verzerrung sitzt im im Signalweg direkt vor dem Lautstärkeregler und dem finalen Audioausgang; die Regler Distortion, Tone und Level greifen nur, wenn der Distortion-Schalter aktiviert ist. Behringer beschreibt die Distortion der RD-6 zudem als inspiriert von der DS-1-Schaltung.

Ich halte diese Ergänzung für absolut sinnvoll. Die Grundsounds der RD-6 sind eher schlank. Mit Distortion bekommen Kick, Snare und Hats mehr Kante, mehr Dreck und mehr Präsenz. Allerdings würde ich den Effekt nicht immer voll aufdrehen. Gerade bei Hi-Hats kann zu viel Verzerrung schnell harsch werden. Deshalb ist der Tone-Regler wichtig: Er entscheidet, ob die Verzerrung nur etwas anschiebt oder den Beat aggressiv nach vorne reißt.

Anschlüsse: Mehr Studio als Vintage

Während die Roland TR-606 aus heutiger Sicht bei der Integration eingeschränkt ist, geht die Behringer RD-6 deutlich weiter. Auf der Rückseite finden sich sechs Voice Outs, ein Mix Out, Start/Stop per Fußtaster, MIDI In, MIDI Out/Thru, USB und der Netzteilanschluss. Sobald eine Voice-Out-Buchse belegt ist, wird die jeweilige Stimme aus dem Mix-Out entfernt.

Das finde ich für Studioarbeit entscheidend. Ich kann die Bass Drum separat komprimieren, die Snare durch einen eigenen Saturator schicken und die Hi-Hats im Panorama oder mit einem Filter bearbeiten. Dadurch wächst die RD-6 deutlich über den puristischen Grundsound hinaus. Außerdem machen Sync In/Out und die zwei Trigger-Ausgänge sie interessant für Setups mit modularen Synthesizern, Semi-Modulars oder älteren Sequencer-Konzepten.

USB und MIDI

Die RD-6 ist laut Quick Start Guide ein USB-Class-Compliant-MIDI-Gerät und benötigt daher keine zusätzlichen Treiber für Windows und macOS. Für mich ist das im Alltag ein großer Vorteil. Ich kann sie mit einer DAW clocken, per MIDI in ein größeres Setup einbinden oder sie als Hardware-Drumcomputer neben Software-Synths nutzen.

Gleichzeitig bleibt sie standalone spielbar. Das ist wichtig, denn die RD-6 macht am meisten Spaß, wenn man sie nicht wie ein Plug-in behandelt, sondern als eigenständiges Instrument.

Technische Daten der Behringer RD-6

Im musikalischen Einsatz

Ich würde die RD-6 besonders dann einsetzen, wenn ein Track sofort rhythmischen Charakter braucht, sich aber nicht in den Vordergrund drängt. Für moderne Pop-Produktionen mit realistischen Drums ist sie nicht gedacht. Für elektronische Musik ist genau diese Begrenzung jedoch ein Vorteil.

In einem Acid-Setup mit einer TD-3 oder einem anderen 303-inspirierten Synthesizer wirkt die RD-6 sehr schlüssig. Die Kick liefert den Puls, die Snare markiert den Backbeat, und die Hats geben dem Pattern den bekannten maschinellen Vorwärtsdrang. Außerdem lässt sich durch Distortion schnell mehr Härte erzeugen, falls der Beat im Mix zu brav bleibt.

In einem Modular-Setup interessiert mich vor allem die Trigger-Seite. Die zwei Trigger-Ausgänge können externe Geräte anstoßen. Dadurch wird die RD-6 nicht nur Drumcomputer, sondern auch eine rhythmische Steuerzentrale. Gerade für Live-Jams ist das stark, weil ein einziges Pattern sowohl Drums als auch Synth-Akzente kontrollieren kann.

Behringer RD-6 Test – Was mir gefällt

Mir gefällt die Direktheit. Die RD-6 lädt nicht dazu ein, stundenlang in Menüs zu verschwinden. Stattdessen zwingt sie mich, rhythmische Entscheidungen zu treffen. Außerdem gefällt mir, dass Behringer die Vorlage nicht nur kopiert, sondern praktisch erweitert: USB, MIDI, Einzelausgänge, Trigger-Ausgänge und Distortion machen den Drumcomputer deutlich flexibler als ein reines Vintage-Nachbau-Konzept.

Ebenso positiv finde ich die klare klangliche Rolle. Die RD-6 will nicht alles können. Sie ist ein Spezialist für analoge, trockene, leicht aggressive Drumcomputer-Beats. Deshalb findet sie schnell ihren Platz in Tracks, die ohnehin mit Sequencern, Synth-Bässen und repetitiven Patterns arbeiten.

Was mir weniger gefällt

Ich vermisse tiefere Klangparameter pro Instrument. Wer Kick-Tuning, Snare-Decay, Hat-Decay oder umfangreiche Performance-Funktionen erwartet, wird hier nicht vollständig bedient. Außerdem sind einige Level-Regler paarweise organisiert, etwa bei Toms, Hats und Cymbal/Clap. Das ist historisch plausibel, aber im modernen Workflow nicht immer ideal.

Trotzdem passt diese Einschränkung zum Konzept. Die RD-6 ist kein Ersatz für eine Elektron-Box, keine MPC und keine samplebasierte Drum-Maschine. Sie ist ein analoger TR-606-Clone mit erweiterten Anschlüssen und zusätzlicher Verzerrung.

Für wen lohnt sich die Behringer RD-6?

Ich empfehle die RD-6 vor allem Musikerinnen und Musikern, die einen kompakten analogen Drumcomputer für Electro, Acid, Techno, Minimal, Synth-Pop, Industrial oder Lo-Fi-House suchen. Außerdem eignet sie sich für alle, die einen günstigen Einstieg in Hardware-Sequencing wollen.

Für reine In-the-box-Produzenten kann sie ebenfalls spannend sein, sofern der Wunsch nach echter Hardware-Haptik besteht. Wer dagegen maximal flexible Drums, Samples, Parameter-Locks und komplexe Modulation sucht, sollte eher zu einer modernen Groovebox greifen.

Fazit: Behringer RD-6 Test

Mein Fazit im Behringer RD-6 Test fällt klar aus: Die RD-6 ist ein fokussierter, spaßiger und praxisnah erweiterter Clone der Roland TR-606. Sie liefert keine riesige Klangpalette, aber sie liefert Charakter. Genau deshalb funktioniert sie so gut für elektronische Musik.

Besonders stark finde ich die Kombination aus klassischem 16-Step-Workflow, analogem Sound, Einzelausgängen, USB/MIDI, Trigger-Ausgängen und Distortion. Dadurch fühlt sich die RD-6 einerseits vintage an, andererseits lässt sie sich problemlos in moderne Setups integrieren. Wer den trockenen 606-Vibe mag und ihn ohne Vintage-Preis, Wartungsrisiko und Anschlusskompromisse nutzen möchte, bekommt hier einen sehr attraktiven Drumcomputer.

Herstellerlink: https://www.behringer.com/en/products/0704-AAE

FAQ zur Behringer RD-6

Ist die Behringer RD-6 ein Clone der Roland TR-606?

Ja, die Behringer RD-6 orientiert sich klar an der Roland TR-606. MUSIC STORE nennt sie ausdrücklich einen Clone der Roland TR-606, ergänzt um moderne Features wie USB, MIDI, Distortion, Trigger-Ausgänge und Einzelausgänge.

Hat die Behringer RD-6 analoge Sounds?

Ja. Der Quick Start Guide führt die RD-6 als analoge Drum Machine mit acht Drum-Sounds und acht gleichzeitigen Stimmen.

Für welche Musikstile eignet sich die RD-6?

Ich sehe ihre Stärken vor allem bei Electro, Acid, Techno, Minimal, Synth-Pop, Industrial und Lo-Fi-House. Durch den trockenen, direkten Klang passt sie besonders gut zu Sequencer-basierten Setups.

Kann ich die RD-6 mit einer DAW synchronisieren?

Ja. Die RD-6 bietet USB-MIDI und klassische MIDI-Anschlüsse. Laut Quick Start Guide ist sie USB Class Compliant und benötigt keine zusätzlichen Treiber für Windows und macOS.

Hat die RD-6 Einzelausgänge?

Ja. Die RD-6 bietet sechs Voice Outs plus Mix Out. Wenn ein Voice Out belegt ist, wird die entsprechende Stimme aus dem Mix Out entfernt. Das ist besonders praktisch, wenn man einzelne Drum-Sounds extern bearbeiten möchte.

Ist die Behringer RD-6 für Live-Jams geeignet?

Ja, gerade dafür finde ich sie stark. Der direkte 16-Step-Sequencer, Pattern-Wechsel, Song Mode, Random-Funktion und die Hardware-Regler machen sie zu einem schnellen Instrument für Live-orientierte elektronische Musik.

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Mit der Akai Professional MPC One G2 bekommt die beliebte MPC-One-Reihe ein neues Modell für Produzenten, Beatmaker und Live-Performer. Die kompakte Standalone-Workstation richtet sich an Musiker, die Beats bauen, Samples schneiden, Synthesizer steuern und komplette Tracks arrangieren möchten, ohne dafür zwingend einen Computer einzusetzen.

Damit bleibt Akai seiner MPC-Philosophie treu: ein direkter Hardware-Workflow, kombiniert mit moderner Musikproduktion. Gerade für elektronische Musik, Hip-Hop, House, Techno und DJ-nahe Live-Sets ist die MPC One G2 deshalb besonders interessant.

Standalone-Workflow für Musikproduktion ohne Rechner

Im Mittelpunkt steht weiterhin der typische MPC-Workflow mit Pads, Touchscreen, Sequencer und Sampling-Funktionen. Dadurch lassen sich Drum-Grooves einspielen, Samples choppen, Basslines programmieren und komplette Songideen arrangieren. Gleichzeitig eignet sich die MPC One G2 auch als Schaltzentrale für externe Synthesizer, Drum Machines und MIDI-Setups.

Laut ersten Produktinformationen setzt Akai bei der MPC One G2 auf einen neuen G2-Prozessor sowie MPC3 OS, wodurch der Workflow moderner und flüssiger ausfallen soll. Gerade das ist für Produzenten spannend, die nicht nur kurze Loops bauen, sondern komplette Arrangements direkt auf der Hardware entwickeln möchten.

Interessant für Synthesizer- und Modular-Fans

Neben Sampling und Beatmaking spielt die MPC One-Serie traditionell auch im Synthesizer-Studio eine starke Rolle. Die Plattform bietet MIDI- und CV/Gate-Anbindung, wodurch sich externe Klangerzeuger, Drum Machines und modulare Systeme in den Produktionsprozess integrieren lassen. Akai beschreibt die MPC-Reihe grundsätzlich als Standalone-Produktionsplattform zum Produzieren, Beatbauen, Sample-Chopping und Steuern eines kompletten Studios.

Dadurch ist die MPC One G2 nicht nur eine Groovebox, sondern kann auch als Herzstück eines hybriden Setups dienen. Wer beispielsweise einen analogen Bass-Synth, einen Desktop-Synthesizer und ein Effektgerät kombiniert, kann Patterns, Sequenzen und Samples zentral über die MPC organisieren.

MPC3 OS bringt den modernen DAW-Ansatz auf die Hardware

Ein wichtiger Punkt ist MPC3 OS. Akai beschreibt die aktuelle MPC-Softwaregeneration als Plattform mit verbessertem Workflow und enger Verzahnung zwischen Standalone-Hardware und Desktop-Systemen. In MPC OS 3.8 hebt Akai unter anderem die Integration von MPC Sample, Performance-Verbesserungen und den einfacheren Austausch von Projekten zwischen verschiedenen MPC-Umgebungen hervor.

Für Produzenten bedeutet das: Die MPC One G2 dürfte sich stärker wie eine kompakte, eigenständige DAW anfühlen. Gleichzeitig bleibt die Bedienung haptisch, denn Pads, Regler und Touchscreen ermöglichen einen direkteren Zugriff als reine Software-Lösungen.

Für DJs und Live-Performer spannend

Auch für DJs und Live-Acts kann die MPC One G2 eine sinnvolle Ergänzung sein. Einerseits lassen sich eigene Drum-Loops, One-Shots, Vocal-Chops und FX-Sounds vorbereiten. Andererseits kann die MPC als Performance-Zentrale dienen, um zusätzliche Beats, Übergänge oder Live-Remixes in ein DJ-Set einzubauen.

Vor allem in elektronischen Genres ist dieser Ansatz attraktiv: Statt fertige Tracks nur abzuspielen, lassen sich eigene Patterns, Breaks und Synth-Lines live einstreuen. Dadurch entsteht ein flexibleres Setup zwischen DJ-Performance und Live-Produktion.

Fazit: kompakte MPC für moderne Producer

Die Akai Professional MPC One G2 positioniert sich als kompakte Standalone-Lösung für Musiker, die ohne Laptop produzieren möchten, aber dennoch moderne Funktionen erwarten. Beatmaking, Sampling, Sequencing, Synthesizer-Steuerung und Live-Performance greifen hier ineinander.

Damit ist die MPC One G2 besonders spannend für Produzenten elektronischer Musik, Hip-Hop-Beatmaker, Synthesizer-Fans und DJs, die ihre Sets um eigene Grooves und Samples erweitern möchten. Wer eine zentrale Hardware für kreative Musikproduktion sucht, sollte die neue MPC One G2 daher im Blick behalten.

Herstellerlink: Music Production Hardware & Software | Akai Professional

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Die Akai MPC Key 37 G2 erweitert das MPC-Universum um ein kompaktes Standalone-Keyboard für Beatmaking, Sampling, Sequencing und moderne Musikproduktion. Dabei kombiniert Akai Professional den klassischen MPC-Workflow mit 37 Tasten, einem 7-Zoll-Multitouch-Display, MPC3 OS und deutlich mehr Rechenleistung. Somit richtet sich das Instrument sowohl an Beatmaker als auch an Produzenten, Live-Performer und Musiker, die ohne Computer arbeiten möchten.

Standalone-Produktionszentrale mit MPC3 OS

Mit der MPC Key 37 G2 setzt Akai Professional auf ein All-in-one-Konzept. Das Gerät funktioniert eigenständig, sodass kein Computer erforderlich ist. Gleichzeitig bleibt der bekannte MPC-Workflow erhalten: Pads, Sequencer, Touchscreen und Keyboard greifen direkt ineinander. Dadurch lassen sich Beats programmieren, Samples bearbeiten, Melodien einspielen und Arrangements erstellen, ohne zwischen mehreren Geräten wechseln zu müssen.

Besonders spannend ist dabei das integrierte MPC3 OS. Es bringt unter anderem einen modernen Track-basierten Workflow, Arrange Mode und Disk Streaming mit. Deshalb wirkt die MPC Key 37 G2 nicht nur wie ein klassischer Hardware-Sampler, sondern vielmehr wie eine komplette Produktionsumgebung für elektronische Musik, Hip-Hop, Pop, House, Techno und Live-Performance.

Viermal mehr Leistung als die erste Generation

G2 8-Core-Prozessor für größere Projekte

Im Inneren arbeitet ein neuer G2 8-Core-Prozessor, der laut Akai die vierfache Rechenleistung der ersten MPC Key 37 bietet. Dadurch sollen Projekte schneller laden, während komplexere Sessions mit mehr Plug-ins und Audiospuren möglich werden. Für Produzenten ist das vor allem dann relevant, wenn mehrere Instrumente, Effekte, Samples und Audio-Tracks gleichzeitig laufen.

Die MPC Key 37 G2 unterstützt laut Produktunterlagen bis zu 32 Plug-in-Instanzen und 16 Audiospuren. Außerdem sind 4 GB RAM und 64 GB interner Speicher integriert. Somit stehen Sounds, Kits, Instrumente und Projekte direkt im Gerät bereit.

Stems Pro, Super Timestretch und Re-Pitch

Auch für Sampling-orientierte Workflows bringt die neue MPC wichtige Funktionen mit. Die Anlage nennt unter anderem Stems Pro Support, Super Timestretch und Re-Pitch. Dadurch lassen sich Samples flexibler zerlegen, stretchen und musikalisch anpassen. Allerdings gilt: Einige dieser Funktionen setzen laut Deck zusätzliche Lizenzen oder Packs voraus, etwa eine Stems-Lizenz oder das Pro Pack.

37 Tasten, Pads und Touchscreen für direkten Zugriff

Keyboard-Workflow trifft MPC-Sequencer

Die MPC Key 37 G2 verfügt über eine 37-Tasten-Klaviatur sowie dedizierte Pitch- und Mod-Wheels. Dadurch eignet sie sich nicht nur für Drum-Programming, sondern auch für Basslines, Akkorde, Leads und harmonische Ideen. Gerade für Produzenten, die Beats und Melodien in einem Gerät entwickeln möchten, ist diese Kombination praxisnah.

Hinzu kommen die bekannten MPC-Pads. Sie ermöglichen das Einspielen von Drums, Samples, Chops und One-Shots. Zusammen mit dem 7-Zoll-Farbdisplay entsteht ein direkter Workflow, bei dem Sequencing, Sampling und Sounddesign unmittelbar steuerbar sind.

Anschlüsse für Studio, Bühne und DAW

USB-C, MIDI und Ableton-Integration

Obwohl die Akai MPC Key 37 G2 als Standalone-System ausgelegt ist, lässt sie sich flexibel in bestehende Setups integrieren. Zwei MIDI-I/O-Ports ermöglichen die Verbindung mit Synthesizern, Drum Machines und anderem Hardware-Equipment. Zusätzlich bietet USB-C erweiterte Audio- und Computer-Anbindung.

Laut Anlage kann das Gerät bis zu 24 Audiospuren zu und von einem Computer streamen. Außerdem werden Ableton Live Control Mode sowie der einfache Import und Export von Ableton-Projekten genannt. Deshalb eignet sich die MPC Key 37 G2 nicht nur als eigenständige Beatmaschine, sondern auch als Zentrale in hybriden Studio- und Live-Setups.

Neue Factory Sounds für sofortigen Start

Die MPC Key 37 G2 wird mit aktualisiertem Factory Content ausgeliefert. Dazu gehören klassische Drum-Machine-Sounds, melodische Loops, Kits und weitere Produktionsinhalte. Dadurch können Nutzer sofort loslegen, ohne zuerst externe Sample-Libraries vorbereiten zu müssen.

Gerade für DJs und Live-Performer ist das interessant: Ideen lassen sich schnell skizzieren, Beats können vorbereitet werden und Performances profitieren von einem geschlossenen System, das ohne Laptop auskommt.

Technische Daten der Akai MPC Key 37 G2

Wichtige Spezifikationen im Überblick

Für wen ist die Akai MPC Key 37 G2 interessant?

Beatmaker und Producer

Für Beatmaker ist die neue MPC vor allem wegen Pads, Sequencer, Sampling-Funktionen und Standalone-Betrieb attraktiv. Außerdem sorgt die zusätzliche Rechenleistung dafür, dass größere Projekte flüssiger realisierbar sein sollten.

Synthesizer-Fans und Keyboarder

Durch die 37 Tasten eignet sich das Gerät besser für melodisches Arbeiten als reine Pad-basierte MPCs. Daher spricht die MPC Key 37 G2 auch Musiker an, die Akkorde, Basslines und Leads direkt einspielen möchten.

Live-Performer und DJs

Da kein Computer nötig ist, kann die MPC Key 37 G2 auch auf der Bühne oder im DJ-Setup eine zentrale Rolle übernehmen. Clips, Samples, Beats und Sequenzen lassen sich direkt aus der Hardware steuern. Zudem erleichtern MIDI und USB-C die Einbindung weiterer Geräte.

Fazit: Kompakte MPC-Zentrale mit mehr Leistung

Die Akai MPC Key 37 G2 wirkt wie ein konsequentes Update für Produzenten, die einen kompakten Standalone-Workflow suchen. Sie kombiniert Keyboard, Pads, Touchscreen, Sampling, Sequencing und MPC3 OS in einem Gerät. Gleichzeitig verspricht der neue G2-Prozessor deutlich mehr Leistung als die erste Generation.

Besonders interessant ist die MPC Key 37 G2 für Musiker, die ohne Laptop produzieren möchten, aber dennoch moderne Funktionen wie Stems, Super Timestretch, Ableton-Anbindung und flexible Audio-Integration benötigen. Damit positioniert sich Akai erneut stark im Bereich Standalone-Musikproduktion.

Herstellerlink: https://www.akaipro.com/

FAQ zur Akai MPC Key 37 G2

Was ist die MPC Key 37 G2?

Die MPC Key 37 G2 ist ein Standalone-Sampler, Sequencer und Produktionskeyboard mit MPC3 OS, 37 Tasten, Pads und 7-Zoll-Multitouch-Display.

Benötigt die Akai MPC Key 37 G2 einen Computer?

Nein. Die MPC Key 37 G2 ist als Standalone-Gerät konzipiert und kann ohne Computer zum Produzieren, Sampeln und Sequencing genutzt werden.

Wie viel Leistung bietet die MPC Key 37 G2?

Laut Akai bietet der neue G2 8-Core-Prozessor die vierfache Rechenleistung der ersten MPC Key 37. Dadurch werden unter anderem schnellere Ladezeiten, bis zu 32 Plug-in-Instanzen und 16 Audiospuren unterstützt.

Hat die Akai MPC Key 37 G2 eine Tastatur?

Ja. Das Gerät besitzt eine 37-Tasten-Klaviatur mit dedizierten Pitch- und Mod-Wheels.

Unterstützt die Akai MPC Key 37 G2 Ableton Live?

Ja. Laut Produktunterlagen unterstützt die MPC Key 37 G2 Ableton Live Control Mode sowie den Import und Export von Ableton-Projekten.

Für wen eignet sich die Akai MPC Key 37 G2?

Sie eignet sich für Beatmaker, Musikproduzenten, Live-Performer, DJs und Musiker, die eine kompakte Standalone-Zentrale für Sampling, Sequencing und Musikproduktion suchen.

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Für wen sind konfigurierte Systeme geeignet?

Manche Hersteller nehmen den Usern die Qual der Wahl ab. Mit einem vorkonfigurierten Eurorack-System erhält man eine sinnvolle Zusammenstellung von Modulen. In den meisten Fällen wird damit ein monophoner Synthesizer abgedeckt, bei dem man den Signalweg nach dem klassischen Konzept VCO-VCF-VCA selbst patchen kann.

Ein solches System eignet sich für Einsteiger, die vor allem mit dem Signalweg experimentieren möchten, aber nicht das beste von 100 Filtern auswählen wollen. Hierfür bietet sich die Kombination mit einem Hardware-Sequenzer an, der das System über CV/Gate oder MIDI (sofern ein entsprechendes MIDI/CV-Interface integriert ist) ansteuert.

Mit Platz für Erweiterungen

Viele konfigurierte Systeme sind bereits komplett bestückt. Einerseits ist es praktisch, von Anfang an mehr Möglichkeiten zu haben. Andererseits nimmt man sich damit auch die Option, das System unkompliziert zu erweitern. Denn dann muss schon ein zweiter Rahmen her.

Es gibt auch Systeme, die ein paar Einbaumöglichkeiten offenlassen. Das Basissystem 3 von Doepfer bietet im Grunde alle Funktionen der anderen Basissysteme und verfügt zudem über 20 TE freien Platz für zusätzliche Module, die später selbst eingebaut werden können.
Wer noch mehr Platz reservieren möchte, kann auf Basissysteme in größeren Gehäusen, die eine ganze Zeile frei haben, zurückgreifen.

Die richtige Größe

Reicht ein kleines System mit einer Zeile aus oder soll es ein großer Rahmen sein? Das hängt einerseits vom verfügbaren Platz im (heimischen) Studio ab. Andererseits hängt es auch von den Ambitionen ab: Will man nur ein paar spezielle Sounds mit dem System erzeugen oder soll es exzessiv genutzt werden? Es lohnt sich, sich darüber rechtzeitig Gedanken zu machen. Ein zu kleiner Rahmen kann schnell voll sein, und die „Sucht” nach neuen Modulen – es gibt immer wieder tolle Entwicklungen – ist nicht zu unterschätzen.

Ich stelle mein Eurorack-System selbst zusammen

Das ist der Grundgedanke eines Modularsystems, obwohl selbst die Veteranen Moog, ARP und Co. den Wunsch nach konfigurierten Systemen früh erkannt hatten. Im Eurorack-Sektor ist die Auswahl jedoch gewaltig, sodass man (nicht nur) als Neuling schnell die Übersicht verlieren kann.

Wenn man jedoch konkrete Vorstellungen davon hat, was man mit einem Modularsystem machen möchte, und es kein entsprechend vorkonfiguriertes System gibt, führt kein Weg an einer individuellen Zusammenstellung vorbei. Auch hier gilt: Den Rahmen passend oder etwas größer wählen. Soll es ein Pult- oder ein Rack-Gehäuse sein? Ist das Netzteil ausreichend dimensioniert? Stylisher Look oder funktionell? Eine Beratung durch Freunde oder im Fachhandel ist absolut zu empfehlen.

Ein Vorteil ist, dass man bei der individuellen Zusammenstellung schrittweise vorgehen kann. Das Budget muss nicht auf einen Schlag aufgebracht werden, da sich nach und nach Module dazukaufen lassen.

Wir hoffen, dass euch unsere Tutorial-Reihe gefallen hat und dass sie euch einige Anregungen geben konnte.

Unter diesem Link findet ihr eine Auswahl an konfigurierten Systemen bei MUSIC STORE professional.

Unter diesen Links könnt ihr die bisherigen Teile unserer Tutorial-Reihe nachlesen:

23 – Trigger-Sequenzer

22 – CV-Sequenzer

21 – Controller

20 – Drums

19 – Synth Voice

18 – Clock

17 – Waveshaper

16 – Sample & Hold

15 – MIDI/CV-Interface

14 – Multiple

13 – VCA

12 – LFO

11 – Hüllkurve

10 – Filter (3)

9 – Filter (2)

8 – Filter (1)

7 – Ring Modulator

6 – Noise Generator

5 – Mixer für CV

4 – Mixer für Audio

3 – digitale Oszillatoren

2 – der VCO

1 – die erste Entscheidung

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Statt klassischer Messehallen und Produktpräsentationen setzen die Studio Sessions auf praxisnahe Workshops, echte Produktions-Workflows und direkten Austausch mit erfahrenen Produzenten und Engineers. Die Veranstaltung findet direkt am Firmensitz von elysia statt und verbindet Studio-Atmosphäre mit Talks, Live-Demonstrationen und exklusiven Workshops.

Zu den bestätigten Gästen gehören unter anderem Moses Schneider (Beatsteaks), Waldemar Vogel, Clemens Matznick (Revolverheld), Mastering-Engineer Roy Recklies (Robin Schulz) sowie Raumakustik-Experte Dennis Busch von ACOUSTIC SPACES.

Das Programm gliedert sich in drei Bereiche. Auf der Studio Sessions Stage erwarten die Besucher Talks, Interviews und Q&A-Sessions rund um Recording, Mixing und moderne Produktions-Workflows. Im Recording Room zeigen Moses Schneider und Waldemar Vogel anhand einer echten Bandaufnahme ihre Herangehensweise an Mikrofonierung, Signalfluss und Recording. In der Class A Lounge demonstrieren Clemens Matznick und Roy Recklies ihre Mixing- und Mastering-Workflows anhand realer Produktionen.

Ein besonderes Merkmal des Events sind die limitierten Workshops. Die Sessions dauern jeweils 90 Minuten und sind auf maximal 15 Teilnehmer begrenzt, um intensive Gespräche und direkten Austausch mit den Referenten zu ermöglichen.

Begleitet wird das Event von ausgewählten Partnern aus der professionellen Audiowelt. Vor Ort sind unter anderem AEA Ribbon Mics, Telefunken, sessiondesk, Klanghabitat, studiobro und Roger Schult German Audio Labs vertreten.

Die Studio Sessions at elysia finden am 12. September 2026 von 10:30 bis 19:30 Uhr in Nettetal statt. Tagestickets kosten 69 Euro. Exklusive Workshops können für jeweils 30 Euro zusätzlich gebucht werden.

Weitere Informationen und Tickets gibt es unter:

www.studio-sessions.de

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Vladimir Kuzmin und der Polivoks

Vladimir Kuzmin wurde erst spät bekannt. Es war in erster Linie der Synthesizer Polivoks, und vor allem dessen unkonventionelles Filter, dass die Aufmerksamkeit auf ihn lenkte. Erst vor zehn Jahren wurde ein YouTube-Kanal eingerichtet, auf dem er seine Synthesizer, die er in den 1980ern entwickelte vorstellte. Hier ein kleiner Überblick über den Polivoks, den er sogar auf Englisch hielt.

Der duophone Polivoks, dessen ungewöhnliche Schreibweise sich aus der kyrillischen Schrift ableitet, wurde zwischen 1982 und 1990 gebaut. Olympiada Kuzmina, Vladimirs Frau, entwarf als Industriedesignerin das stabile Gehäuse des Keyboards, das heute ebenso ikonisch gilt wie sein Filter.

Die ersten Einheiten wurden noch von Vector, der Firma, in der Kuzimin angestellt war, produziert. Später übernahm Formanta die Serienproduktion, denn das Unternehmen hatte auch weitere Keyboards im Programm. Über die genauen Stückzahlen gibt es unterschiedliche Angaben. Laut Kuzmin wurden vermutlich 200 bis 300 Stück pro Monat gefertigt.

Das Besondere am Polivoks war sein LP/BP-Filter, das auf Operationsverstärkern basiert und einen ganz eigenen Klangcharakter besitzt. Diese Schaltung wurde während des Eurorack-Booms von mehreren Firmen wieder aufgegriffen.
Weitere Instrumente von Kuzmin waren Maestro, Kvintett, Arton und IK51, doch der Polivoks blieb sein Meisterstück.

Die Wiederkehr des Polivoks

Hersteller wie Erica Synths und Elta Music arbeiteten mit Kuzmin zusammen und kommunizierten dies auch, was zu seiner verspäteten Bekanntheit beitrug. Erica Synths hat das Filter in mehreren Modulvarianten produziert, während Elta Music eine Desktop-Version PF-3 entwickelte.

Der Polivoks wurde aber auch als kompletter Synthesizer neu aufgelegt, beispielsweise von Alex Plenninger und Infradeep. Elta Music hatte eine Mini-Version im Programm und kündigt derzeit eine 8-stimmige Version an, an der Kuzmin noch mitgearbeitet hat. Im Jahr 2021 wurde auch von Behringer eine Kooperation mit Kuzmin angekündigt, um einen Klon des Polivoks voranzutreiben.

Somit bleibt das Vermächtnis von Vladimir Kuzmin in verschiedenen Geräten erhalten.

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Der Arturia MiniLab 37 MIDI-Controller richtet sich an Musiker, Produzenten und Synthesizer-Fans, die ein kompaktes, aber dennoch ausdrucksstarkes Steuerzentrum für ihr Setup suchen. Während viele Mini-Controller stark auf Portabilität ausgelegt sind, erweitert Arturia das bekannte MiniLab-Konzept hier um mehr Spielraum, mehr Kontrolle und eine noch bessere Integration in moderne Produktionsumgebungen.

Gerade für Producing, Beatmaking, Songwriting und Live-Performance ist ein guter MIDI-Controller weit mehr als nur eine kleine Tastatur. Vielmehr wird er zur direkten Verbindung zwischen musikalischer Idee, DAW, Software-Synthesizer und Performance-Workflow. Genau an diesem Punkt setzt der Arturia MiniLab 37 an.

Mehr Tasten, mehr Möglichkeiten: 37 Slim-Tasten für kreatives Spielen

Der offensichtlichste Unterschied zu vielen kompakten Controllern liegt in der erweiterten Tastatur. Der Arturia MiniLab 37 MIDI-Controller bietet 37 anschlagdynamische Slim-Tasten und damit mehr musikalischen Spielraum als klassische 25-Tasten-Modelle.

Das ist vor allem dann praktisch, wenn Akkorde, Basslinien, Melodien und kleine zweihändige Parts eingespielt werden sollen. Dadurch müssen Oktavwechsel seltener vorgenommen werden, was den kreativen Fluss deutlich verbessert. Gleichzeitig bleibt der Controller kompakt genug für den Schreibtisch, das Homestudio oder ein mobiles Producing-Setup.

Warum 37 Tasten im Studioalltag sinnvoll sind

Viele Produzenten kennen das Problem: Ein 25-Tasten-Keyboard ist zwar platzsparend, wirkt aber beim Einspielen komplexerer Ideen schnell begrenzend. Mit 37 Tasten entsteht dagegen ein besserer Mittelweg. Einerseits bleibt das Gerät transportabel, andererseits lassen sich musikalische Ideen natürlicher umsetzen.

Besonders bei Synthesizer-Flächen, Chord-Progressions, Arpeggios oder Hooklines macht sich der zusätzliche Tastenumfang bemerkbar. Außerdem eignet sich das Format gut für Nutzer, die bewusst kompakt arbeiten, jedoch nicht auf musikalische Flexibilität verzichten möchten.

Direkte Kontrolle über DAW, Synthesizer und Effekte

Neben der Tastatur bietet der Arturia MiniLab 37 zahlreiche Bedienelemente für eine direkte Steuerung im Produktionsprozess. Dazu gehören 8 Drehregler, 4 Fader, ein Mini-Display mit klickbarem Browse-Encoder sowie 8 RGB-Pads mit Anschlags- und Druckdynamik.

Damit lassen sich Software-Instrumente, Effekte, Mixer-Parameter und Performance-Funktionen unmittelbar bedienen. Anstatt ständig zur Maus greifen zu müssen, können Produzenten wichtige Parameter direkt am Controller verändern. Das sorgt nicht nur für einen schnelleren Workflow, sondern auch für mehr musikalischen Ausdruck.

Pads für Drums, Samples und Clip-Launching

Die 8 Pads sind in einem ergonomischen 2×4-Layout angeordnet. Dadurch eignen sie sich besonders gut für Finger-Drumming, das Triggern von Samples oder das Starten von Clips in kompatiblen DAWs. Da zwei Pad-Bänke zur Verfügung stehen, lässt sich der nutzbare Umfang flexibel erweitern.

Gerade für Beatmaker ist das ein großer Vorteil. Kick, Snare, Hi-Hat und Percussion können intuitiv eingespielt werden, während sich Samples oder One-Shots ebenfalls direkt auslösen lassen. Außerdem sorgt die RGB-Beleuchtung für eine gute visuelle Orientierung im Workflow.

Nahtlose Integration in Arturia-Software und gängige DAWs

Ein zentraler Pluspunkt des Arturia MiniLab 37 MIDI-Controllers ist die enge Verbindung zur Arturia-Software. Besonders in Kombination mit Analog Lab Intro wird der Controller zu einer sofort spielbaren Sound-Zentrale. Presets können direkt durchsucht, Sounds ausgewählt und wichtige Klangparameter automatisch zugewiesen werden.

Dadurch eignet sich der Controller besonders für alle, die schnell mit hochwertigen Synthesizer-, Keyboard- und Vintage-Sounds arbeiten möchten. Statt sich lange durch Menüs zu klicken, können Sounds direkt am Gerät gefunden und angepasst werden.

DAW-Presets für schnelle Einrichtung

Zusätzlich bietet der Arturia MiniLab 37 automatische Integrationen für zahlreiche etablierte DAWs. Unterstützt werden unter anderem:

• Ableton Live
• Logic Pro
• Cubase
• FL Studio
• Bitwig
• Reason
• Pro Tools
• Digital Performer

Dadurch ist der Einstieg besonders unkompliziert. Nach der Einrichtung lassen sich Transportfunktionen, Mixer-Parameter, Instrumente und weitere DAW-Bereiche direkt steuern. Gerade im Homestudio spart das Zeit, denn der Controller fügt sich schnell in bestehende Produktionsumgebungen ein.

Kreative Funktionen für schnelle musikalische Ideen

Neben den klassischen Controller-Funktionen bietet der Arturia MiniLab 37 auch musikalische Kreativwerkzeuge. Dazu gehören ein integrierter Arpeggiator, ein Hold-Modus sowie ein Chord-Modus. Diese Funktionen sind besonders hilfreich, wenn Ideen schnell entstehen und unmittelbar weiterentwickelt werden sollen.

Mit dem Chord-Modus lassen sich Akkorde komfortabel spielen, während der Arpeggiator aus gehaltenen Noten rhythmische Sequenzen erzeugt. In Verbindung mit Software-Synthesizern entstehen so schnell Basslines, Sequenzen, Leads oder harmonische Patterns.

Ideal für Synthesizer-Workflows

Für Synthesizer-Fans ist dieser Ansatz besonders interessant. Denn viele elektronische Musikstile leben von Pattern-basierten Ideen, rhythmischen Modulationen und direkten Klangänderungen. Durch die Kombination aus Tastatur, Reglern, Fadern, Pads und Arpeggiator wird der MiniLab 37 zu einem flexiblen Werkzeug für elektronische Musikproduktion.

Ob Ambient, Techno, Synthwave, Pop, House, Hip-Hop oder Filmmusik: Der Controller unterstützt unterschiedliche Arbeitsweisen und bleibt dennoch übersichtlich.

Flexible Anschlüsse für Studio und mobile Produktion

Der Arturia MiniLab 37 ist über USB-C Class-Compliant anschließbar. Das bedeutet, dass der Controller ohne komplizierte Treiberinstallation mit vielen Systemen genutzt werden kann. Außerdem verfügt er über einen MIDI-DIN-Ausgang, was ihn auch für Setups mit Hardware-Synthesizern interessant macht.

Zusätzlich ist ein Pedal-Eingang vorhanden. Dieser kann für Sustain, Expression oder Footswitch-Funktionen genutzt werden. Dadurch wird der Controller noch vielseitiger, etwa beim Einspielen von Piano-Parts, Pads oder dynamischen Performance-Steuerungen.

Pitchbend und Modulation per Touch-Strips

Für Pitchbend und Modulation stehen zwei kapazitive Touch-Strips bereit. Diese sparen Platz, passen gut zum flachen Design und ermöglichen dennoch ausdrucksstarke Eingriffe in den Sound. Besonders bei Leads, Bässen, Synth-Brass oder experimentellen Klangverläufen sind diese Performance-Elemente nützlich.

Umfangreiches Software-Bundle für den direkten Start

Ein weiterer Vorteil ist das mitgelieferte Software-Paket. Zum Lieferumfang gehören unter anderem Analog Lab Intro, Ableton Live Lite, das Native Instruments Komplete 15 Select Bundle nach Wahl, Loopcloud, Melodics sowie das MIDI Control Center.

Damit ist der Arturia MiniLab 37 MIDI-Controller nicht nur ein Hardware-Controller, sondern ein komplettes Einstiegspaket für Musikproduktion. Vor allem Einsteiger profitieren davon, weil sie direkt nach dem Auspacken mit Sounds, DAW-Funktionen, Samples und Lerninhalten arbeiten können.

Für Einsteiger und erfahrene Produzenten geeignet

Während Anfänger von der einfachen Bedienung und dem Software-Bundle profitieren, erhalten fortgeschrittene Nutzer ein flexibles Werkzeug für schnelle Skizzen, mobile Produktionen und kompakte Studio-Setups. Zudem lassen sich bis zu 5 User-Presets speichern, wodurch individuelle Controller-Mappings für verschiedene Workflows möglich sind.

Kompaktes Design mit robustem Aufbau

Mit seinen kompakten Abmessungen von 503 × 183 × 50 mm und einem Gewicht von 1,165 kg bleibt der MiniLab 37 mobil und platzsparend. Die weiße Farbgebung wirkt modern und fügt sich gut in helle Studio-Setups ein.

Für wen eignet sich der Arturia MiniLab 37 MIDI-Controller?

Der Arturia MiniLab 37 eignet sich für viele unterschiedliche Anwendergruppen. Besonders interessant ist er für:

• Produzenten im Homestudio
• Beatmaker und Finger-Drummer
• Synthesizer-Fans
• Songwriter
• Live-Performer
• Einsteiger in die Musikproduktion
• Mobile Producer
• Musiker mit wenig Platz auf dem Schreibtisch
• Nutzer von Arturia Analog Lab und anderen Software-Instrumenten
• Produzenten, die DAW-Steuerung und Keyboard in einem Gerät suchen

Damit positioniert sich der Controller als kompakte All-in-One-Lösung für kreative Musikproduktion.

Fazit: Viel Controller auf wenig Raum

Der Arturia MiniLab 37 MIDI-Controller kombiniert eine erweiterte 37-Tasten-Tastatur mit direkter DAW-Steuerung, kreativen Performance-Funktionen und einem umfangreichen Software-Paket. Deshalb eignet er sich sowohl für Einsteiger als auch für erfahrene Produzenten, die ein kompaktes und leistungsfähiges Steuerzentrum suchen.

Besonders stark ist die Verbindung aus Portabilität, Spielbarkeit und Software-Integration. Wer mit Software-Synthesizern, DAWs, Samples und kreativen Tools arbeitet, erhält mit dem MiniLab 37 einen vielseitigen Controller, der den Produktionsalltag spürbar beschleunigen kann.

Für moderne Musikproduktion, Synthesizer-Workflows und mobile Setups ist der Arturia MiniLab 37 daher eine überzeugende Lösung mit viel kreativer Kontrolle auf kleinem Raum.

Herstellerlink: Arturia – The Sound Explorers

FAQ zum Arturia MiniLab 37 MIDI-Controller

Was ist der Arturia MiniLab 37 MIDI-Controller?

Der Arturia MiniLab 37 MIDI-Controller ist ein kompakter USB-MIDI-Controller mit 37 anschlagdynamischen Slim-Tasten, RGB-Pads, Drehreglern, Fadern und DAW-Integration. Er eignet sich für Musikproduktion, Beatmaking, Songwriting, Synthesizer-Steuerung und mobile Setups.

Für wen eignet sich der Arturia MiniLab 37?

Der Arturia MiniLab 37 eignet sich für Einsteiger, Produzenten, Beatmaker, Songwriter, Live-Performer und Synthesizer-Fans. Besonders interessant ist er für Musiker, die einen kompakten Controller mit mehr Tastenumfang als bei klassischen 25-Tasten-Modellen suchen.

Kann ich mit dem Arturia Software-Synthesizer steuern?

Ja, der Arturia MiniLab 37 MIDI-Controller ist ideal zur Steuerung von Software-Synthesizern geeignet. Besonders gut funktioniert er mit Arturia Analog Lab, da Sounds direkt durchsucht, ausgewählt und wichtige Klangparameter automatisch zugewiesen werden können.

Welche DAWs unterstützt der Arturia MiniLab 37?

Der Controller bietet DAW-Presets für Ableton Live, Logic Pro, Cubase, FL Studio, Bitwig, Reason, Pro Tools und Digital Performer. Dadurch lässt sich der Arturia MiniLab 37 schnell in viele gängige Musikproduktionsumgebungen integrieren.

Ist der Arturia MiniLab 37 auch für Ableton Live geeignet?

Ja, der Arturia MiniLab 37 eignet sich sehr gut für Ableton Live. Die Pads können beispielsweise für Clip-Launching, Drum-Racks oder Sample-Triggering genutzt werden. Außerdem ist Ableton Live Lite im Software-Bundle enthalten.

Was ist der Vorteil von 37 Tasten gegenüber 25 Tasten?

Mit 37 Tasten bietet der Arturia MiniLab 37 mehr Spielraum für Akkorde, Melodien, Basslines und zweihändiges Spielen. Dadurch müssen Oktavwechsel seltener vorgenommen werden, während der Controller weiterhin kompakt und mobil bleibt.

Hat der Arturia einen Arpeggiator?

Ja, der MiniLab 37 verfügt über einen integrierten Arpeggiator. Zusätzlich stehen Hold- und Chord-Modi zur Verfügung, wodurch sich schnell kreative Sequenzen, Akkordideen und rhythmische Patterns erzeugen lassen.

Kann der Arturia MiniLab 37 Hardware-Synthesizer ansteuern?

Ja, neben USB-C bietet der Arturia MiniLab 37 auch einen MIDI-DIN-Ausgang. Dadurch kann er nicht nur Software-Instrumente, sondern auch kompatible Hardware-Synthesizer, Drum-Machines oder Expander ansteuern.

Ist der Arturia MiniLab 37 für mobile Musikproduktion geeignet?

Ja, durch sein flaches Gehäuse, das geringe Gewicht und den niedrigen Stromverbrauch eignet sich der Arturia MiniLab 37 sehr gut für mobile Musikproduktion. Er kann sogar mit einem Apple iPad betrieben werden, sofern ein passendes Camera Connection Kit verwendet wird.

Welche Software ist beim Arturia MiniLab 37 enthalten?

Zum Lieferumfang gehören Analog Lab Intro, Ableton Live Lite, ein Native Instruments Komplete 15 Select Bundle nach Wahl, Loopcloud, Melodics und das Arturia MIDI Control Center. Somit bietet der Controller direkt nach dem Auspacken eine solide Grundlage für Musikproduktion und Sounddesign.

Ist der Arturia MiniLab 37 anfängerfreundlich?

Ja, der MiniLab 37 ist sehr anfängerfreundlich. Die Bedienoberfläche ist übersichtlich, die DAW-Integration erleichtert den Einstieg und das enthaltene Software-Bundle ermöglicht es, direkt mit Musikproduktion, Beats und Synthesizer-Sounds zu starten.

Worin unterscheidet sich der Arturia MiniLab 37 von kleineren MIDI-Controllern?

Der wichtigste Unterschied liegt im erweiterten Tastenumfang. Während viele kompakte MIDI-Controller nur 25 Tasten besitzen, bietet der Arturia MiniLab 37 insgesamt 37 Tasten. Dadurch verbindet er Portabilität mit besserer Spielbarkeit und mehr musikalischer Flexibilität.

Kann ich eigene Mappings auf dem Arturia MiniLab 37 speichern?

Ja, der Arturia MiniLab 37 bietet bis zu 5 User-Presets. Dadurch lassen sich eigene Controller-Mappings für verschiedene DAWs, Software-Instrumente oder Live-Setups speichern und schnell abrufen.

Ist der Arturia MiniLab 37 nur für elektronische Musik geeignet?

Nein, der Arturia MiniLab 37 ist nicht nur für elektronische Musik geeignet. Er kann für Pop, Hip-Hop, Filmmusik, Ambient, Synthwave, House, Techno, Rock-Produktionen und viele weitere Genres eingesetzt werden. Besonders stark ist er jedoch in Setups mit Software-Synthesizern und DAWs.

Lohnt sich der Arturia MiniLab 37 für das Homestudio?

Ja, der Arturia MiniLab 37 MIDI-Controller ist eine sehr gute Wahl für das Homestudio. Er benötigt wenig Platz, bietet viele Bedienelemente, unterstützt gängige DAWs und bringt ein umfangreiches Software-Paket mit. Dadurch eignet er sich sowohl als Hauptcontroller für kompakte Setups als auch als Zweitcontroller für größere Studios.

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Mit Abmessungen von lediglich 19,3 × 12,4 × 4,2 cm und einem Gewicht von nur 360 Gramm gehört der CZ-1 Mini zu den kleinsten eigenständigen Synthesizern auf dem Markt. Das Gerät passt problemlos in jede Laptop-Tasche oder zwischen andere Desktop-Geräte im Studio. Gleichzeitig ist genau diese Miniaturisierung aber auch Teil der Herausforderung: Der CZ-1 Mini ist kein unkomplizierter Instant-Fun-Synthesizer, sondern ein erstaunlich tiefes Sounddesign-Werkzeug mit einigen Eigenheiten.

Die große Frage lautet deshalb nicht, ob der CZ-1 Mini authentisch genug klingt, sondern ob das Konzept aus komplexer 80er-Jahre-Digital-Synthese und ultrakompaktem Mini-Format im Alltag tatsächlich funktioniert.

Kompakte Hardware mit überraschend komplexer Struktur

Der CZ-1 Mini basiert auf digitaler Phase-Distortion-Synthese. Im Kern arbeiten hier zwei digitale Oszillatoren pro Stimme, die jeweils auf einer verzerrten Sinuswelle basieren. Anders als bei klassischer subtraktiver Synthese entsteht der Klang nicht primär durch Filterung harmonischer Wellenformen, sondern durch gezielte Veränderung des Phasenverlaufs einer Grundwelle.

Das Ergebnis bewegt sich klanglich irgendwo zwischen digitaler Härte, FM-artigen Obertönen und erstaunlich warmen Synth-Flächen. Gerade Brass-Sounds, gläserne Pads, perkussive Digital-Klänge und metallische Texturen gehören traditionell zu den großen Stärken dieser Syntheseform.

Technisch bietet der CZ-1 Mini:

• Zwei DCOs mit acht Phase-Distortion-Wellenformen, sechs achtstufige Hüllkurven, zwei LFOs, ein analoges 24-dB-Lowpass-Filter, einen Chorus-Effekt, Arpeggiator, Stepsequencer sowie 16 Speicherplätze für eigene Sounds.
• Die Verarbeitung wirkt trotz des niedrigen Preises überraschend ordentlich. Das Gehäuse kombiniert Metalloberseite und Kunststoff-Chassis. Die Regler sitzen stabil genug für den Studioalltag, auch wenn natürlich keine Boutique-Haptik zu erwarten ist.
• Weniger überzeugend ist dagegen die optische Gestaltung. Die hellblaue Oberfläche mit weißer Beschriftung sieht zwar ungewöhnlich aus, ist in dunkleren Umgebungen aber teilweise schwer ablesbar. Gerade im Live-Einsatz oder bei schwachem Licht wird das schnell unpraktisch.
• Das kapazitive 27-Tasten-Keyboard erfüllt eher einen funktionalen Zweck. Zum ernsthaften Einspielen eignet es sich kaum. Für Sequenzen, Soundtests oder mobile Ideen reicht es dagegen aus. In der Praxis wird der CZ-1 Mini meist ohnehin per MIDI-Keyboard oder DAW angesteuert.
• Positiv fällt die umfangreiche MIDI-Implementation auf. Fast sämtliche Parameter lassen sich extern automatisieren. Das macht den kleinen Synth deutlich interessanter für moderne Hybrid-Setups mit DAW, Hardware-Sequencern oder MIDI-Controllern.

Verarbeitung, Design und Alltagstauglichkeit

Die Verarbeitung wirkt trotz des niedrigen Preises überraschend ordentlich. Das Gehäuse kombiniert Metalloberseite und Kunststoff-Chassis, insgesamt macht der kleine Synthesizer einen deutlich solideren Eindruck, als es das ultrakompakte Format zunächst vermuten lässt. Gerade als Desktop-Synth oder mobiles Zusatzinstrument wirkt der CZ-1 Mini robust genug für den regelmäßigen Studioalltag.

Weniger überzeugend ist dagegen die optische Gestaltung. Die hellblaue Oberfläche mit weißer Beschriftung sieht zwar eigenständig aus, erweist sich in der Praxis aber nicht unbedingt als ideal. Unter Studiolicht oder in dunkleren Umgebungen leidet die Ablesbarkeit teilweise deutlich, wodurch die Orientierung auf der ohnehin sehr kompakten Oberfläche unnötig erschwert wird.

Etwas unpraktisch ist außerdem die Stromversorgung ausschließlich über USB-C. Ein passendes Kabel liegt nicht bei, was zunächst nebensächlich klingt, im Alltag aber überraschend schnell nerven kann. Zwar hat man theoretisch überall USB-C-Kabel herumliegen – genau dann, wenn man den Synth spontan anschließen möchte, ist aber oft keines griffbereit.

Phase Distortion statt klassischer Subtraktiv-Synthese

Der eigentliche Reiz des CZ-1 Mini liegt klar in seiner Klangerzeugung. Phase Distortion verhält sich grundlegend anders als klassische Analogsynthese. Wer typische Filterfahrten oder direkte Sweetspots erwartet, muss umdenken.

Die sogenannten DCW-Parameter – Digital Controlled Wave – übernehmen hier eine ähnliche Rolle wie ein Filter-Cutoff, verändern aber stattdessen die Obertonstruktur der Wellenformen direkt.

Das klingt zunächst technisch, hat aber enorme Auswirkungen auf den Klangcharakter. Der CZ-1 Mini produziert sehr schnell diesen typischen digitalen 80er-Charakter: gläsern, präzise, teilweise fast künstlich, aber gleichzeitig überraschend musikalisch.

Besonders überzeugend gelingen:

digitale Brass-Sounds, schimmernde Pads, elektronische Glocken, metallische Texturen, synthetische Orgelsounds und perkussive Digital-Klänge.

Gerade bei Flächen zeigt sich schnell, warum die originale CZ-Serie bis heute einen Kultstatus besitzt. Der Klang besitzt eine gewisse Transparenz und Härte, die sich hervorragend in dichte Produktionen einfügt, ohne sofort den gesamten Mix zu überladen.

Interessant wird es durch die komplexen achtstufigen Hüllkurven. Diese erlauben deutlich dynamischere Verläufe als klassische ADSR-Strukturen. Dadurch entstehen lebendige Bewegungen, organische Attack-Phasen und ungewöhnliche rhythmische Verläufe innerhalb eines einzelnen Sounds.

Allerdings zeigt sich hier auch die größte Schwäche des Geräts: Die Bedienung ist komplex und auf der kleinen Oberfläche nicht immer intuitiv.

Sounddesign: Tiefgehend, aber nicht immer komfortabel

Wer sich ernsthaft mit dem CZ-1 Mini beschäftigen möchte, sollte Zeit mitbringen. Die Soundarchitektur ist deutlich komplexer als bei typischen Einsteiger-Synthesizern.

Insbesondere die achtstufigen Hüllkurven verlangen Einarbeitung. Statt einfacher Attack-, Decay-, Sustain- und Release-Parameter arbeitet das System mit mehreren frei definierbaren Stufen inklusive Rate- und Level-Werten.

Das eröffnet enorme Möglichkeiten, macht spontane Klanggestaltung aber langsamer.

Gerade ohne großen Bildschirm verliert man schnell den Überblick darüber, welche Envelope-Stufe gerade bearbeitet wird. Hier merkt man deutlich, dass das Bedienkonzept ursprünglich aus einer anderen Hardware-Generation stammt.

Trotzdem entwickelt der CZ-1 Mini nach einiger Zeit eine eigene Logik. Wer sich darauf einlässt, kann erstaunlich komplexe Sounds programmieren – weit über klassische Retro-Presets hinaus.

Hilfreich ist dabei der zentrale Encoder. Große Parameteränderungen gelingen deutlich schneller als auf vielen historischen Geräten mit Tasterbedienung.

Wirklich stark ist die Möglichkeit, nahezu alle Parameter via MIDI zu steuern. Dadurch wird der CZ-1 Mini fast interessanter als Soundmodul innerhalb moderner Produktionsumgebungen als als eigenständiger Performance-Synthesizer.

Analogfilter als moderne Erweiterung

Eine der spannendsten Ergänzungen gegenüber historischen Phase-Distortion-Konzepten ist das analoge 24-dB-Lowpass-Filter.

Eigentlich benötigt die Phase-Distortion-Synthese kein klassisches Analogfilter, weil die Klangformung bereits digital über die DCW-Struktur erfolgt. Genau deshalb wirkt das Filter zunächst fast wie ein Fremdkörper.

In der Praxis erweitert es den Charakter des Instruments aber enorm.

Besonders aggressive oder harsche Digital-Sounds lassen sich deutlich besser kontrollieren. Gleichzeitig entstehen interessante Hybrid-Klänge zwischen digitaler Präzision und analoger Wärme.

Das Filter reagiert musikalisch genug für lebendige Sweeps, bleibt aber eher funktional als spektakulär. Resonanzfahrten oder extreme Selbstoszillation stehen hier weniger im Fokus.

Zusätzlich integriert Behringer einen separaten Filter-LFO. Dadurch entstehen rhythmische Modulationen, die mit der ursprünglichen CZ-Architektur kaum möglich waren.

Der Chorus dagegen wirkt weniger überzeugend. Da er nur mono arbeitet, verliert er gerade bei komplexeren Stereo-Sounds an Wirkung. Für einfache Pads oder Leads funktioniert er dennoch brauchbar.

Schwächen im Detail

So spannend das Konzept ist, der CZ-1 Mini zeigt einige Schwächen.

Die größte Einschränkung ist die dreistimmige Polyphonie. Für einfache Akkorde oder Leads reicht das aus. Sobald längere Release-Zeiten oder komplexe Layer-Sounds ins Spiel kommen, stößt das Gerät aber schnell an Grenzen.

Gerade Pads leiden darunter spürbar.

Hinzu kommen einige klangliche Eigenheiten. Im Bassbereich wirken manche Wellenformen zu dumpf, während höhere Lagen teilweise unangenehme Obertöne entwickeln. Besonders bei bestimmten Presets treten zudem interne Verzerrungen auf.

Teilweise müssen Lautstärken innerhalb der Hüllkurven reduziert werden, um saubere Ergebnisse zu erhalten. Das wirkt unfertig und hätte in dieser Form eigentlich vor Veröffentlichung auffallen müssen.

Auch einige Firmware-Details wirken noch nicht vollständig ausgereift. Bestimmte Betriebsmodi sind vertauscht, einzelne Funktionen verhalten sich anders als erwartet und die angekündigte Kompatibilität zu originalen SysEx-Daten funktioniert aktuell nur eingeschränkt.

Der interne Sequencer bleibt ebenfalls eher rudimentär. Für spontane Ideen reicht er aus, ernsthafte Sequencer-Arbeit übernimmt man in der Praxis aber meist extern.

Im Studioalltag überraschend inspirierend

Interessanterweise funktioniert der CZ-1 Mini im Studio deutlich besser als zunächst erwartet.

Gerade in modernen Produktionen kann sein eigenwilliger Digitalcharakter eine echte Bereicherung sein. Viele aktuelle Synthesizer klingen bewusst warm, breit und analog. Der CZ-1 Mini setzt dagegen auf Präzision, kantige Obertöne und kontrollierte Künstlichkeit.

Dadurch entstehen Sounds, die sich hervorragend im Mix platzieren lassen.

Besonders spannend wird das Gerät in Kombination mit externen Effekten. Reverbs, Delays, Tape-Sättigung oder Modulationseffekte holen erstaunlich viel Tiefe aus den eher nüchternen Grundsounds heraus.

Auch als Layer-Synthesizer funktioniert der kleine Behringer gut. Schimmernde Höhenflächen, gläserne Attack-Sounds oder metallische Layer lassen sich hervorragend mit analogen Klängen kombinieren.

Die MIDI-Integration macht ihn zusätzlich interessant für DAW-Automationen. Bewegte Filterfahrten, komplexe Hüllkurven oder rhythmische Parameterfahrten wirken dadurch deutlich lebendiger.

Im Live-Einsatz dagegen zeigt das Mini-Format seine Grenzen. Die kleine Bedienoberfläche und die geringe Polyphonie machen den CZ-1 Mini eher zum Zusatzinstrument als zum zentralen Bühnen-Synthesizer.

Presets, MIDI und Performance-Funktionen

Ab Werk stehen lediglich 16 Presets zur Verfügung. Das ist extrem wenig – selbst für ein kompaktes Gerät.

Zwar lassen sich Sounds extern sichern, dennoch wirkt diese Begrenzung unnötig knapp.

Die Presets selbst zeigen zudem nicht das gesamte Potenzial der Engine. Viele konzentrieren sich auf klassische 80er-Brass- und String-Sounds, während experimentellere oder perkussive Klangwelten kaum vertreten sind.

Der Arpeggiator bietet lediglich die Grundmodi Up, Down sowie Up/Down. Funktionen wie Oktavsprünge oder Hold fehlen.

Der Stepsequencer arbeitet mit 16 Pattern à 16 Steps und erfüllt eher Basisaufgaben.

Positiv bleibt erneut die MIDI-Seite. Velocity wird unterstützt, USB-MIDI funktioniert stabil und die umfangreiche Parametersteuerung eröffnet viele Möglichkeiten für externe Controller oder Automation.

Der Beitrag Behringer CZ-1 Mini Test: Phase Distortion im Taschenformat erschien zuerst auf KEYBOARDS / SOUND & RECORDING.

Dabei erschien der Matrix-12 in einer schwierigen Phase für Oberheim. Während der Synthesizer technisch zur absoluten Spitzenklasse gehörte, geriet das Unternehmen Mitte der 1980er-Jahre wirtschaftlich unter Druck. Gerade dieser Kontrast macht die Geschichte des Instruments so spannend: Der Matrix-12 war ein Höhepunkt analoger Synthesizer-Technik – und zugleich eines der letzten großen Flaggschiffe der klassischen Oberheim-Ära.

Die Geschichte des Oberheim Matrix-12

Tom Oberheim und das schwierige Jahr 1985

Das Jahr 1985 war für Tom Oberheim kein leichtes. Der Gründer von Oberheim Electronics hatte bereits legendäre Instrumente wie das SEM-Modul, den 4-Voice, den OB-X und den OB-Xa auf den Markt gebracht. Trotzdem musste er seine Firma verkaufen und den Chefsessel räumen. Aus Oberheim Electronics wurde ECC Oberheim.

Für einen Pionier der Synthesizer-Geschichte war das ein harter Einschnitt. Tom Oberheim hatte bereits in den 1960er-Jahren mit elektronischen Klangerzeugern experimentiert. Inspiriert von Harold Bodes Designideen entwickelte er unter anderem einen Ringmodulator, der später sogar im Soundtrack von Rückkehr zum Planet der Affen zum Einsatz kam.

Oberheim Electronics war Mitte der 1980er zwar kreativ und technisch stark aufgestellt, kämpfte jedoch mit Unterfinanzierung. Trotz voller Auftragsbücher konnte die vergleichsweise kleine Firma nicht mit größeren Herstellern wie Roland oder Yamaha mithalten. Es fehlten Personal, Produktionskapazitäten und finanzielle Reserven.

Vom Xpander zum Matrix-12

In dieser angespannten Situation erschien 1985 der Oberheim Matrix-12. Entwickelt wurde er unter anderem von Marcus Ryle, Michael Doidic, Anna Graham, Jim Letts und Ale Silverman. Technisch basierte der Matrix-12 eng auf dem zuvor erschienenen Oberheim Xpander, bot jedoch zwölf Stimmen und eine Tastatur.

Der ursprüngliche Verkaufspreis lag bei rund 15.000 DM. Damit war der Matrix-12 eindeutig ein professionelles High-End-Instrument. Sein Design wirkte futuristisch und funktional: ein mattschwarzes Bedienfeld, drei grün leuchtende 40-stellige Displays, Multifunktionstaster und sechs Endlosregler für schnellen Zugriff auf wichtige Parameter.

Trotz der enormen Funktionsfülle war die Bedienung für damalige Verhältnisse durchdacht. Die Menüstruktur erforderte zwar Einarbeitung, doch die Kombination aus Displays, Tastern und Reglern machte das Programmieren eigener Sounds erstaunlich zugänglich.

Klangerzeugung des Oberheim Matrix-12

Zwölf Stimmen mit analoger Subtraktivsynthese

Der Oberheim Matrix-12 ist ein zwölffach polyphoner Analogsynthesizer. Jede Stimme basiert auf einer erweiterten subtraktiven Synthese und bietet zwei spannungsgesteuerte Oszillatoren. Diese VCOs liefern klassische Wellenformen wie Dreieck, Sägezahn und Puls. Die Pulsweite ist modulierbar, wodurch lebendige PWM-Sounds möglich sind. Zusätzlich steht weißes Rauschen über Oszillator 2 zur Verfügung.

Beide Oszillatoren können synchronisiert werden. Außerdem lassen sie sich für frequenzmodulierte Klangfarben einsetzen. Dabei agiert VCO 1 als Carrier und VCO 2 als Modulator. So entstehen metallische, geräuschhafte und komplexe Spektren, die sich dennoch tonal über die Tastatur spielen lassen.

Multimode-Filter mit 15 Filtertypen

Eine der größten Stärken des Matrix-12 ist seine außergewöhnlich flexible analoge Filtersektion. Statt nur ein klassisches Tiefpassfilter zu bieten, verfügt der Synthesizer über eine Vielzahl unterschiedlicher Filtermodi. Dazu gehören:

• Tiefpassfilter mit 1, 2, 3 und 4 Polen
• Hochpassfilter mit 1, 2 und 4 Polen
• Bandpassfilter mit 2 und 4 Polen
• Bandsperre beziehungsweise Notch-Filter
• Phase-Shift-Filter
• Kombinationen aus Tiefpass, Hochpass, Bandsperre und Phase Shift

Diese Filtervielfalt macht den Matrix-12 besonders interessant für Sounddesigner. Warme Pads, druckvolle Bässe, schneidende Leads, vokale Filterbewegungen und experimentelle Texturen lassen sich sehr präzise formen.

Auch bei höheren Resonanzwerten bleibt der Klang vergleichsweise stabil und verliert kaum an Substanz. Ein kleiner Nachteil ist die Rasterung der Resonanz in 64 Schritten. Beim Schrauben in Echtzeit können außerdem gelegentlich Timing-Probleme oder kurze Aussetzer auftreten, was vor allem an den stark beanspruchten Motorola-Prozessoren liegt.

Die Modulationsmatrix: Das Herz des Matrix-12

Flexible Modulation wie in einem Modularsystem

Der Name Matrix-12 verweist direkt auf eines seiner wichtigsten Merkmale: die Modulationsmatrix. Für einen polyphonen Analogsynthesizer der 1980er-Jahre war diese Architektur außergewöhnlich flexibel.

Viele Parameter können als Modulationsziele definiert werden. Dazu zählen nicht nur klassische Ziele wie Tonhöhe, Filterfrequenz oder Lautstärke, sondern auch Filterresonanz und einzelne Phasen der Hüllkurven. Dadurch lassen sich sehr komplexe, dynamische und organische Klangverläufe programmieren.

LFOs, Hüllkurven und weitere Modulationsquellen

Pro Stimme bietet der Matrix-12 eine beeindruckende Auswahl an Modulationsquellen und Klangbausteinen:

• fünf Hüllkurven mit ADSR-Charakteristik und Delay-Funktion
• fünf LFOs mit Standard-Wellenformen, Rauschen und Sample-&-Hold-Varianten
• drei Tracking-Generatoren
• vier Ramp-Generatoren
• zwölf digital kontrollierte Verstärker
• ein Lag-Prozessor zum Glätten von Steuerspannungen
• drei VCAs

Die LFOs reichen allerdings nicht bis in den Audiobereich. Für klassische Vibrato-, Tremolo-, Filter- und Sample-&-Hold-Modulationen sind sie dennoch sehr vielseitig. Gerade im Zusammenspiel mit den Tracking-Generatoren und Ramp-Generatoren entstehen Klangbewegungen, die weit über typische polyphone Synthesizer-Sounds hinausgehen.

Klangcharakter: Wie klingt der Oberheim Matrix-12?

Druckvoll, edel und flexibel

Der Grundsound des Matrix-12 ist druckvoll, klar und hochwertig. Er klingt weniger rau und brachial als manche früheren Oberheim-Modelle, etwa der OB-X oder OB-1. Dafür bietet er eine enorme klangliche Bandbreite.

Typische Oberheim-Stärken wie breite Pads, cremige Flächen, markante Bläser, ausdrucksstarke Leads und solide Bässe beherrscht der Matrix-12 souverän. Gleichzeitig kann er experimentelle, modulare und geräuschhafte Sounds erzeugen, die bei vielen anderen polyphonen Synthesizern dieser Zeit kaum möglich waren.

Pads, Leads, Bässe und Oberheim-Brass

Besonders berühmt ist der Matrix-12 für seine großen, schwebenden Pads. Durch die zwölf Stimmen, die analogen VCOs, die flexible Filtersektion und die Layer-Möglichkeiten entstehen breite, lebendige Flächen mit enormer Tiefe.

Auch Leads profitieren vom klar konturierten Grundklang. Sie setzen sich gut im Mix durch, ohne unangenehm zu wirken. Bässe klingen solide und druckvoll, wobei der Matrix-12 eher für edle, definierte Bass-Sounds steht als für extrem rohe Monosynth-Gewalt.

Die klassischen Oberheim-Brass-Sounds gelingen ebenfalls hervorragend. Gerade in Kombination mit langsamen Filterbewegungen und subtiler Verstimmung entsteht der typische breite, musikalische Charakter, den viele Musiker mit Oberheim verbinden.

Bekannte Nutzer und musikalischer Einsatz

Der Oberheim Matrix-12 wurde von zahlreichen bekannten Künstlern und Produzenten genutzt. Zu den Acts, die mit dem Matrix-12 in Verbindung gebracht werden, gehören unter anderem:

• Depeche Mode
• Vangelis
• Scritti Politti
• Herbie Hancock
• Yello
• Erasure

Besonders in den Bereichen Synth-Pop, Filmmusik, Electronic, Ambient und experimenteller Pop fand der Matrix-12 seinen Platz. Seine Fähigkeit, sowohl klassische Analog-Sounds als auch komplexe Modulationen zu liefern, machte ihn zu einem vielseitigen Werkzeug im Studio.

Matrix-12, Xpander, Matrix-6 und Matrix-1000 im Vergleich

Oberheim Xpander: Die halbe Matrix-12-Power ohne Tastatur

Der Oberheim Xpander erschien vor dem Matrix-12 und kann als dessen direkter technischer Verwandter betrachtet werden. Im Grunde bietet er die halbe Klangerzeugung des Matrix-12: sechs Stimmen, dieselbe flexible Synthese-Architektur und keine Tastatur.

Für viele Sounddesigner ist der Xpander bis heute besonders attraktiv, weil er kompakter ist und dennoch einen Großteil der Matrix-12-Klangarchitektur bietet.

Oberheim Matrix-6 und Matrix-6R

Der Matrix-6 und seine Rack-Version Matrix-6R bieten eine abgespeckte sechsstimmige Variante des Matrix-Konzepts. Sie klingen ebenfalls hervorragend, verzichten jedoch auf viele Luxusfunktionen des Matrix-12 und Xpander.

Der größte Unterschied liegt in der Filtersektion. Statt der umfangreichen Multimode-Filter mit zahlreichen Modi gibt es beim Matrix-6 nur ein Tiefpassfilter. Auch bei den Modulationsmöglichkeiten wurde reduziert.

Oberheim Matrix-1000: Günstiger Einstieg in den Matrix-Sound

Der Matrix-1000 ist die vielleicht bekannteste Budget-Alternative innerhalb der Matrix-Familie. Er bietet 1000 Preset-Sounds und lässt sich nur eingeschränkt direkt am Gerät editieren. Für tiefgehende Klangprogrammierung ist Software nötig.

Trotzdem ist der Matrix-1000 klanglich sehr reizvoll. Wer den Sound des Matrix-12 liebt, aber dessen hohe Preise scheut, kann mit zwei kaskadierten Matrix-1000 eindrucksvolle Stereo-Sounds erzeugen. Ganz an die klangliche Breite und Flexibilität des Matrix-12 kommt diese Lösung jedoch nicht heran, unter anderem wegen der reduzierten Filtertypen, geringerer Modulationsmöglichkeiten und der DCOs statt VCOs.

Technik: Curtis-Chips und Motorola-Prozessoren

Im Inneren des Matrix-12 arbeiten zahlreiche Curtis-Chips, die den analogen Klang prägen. Dazu gehören unter anderem der CEM 3374 Dual-VCO, der CEM 3372 Signalprozessor und der CEM 3320 Filterchip.

Die digitalen Steuerungsaufgaben übernehmen zwei Motorola-6809-Prozessoren. Diese Architektur war für ihre Zeit sehr leistungsfähig, kann aber bei intensiver Echtzeitbedienung an Grenzen stoßen. Gerade schnelle Parameteränderungen oder komplexe Modulationsaufgaben können gelegentlich zu hörbaren Reaktionen im Timing führen.

Trotzdem bleibt der Matrix-12 ein beeindruckendes Beispiel dafür, wie weit analoge Synthesizer-Technik Mitte der 1980er-Jahre entwickelt war.

Warum der Oberheim Matrix-12 bis heute Kultstatus hat

Der Oberheim Matrix-12 ist kein einfacher Vintage-Synthesizer, der nur wegen seines Alters begehrt ist. Sein Kultstatus beruht auf einer seltenen Kombination aus Klang, Flexibilität und historischer Bedeutung.

Er bietet den warmen, breiten und musikalischen Oberheim-Sound, erweitert diesen aber um eine fast modulare Klangarchitektur. Die vielen Filtertypen, die umfangreiche Modulationsmatrix und die Layer- und Split-Funktionen machen ihn zu einem Instrument, das auch Jahrzehnte nach seiner Veröffentlichung noch inspirierend wirkt.

Gleichzeitig markiert der Matrix-12 das Ende einer Ära. Er gehört zu den letzten großen analogen Poly-Synthesizern vor dem endgültigen Siegeszug digitaler Workstations, Sampler und FM-Synthesizer.

Tom Oberheim und das Comeback der Marke

Nach dem Besitzerwechsel blieb Tom Oberheim zunächst noch bei ECC Oberheim. Später gründete er 1987 Marion Systems, da er seinen eigenen Namen nicht mehr als Firmennamen nutzen konnte. Unter dieser Marke erschien unter anderem der analoge Synth-Expander MSR-2.

Die Namensrechte an Oberheim gingen später an Gibson. Erst viele Jahre später gab es ein erfreuliches Kapitel in der Geschichte: 2021 erhielt Tom Oberheim von Music Tribe die Rechte an der Marke Oberheim in mehreren Ländern zurück. Mit dem Oberheim OB-X8 wurde schließlich ein aktuelles Instrument vorgestellt, das die klassische Oberheim-Tradition fortführt.

FAQ zum Oberheim Matrix-12

Ist der Oberheim Matrix-12 ein analoger Synthesizer?

Ja. Der Matrix-12 besitzt eine analoge Klangerzeugung mit VCOs, VCAs und analogen Filtern. Die Steuerung und Modulation werden teilweise digital verwaltet, was die enorme Flexibilität des Instruments ermöglicht.

Wie viele Stimmen hat der Matrix-12?

Der Oberheim Matrix-12 ist zwölffach polyphon. Das bedeutet, dass bis zu zwölf Stimmen gleichzeitig erklingen können. Durch Split- und Layer-Funktionen lassen sich diese Stimmen flexibel auf verschiedene Sounds verteilen.

Was unterscheidet den Matrix-12 vom Xpander?

Der Xpander besitzt im Wesentlichen die halbe Klangerzeugung des Matrix-12, also sechs Stimmen statt zwölf, und keine Tastatur. Klangarchitektur und Bedienkonzept sind eng verwandt.

Ist der Matrix-1000 eine Alternative zum Matrix-12?

Der Matrix-1000 ist eine günstigerere Möglichkeit, in den Oberheim-Matrix-Sound einzusteigen. Er bietet jedoch weniger Filtertypen, weniger Modulationsmöglichkeiten und DCOs statt VCOs. Klanglich ist er stark, aber nicht so flexibel und mächtig wie der Matrix-12.

Warum ist der Oberheim Matrix-12 so teuer?

Der Matrix-12 ist selten, technisch aufwendig und klanglich außergewöhnlich vielseitig. Seine Kombination aus zwölf Stimmen, analoger Klangerzeugung, Multimode-Filtern und Modulationsmatrix macht ihn zu einem der begehrtesten Vintage-Synthesizer.

Fazit: Der Oberheim Matrix-12 bleibt ein Meilenstein

Der Oberheim Matrix-12 ist einer der großen analogen Synthesizer-Klassiker. Er verbindet den edlen Oberheim-Sound mit einer außergewöhnlich tiefen Modulationsarchitektur und einer Filtersektion, die bis heute beeindruckt.

Sein Klang ist breit, kraftvoll und musikalisch, aber zugleich präzise und kontrollierbar. Er kann klassische Pads, Leads, Bässe und Brass-Sounds ebenso überzeugend liefern wie experimentelle Texturen und komplexe Modulationsklänge.

Wer sich für Vintage-Synthesizer, analoge Klangerzeugung und die Geschichte elektronischer Musikinstrumente interessiert, kommt am Oberheim Matrix-12 kaum vorbei. Er ist nicht nur ein Sammlerobjekt, sondern ein echtes Sounddesign-Werkzeug – und einer der letzten großen analogen Boliden der 1980er-Jahre.

Externer Link: Analog Synthesizers – Oberheim

Externer Link: Aktuelle Oberheim-Synthesizer bei MUSIC STORE professional ansehen

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